Freaky Midnight Show

Mis 10 estrellas favoritas del porno

2011-01-28T08:51:00.008-05:00

Actualizado 19 de Febrero

Este post es muy estupido, pero aún así quiero hacerle cambios, porque somos hombres cambiantes, con gustos cambiantes. Hal Rodman sale y Peter North quedara como un Bonus...

Es más... ¿Alguién sigue leyendo esto?...

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Porque los muchachos buenos también vemos porno, y como estoy enfermo, con otros proyectos y con un futuro indefinido para este blog (Será para bien, seguro), sale este pequeño post que solo demuestra mi ocio de enfermo a las siete de la mañana. Como para el estrés, liberen tensiones y prepárense para mis diez actores eróticos favoritos. En ningún orden en especifico.

- Ilona Staller "Cicciolina" -

- Claudio Antonelli-

- Marilyn Chambers-

- Traci Lords -

- Jack Wrangler -

- Alex Baresi -

- Jason Ridge -

- Aiden Shaw -

- Robert Van Damme-

- Alex Collack-

Bonus:

-Peter North (Matt Ramsey) -

Gremlins 2: The New Batch (1990)

2011-01-14T01:28:00.002-05:00

Dirigida por
Joe Dante

Escrita por
Michael Finell

Reparto
Zach Galligan
Phoebe Cates
Dick Miller
Christopher Lee
Robert Prosky
Haviland Morris
Paul Bartel
Leonard Maltin
Bugs Bunny - El Pato Lucas

USA – Technicolor
106 Minutos

Gremlins 2: The New Batch es, por decirlo ligeramente en una película no tan ligera, una extensión más divertida de la película original, a la cual debo mencionar le he tenido un grato cariño toda la vida. Y es gracioso. La película es absurdamente estruendosa, exagerada y excesiva. Lo excesivo, y más con el cine de hoy en dái, es peligroso, pero cuando lo excesivo se vuelve algo consciente y esta perfectamente encajado con las intenciones que no son implantadas incluso hasta dictadas por el Pato Lucas, y sigue su juego sin dejar de ser desleal ni un minuto, entonces tenemos un espectáculo divertido que no queremos que termine. El ritmo esta bien, las bromas son una delicia para lo fanáticos y Gizmo vuelve a salvar la noche. ¿Qué podría estar mal?

Muchas cosas, supongo, para el espectador abochornado que no acepte el juego… y mucho menos si los Gremlins le caen pesados. Pero cual es la cosa. Los Gremlins son malvados, despreocupados, aún más que descarados. Cualquier hombre o mujer sensible a ver ratas en el balde de los caramelos se sentiría destrozada y humillada. ¡Que de malas! Los Gremlins estarían más que complacidos con sus gritos. Y más si humillan a Christopher Lee, Paul Bartel o a Leonard Maltin juntos. Los Gremlins se burlan de ellos mismos y Joe Dante, su director, también.

Es bueno que, de todos modos, la figura del monstruo no se haya sobre-explotado creando más películas. Aunque, sinceramente, hubiera querido una revancha más en las calles de Nueva York. Y sin embargo, la película es más entretenida ahora que nunca, no desplaza a la original porque va y llega a otro camino y lo hace con éxito. El espejo que se burla del otro espejo con verdadera astucia, gana la pelea, y lo peor es que salimos ganando porque no nos ganamos ningún rasguño, no como el pobre Dick Miller que aún viejo sigue defendiendo a su patria.

¡Dame un poco de Amor…! (1968)

2011-01-08T13:38:00.002-05:00

Dirigida por
José María Forqué

Escrita por
José María Forqué
Juan Cobos
Eduardo Ducay
Carlos Muñiz

Reparto
Mike
Manolo
Miguel
Pablo
Tony
Rosenda Monteros

España – Eastmancolor
87 Minutos

También conocida como:
• Bring a Little Lovin´ (Título Internacional)

No se si las demás películas que protagonizaron Los Bravos (La banda española de rock que protagoniza esta película) tengan la misma magia pulp que la película que estamos dispuestos a reseñar, pero ¡Dame un poco de amooor…! es una película, sencillamente digámoslo, divertidísima en proporciones épicas.

En esta época, las diversas películas de cantantes populares y de bandas de rock´n roll (Al igual que en México), se nutrían inevitablemente del alma pop, que transfiguraba toda un estética típica de una época ya ida pero tan necesaria de recordar, así sea inundados en la nostalgia. Indudablemente, adentrándonos específicamente en aquellas películas con bandas musicales de rock con integrantes masculinos, la aparición del surrealismo del ingles Richard Lester con las variadas películas de los Beatles, inspiraron una moda narrativa en la que dicha banda, como en este caso, se enfrenta a una aventura intermediada con una interrupción musical que era aprovechada para desplegar dicha imaginación estética.

Pero no podemos decir que este filme sea una copia ostentosa de la narrativa surrealista de las películas de los Beatles. De hecho, estas películas españolas encontraron un lenguaje musical definitivo (Así la mayoría de estas canciones fueran cantadas en ingles, quizás por una maniobra comercial y de venta) cuya herencia máxima, para mi, sea la obra maestra de la psicodelia dirigida por Ivan Zulueta, Un Dos Tres al Escondite Inglés. Y esta película, encuentra su propia vía de escape para desarrollar su aventura: Mike, el vocalista del grupo de Los Bravos es buscando por un preciosa china llamada Chin Sao Ling para que rescate a su padre, un honorable científico, de las garras del malvado Chou Fang, un temible maestro de lo maligno que quiere dominar al mundo.

La película, desde el principio, cuenta su historia con un estilo digno del comic, viéndose de una vez que su protagonista, Mike, es un aficionado a los tebeos, dándole rienda suelta a que la película se nutra de una imaginación grafica, jugando con las imágenes y dándole a la narración un nivel diferente de desarrollo, fugaz y novedoso aún hoy día para el espectador. Y lo que tenemos es una conjunción magnifica que se preocupa directamente de la diversión, teniendo además, las magnificas canciones de Los Bravos, cuyo dinamismo, de uno y cada uno de ellos, de diversión, broma y jugarreta (Algo muy similar como con los juegos de palabra en los Beatles) hacen que la película gane una inocencia de creces nostálgicas, a pesar de estar mediado por ciertos segmentos violentos, que son inevitables teniendo como base el estereotipo oriental impuesto ya por la imaginación Sax Rohmeriana de Fu Manchú.

Y las connotaciones raciales aquí son aún más interesantes. Dada a la referencia en la que esta basada los personajes orientales, podría darse a pensar en la facilidad en que el estereotipo podría triunfar con la discriminación tan general y típica que era tan común en la vista occidental de los 30s con las películas de Fu Manchú, pero dentro de tanta jugarreta, la inclusión tan oída de “dominemos al mundo” entra a jugar casi satíricamente con las potencias mundiales llegando a discriminar, ya no a ninguna raza (Teniendo n cuenta que Chou Fang no es el único villano en la historia), sino que incluso llegamos a una visión graciosa sobre el satánico poder de la industria musical. Varias escenas, la competencia y unión de las potencias se ven envuelto en un problema que, para el día, es gracioso y disfrutable por su relevancia. Y si esto para ustedes no es importante, todavía esta la inolvidable diversión pop que hace que todo el paquete en esta deliciosa locura rock se vuelva indispensable.

America Exposed (1990)

2011-01-03T13:22:00.004-05:00

Dirigida por
Romano Vanderbes

Escrita por
Romano Vanderbes

USA – Color
100 Minutos

También conocida como:
• This is America 3
• América al Desnudo (Colombia)

“America, la tierra de los orgullosos y de la libertad”. Romano Vanderbes nos refuta de una forma sarcástica pero incoherente con este mondo noventero que muchos acreditan como la tercera parte de una serie de documentales encabezados por This is America!, quien tiene la estructura básica del mondo escabulléndose en todos los rincones posibles de Estados Unidos para mantener con la boca abierta a sus espectadores. America Exposed no es nada distinta.

Hay segmentos tan interesantes por su estupidez o su inocencia que entregan hasta una diversión sin compromisos, como la escena en que vemos a unos religiosos que detestan a Santa Claus, ahorcándole y mandándolo para el infierno, una lucha entre camioneros gordos y poco atractivos, sexo publico en motocicletas (Quien al parecer, uno de sus performers en cuero, que además se delirantemente sexy, es Tim Sullivan quien dirigiria el remake del clasico de H.G Lewis ahora llamada, 2001 Maniacs junto a Robert Englud). En otros momentos es simplemente ingenuo, risorio por su estupidez como aquellos segmentos en donde encontramos persecuciones policíacas o de “vigilantes”. Aunque claramente podrían ser reales y estas cosas si pueden pasar, ¿Como rayos en algunos momentos puede la cámara estar tan preparada a estos eventos sin ser, claro esta, ella un mismo oráculo para su director? Hay, sin duda y sin sorpresa – porque esta es una moda clarísima del mondo – situaciones que son simuladas y preparadas.

Y hay por supuesto momentos shock que incomodan, porque después de todo y por más urbano que sea, es un mondo y es pura explotación. Quizás, no solamente los amantes necrofilicos. Es perturbador el campo de entrenamiento para jovencitos que quieren pertenecer al KKK. Aún siendo un filme de explotación en que nos han mostrado a un idiota haciendo un huevo quemándose las pelotas para hacer un omelette (Que fracasado), da un miedo terrible pensar que, no se si con intención, han llegado a mostrar la verdadera cuna de un problema que nació con la America misma.

Como buen mondo, su información como documento es estupido y solo vale como fascinación, de aquellos momentos en que los travestís eran igual de festivos como los celulares han cambiado a la panela por un granito de arroz.

El Día de la Bestia (1995)

2011-01-03T08:54:00.004-05:00

Dirigida por
Álex de la Iglesia

Escrita por
Álex de la Iglesia
Jorge Guerricaechevarría

Reparto
Álex Angulo
Santiago Segura
Armando de Razza
Maria Grazia Cucinotta
Terele Pávez

España, Italia – Color
103 Minutos

El cine de Álex de la Iglesia es un mundo demasiado extravagante como para no pasarla bien, así la película pudiera disfrutar aún más de sus posibilidades. Recuerdo La Comunidad, por ejemplo, la cual vi hace mucho tiempo y tenía que ser en el momento una de las mejores películas Españolas del nuevo siglo que había visto. Creo que eso no ha cambiado. Pero un éxito previo como El Día de la Bestia, la cual yo había evitado hasta el día de hoy (Ni modos cuando la estrenaron, estaba muy pequeño, aunque muy bien recuerdo el hit que fue en esa época) había impartido un estilo novedoso y original que no se perdía entre el auto homenaje y, sin embargo, era tan disfrutable como cualquier película de serie B, si es que autores más jóvenes como Pedro Almodóvar no habían logrado esto ya pero con el melodrama.

En El Día de la Bestia, un cura (Álex Angulo) ha descubierto la verdadera fecha en que el anticristo va a tener su nacimiento, el problema es que no sabe en donde y, en pos de destruirlo, decide empezar hacer el mal y venderle el alma al diablo para poder acercare a él y poder descubrir el secreto. Con estas posibilidades, especialmente por el personaje del cura, una gran comedia negra se viene desarrollando a la perfección, incluyendo la necesidad de incluir un personaje tan elocuente como el metacho que dice ser satánico (Santiago Segura), el que, de por si, siendo un drogadicto y mala leche es por supuesto un personaje para nada agradable. Y aquí es en donde la película logra con éxito un punto: la sátira asistida o no del señor de la Iglesia frente a comunidades ó culturas musicales como la del metal y sus semejanzas (aunque sea solo estéticas) con el tema del demonio y de la destrucción, llega ser tan valida hoy como hace quince años y como se relaciona esta cultura frente a situaciones como la “limpieza social” cuyo fenómeno en España, como sabemos, es extremadamente fuerte. Y la historia coge, en plena Nochebuena, estas características típicas de la ciudad (En sus habitantes diversos como los metachos, los fanáticos religiosos y los simples transeúntes) para implantar el caos que desarrolla la aventura de su protagonista, que esta por decir de más, el trabajo de Alex Angulo como el cura es mucho más que fantástico y el más exitoso del filme.

Pero hay un momento en que la historia se empieza a poner, si no descarada o exagerada, muy pesada e incoherente en su desarrollo que ya lo que sucede es demasiado coincidencial ó hasta fantástico y pierde el encanto por lo confusa que se pone la historia. Aunque la secuencia final es muy divertida y logra conseguir de nuevo el nivel satírico, muy alineado con el alma de la ciudad de Madrid, con el que había entonado la aventura de su protagonista previamente.

El Día de la Bestia no aprovecha todas sus posibilidades como La Comunidad, pero aún así (y con la actuación de Angulo en el papel principal) la hacen, indudablemente, una de las mejores películas españolas de la última década del siglo XX.

King Kong (1933)

2010-12-30T00:28:00.006-05:00

Dirigida por
Merian C. Cooper
Ernest B. Schoedsack

Escrita por
James Creelman
Ruth Rose
De una idea original de Merian C. Cooper y Edgar Wallace

Reparto
King Kong “La Octava Maravilla del mundo”
Fay Wray
Robert Amstrong
Bruce Cabot
Frank Reicher

USA – Blanco y Negro
104 Minutos (Con Overtura)

Tanto ha sido el impacto de King Kong desde su nacimiento que se ha convertido en una importantísima influencia no solo sobre el cine fantástico sino en la cultura popular del siglo XX. No digamos, como son usuales en mis maneras de recordar un “impacto cultural” como este caso, ni siquiera solo en una porción occidental. Godzilla no solo nació gracias a la bomba atómica. Y es por eso que el dictado que aclama sin pena a Kong como “la octava maravilla del mundo” no es un juego. Es que Kong, es la octava maravilla del mundo. El primer regalo monstruoso del cine para el mundo, cuyo origen sigue intacto y su secuela produciéndose.

Por supuesto, King Kong no es la primera película de monstruos gigantes en el cine, y la idea de Merian C. Cooper fue complementada y muy influenciada, por lo menos cinematográficamente hablando, gracias a The Lost World, el clásico mudo cuya deuda para los efectos especiales en el cine todavía es invaluable. No solo Kong debe gran deuda a esta película, si no mencionamos de nuevo a Godzilla, Equinox, The Evil Dead, Braindead y, obviamente Jurassic Park. Pero muchas de estas mismas películas que acabó de mencionar también tienen su deuda con el gorila gigante. El uso del Stop-Motion desarrollado por Willis O´Brian (Que, solo por anotar, fue el responsable de los efectos en el clásico mudo), desencadenaron todo un concepto que hacia responsable al cine de desarrollar unas capacidades nuevas, ya teniendo el sonido a la par, para entablar una definición del cine fantástico en su forma más cinemática (Desde las influencias de grandes directores como Mélies), y King Kong quizás es la película hablada más importante en estos terminos. En definir al cine como una maquina de contar, crear, experimentar y desarrollar las más abruptas fantasías. No solo para complacer al espectador, sino para emocionarlo, entretenerlo. De eso se trata el cine y, para los gringos, era mucho más que necesario en un año como 1933, en que la depresión económica pedía a gritos un gorila gigante. Agradezcamos a la vida, también, que la época pre-código permitió desarrollar tan épica fantasía. La depresión sin duda necesitaba hablar y esto, solo en esta primera instancia, la hace tan importante para con su contexto como lo fue para el musical con Gold Diggers of 1933 de Mervin LeRoy, la cual desarrolla su efecto a su manera.

Y Kong también lo hace a la suya. Kong es un gorila gigante, el dios de la isla Calavera que imponiendo terror a quien le ataque pide por una mujer como su esposa. Fay Wray, y es aquí donde empiezo a mencionar a este pedazo de mujer, una norteamericana sin un centavo que tiene las más abruptas ganas de aventura y de hacer filmes, se convierte en la bella que mata a la bestia. Kong queda totalmente enamorado de ella, y no se equivoquen, Kong ha matado gente, Brontosaurious y Tiranosauros, en una forma que hasta hoy permanece grotesca, impactante y divertida, pero el gorilón no le hace ni un rasguño a la indefensa señorita Wray, quien se mantiene tan sorprendida y asustada que no puede evitar gritar por lo menos diez veces en cada carrete. Claro que, siendo azarosas cuentas creó que hasta me equivoco, no con menos sino con más gritos.

Robert Armstrong y Fay Wray

Y esta también es una de las cosas que más atesoro de King Kong. Nada sería sin su actor principal, nuestro gorila, pero estoy seguro que no seria lo mismo si Fay Wray no se hubiera su peluca y aceptado el contrato de participar como la chica en peligro. Son los gritos de Fay Wray lo que, sin pena de nada, la convierten en un clásico. Y a veces me pregunto si es que Carl Dehman, el loco director aventurero que moriría por una toma (Robert Armstrong) no será, en espíritu al señor Merian C. Cooper, quien según cuentan por ahí, fue influenciado por las aventuras y fotografías de libros de documentos de exploradores que lo impactaron desde que era apenas un pequeño. Claro, que Dehman no tiene escrúpulos, y es, de su afán celuloidico, de una ambición tan apegada ala industria como lo es Hollwyood, que es sorprendente saber cuanta gente inocente muere, no solo por Kong, sino por su señoría, el director.

No es necesario volver a repetir lo mismo. ¿Para que hacerlo? King Kong es una obra mitica. Una película de aventuras que es en realidad una película de serie B con tanta alma y verdadero amor tan gigante como el monstruo, que se ha vuelto tan importante para el cine que hoy tenemos en las manos, y cuya influencia, después de tantos años y sin perder efecto, no puede dejarse de descuidado. Lo único que me sorprende aún es el que Fay Wray no haya pasado a ser tan icónica como debería serlo. Nadie es, ni siquiera una vieja tetona acuchillada por un hombre enmascarado, la reina de los gritos, del terror y de la aventura como la señorita Wray. Y eso, señoras y señores, también se llama legado.

The Lady in Red Kills Seven Times (1972)

2010-12-28T06:36:00.005-05:00

Dirigida por
Emilio Miraglia

Escrita por
Emilio Miraglia
Fabio Pittorru

Reparto
Barbara Bouchet
Ugo Pagliani
Marina Malfattí
Marino Masé
Maria Pia Giancaro

Italia, Alemania - Technicolor
98 Minutos
También conocida como:
• La Dama Rossa uccide sette volte (Titulo Original)
• Blood Feast

A la setenta Italia no le bastaba el número de criminales despedazando mujeres hermosas y, en lo que corresponde al 72´, no podemos dar queja de la cantidad de películas sobre criminales amarillos entre los que no solo estaban las dos restantes películas de Argento para acabar su “Trilogía de los Animales” como bien le solían llamar. Emilio Miraglia ya había hecho un giallo, y la que es tal vez su más reconocida película a nivel internacional, The Night Evelyn came out of the Grave y definitivamente hay un manejo total en la que parece fue su última película de su filmografía, La Dama de Rojo Asesina Siete Veces, la cual, sin espera les digo, fue todo un deleite para una persona tan amante del subgénero como yo. Pero, como siempre espero que sean mis revisiones, hay una razón.

La película contiene cada una de las reglas que se dictan para desarrollar un giallo con éxito y Miraglia las cumple a cabalidad una a una, sin ninguna presión en desterrar un estilo propio y, además, de brindarnos uno de los asesinos más pulp en la historia del giallo. La historia empieza a finales de los años 50s, en el castillo de una familia aristocrática en donde el abuelo de dos niñas relata la leyenda de la reina de rojo quien volvió de la muerte para asesinar a su hermana en venganza. Creando esta leyenda, Miraglia tiene la oportunidad de desarrollar una historia supernatural en una Alemania contemporánea (Se supone, sucede allá). Y es en donde la legendaria Barbara Bouchet, una fotógrafa de modelos se enfrenta a su pasado por culpa de la aparición de una extraña mujer con capa roja que empieza a matar advirtiéndose en venganza.

El juego dramático es tan interesante como cualquier Hitchcock. Perdonen que medite este nombre tan popular, pero es inevitable pero también valido mencionar su nombre y al mismo tiempo advertir que varias películas heredaron no solo una formula sino que la extendieron hasta desarrollar una propia propuesta tan interesante y valida cinematográficamente en los 70s, en donde la modernidad apuñaba hacia una nueva forma de graficar las cosas y especialmente en un subgénero tan violento como este, es una sorpresa maravillosa encontrar todo en partes iguales. La violencia solo acompaña a los personajes como consecuencia del fenómeno, no es nada gratuito. Y aquí es en donde llegamos a una construcción severa de situaciones que inicia un enredo que inevitablemente, ofrece a los espectadores una liga de cartas de combinaciones que, a medida que se va desarrollando, construye y deconstruye la teoría al irnos siempre sacándonos de la duda de una cosa pero desarreglándonos todo lo que habíamos construido, haciéndonos caer en cuenta que ahora la pieza no encaja. Y lo más importante es que, aún sepamos quien es la victima, hay tantos motivos y tantos personajes involucrados, más la aparición de un fantasma, que no es suficiente para poder resolver el rompecabezas. ¡Es maravilloso!

Aunque claramente, es imposible no confundir al llegar a una resolución. Esto no quita su exitoso efecto en el espectador que se entrego a jugar por dos horas en el misterio pero también hay que reconocer que el riesgo que se corre al crear un rompecabezas que es el guión no sucede aquí y que Miraglia mantiene un ritmo perfecto que hace que su película y no se estanque en excesos artificiales.

Hay belleza, color, mujeres sexys, una usualmente pegajosa composición musical de Bruno Nicolai y cualquier fanático del gialllo estará complacido con el elenco (Bouchet quien es perfecta en su papel, Marino Masé con bigote y Marina Malfatti). La Dama de Rojo Asesina Siete Veces se arriesga mucho más que cualquier contemporáneo de la época. Quizás, hay giallos igual de interesantes en la década, pero a una edad tan temprana, Miraglia crea un giallo excelente en su composición.

NOTA: (Spoiler) Es gracioso que en The Night Evelyn came out of the grave haya una muerta viviente llamada Evelyn, al igual que en esta película.

Ilona Staller “Cicciolina” (1955)

2010-12-23T01:36:00.004-05:00

En Cicciolina Amore Mio de Bruno Mattei

Ilona Staller no es muy bonita – no por lo menos para mi gusto (Moana Pozzi, una de sus compañeras, me parecía más ganadora en este aspecto) – pero sin duda su estrellato tan dominado y reconocido se dio a que le dio una interpretación (No solo física) del sexo y del erotismo. Una de las cosas de las que se olvidan las estrellas pornográfica hoy en día es, por ejemplo, el poder de erotizar más que el de exagerar el orgasmo en el acto sexual. ¿Cuántos de ustedes no se han reído de la sobre orgasmasión de algunos actores? Por supuesto, hoy en día sigue excitando, pero Ilona, más conocida como Cicciolina trato de llevar, incluso créanlo o no, su interpretación del orgasmo hasta la significación de lo político. Tal vez algunos no lo sepan, pero ella creo en el senado italiano un tal “Partido del amor”, la cual no llevo a un sexito ni credibilidad dado a su fama de estrella porno. Aunque sinceramente, en un mundo occidentalizado y mucho más tan hipócrita como la Roma Católica, ¿Cómo tomar en serio una propuesta tan “cursi”?

Pero acá es en donde llegamos. No es que Ilona sea la única estrella pornográfica que haya sido reconocida en otros sectores, pero lo interesante es como ese mismo deber de “el placer” que tanto trata de subrayar sus películas – pornográficas o no -, ha sido ya un objetivo claro de vida y un objetivo profesional. Aunque hoy en día sigue causando calentura mostrando las tetas en varias apariciones publicas, pretencioso o no, la idea del sexo como sujeto político y social es algo novedoso que no debe desprenderse.

En principio como modelo, su trabajo como exponente erótico cae en una época muy precisa, en la que la pornografía exclusiva del cine o de los magazines en esos días tomo una popularidad altísima y un propuesta económica muy productiva en aquellos que se dieron cuenta que lo explicito era la nueva moda a seguir – y la que vemos hoy en día en las pagina de Internet que venden ahora sus películas por escenas o de “solos” exclusivos (Nada de esto tiene que ver con cine, sin embargo) que se asemejan a la idea de los “peep shows” de los 70s-. Su carrera se desarrollo por Ricardo Shcicchi quien dirigió la mayoría de películas pornográficas de la década de los 80s, pero antes de eso, apareció en muchas de las películas eróticas de los 70s dirigida por el gran explotador Bruno Mattei (¿Ya se vieron Hell of the Living Dead?).

Muchos mitos han aparecido alrededor de la imagen de la Cicciolina y sus extravagancias sexuales, tales como la supuesta escena en la que ella practicaba sexo oral a un caballo. No me he visto todas las películas de linea pornográfica pero, de entrevistas y revisiones propias, o son dobles o simples difamaciones. No, claramente por justificar, sino porque sencillamente esto es inexistente – aclarando de una vez que esta moda de la zoofilia era muy común en la pornografía europea de la época y que otras actrices, que no nos interesan, eran más ávidas en esas practicas -. Pero tal vez sus películas eróticas sean las que más advierten esa trasgresión ideológica que su pornografía.

Bailando en John Travolto: Da un Insolito Destino

Ilona ha aparecido con personajes que reconocemos del exploitation italiano, incluyendo a Laura Gemser (Si me leen no debo poner ejemplo porque ya deben saber quien es) Stefania Casini (Suspiria), Ivan Rassimov (El Último Mundo de los Caníbales), Eleonora Giorgi (Inferno), Olga Karlatos (Zombie). Y, para descubrirla en un ambiente previo al porno (y muy importante para los amantes de la explotación y del cine de serie B), Ilona trabajo en la película de Lucio Fulci, Drácula en Brianza (1975), bailando música disco en John Travolto: da un insolito destino ( 1979), en el giallo Cinco Mujeres para el asesino (1974) y en su propio homenaje Cicciolina Amore Mio (1979) de Bruno Mattei, en donde expone toda su personalidad como figura popular a través de una ridícula y cursi pero divertida historia. Sus compañeros de trabajo más comunes se encontraban entre la ya mencionada Moana, Roberto Malone, John Holmes, Kieran Kanter (Buio Omega), la transexual Ajita Wilson (Cualquier sexploitation de Joe D´Amato), Amber Lynn, Karin Schubert (Emanuelle alrededor del mundo) y el delicioso mito que es Rocco Sifreddi (El cual me encanta y hablaremos de su trabajo con D´Amato en otro momento).

Ella, para terminar, tiene una divertida fonografia en donde expone toda su personalidad en sus canciones, incluyendo una composición del mismo Ennio Morricone en Cavallina Cavallo para el filme Dedicato al Mare Egeo y canciones muy populares en su país como Moscolo Rosso (Un homenaje cantado al “pazzo-pene”), “Labbra” y “Pi`su sempre più su” que canta como números musicales (¿?) en la obra de Mattei ya mencionada. Solo dirigiendo una vez a Moana Pozzi en Diva Futura, Cicciolina se ha convertido en un extravagante icono que, inevitablemente, recupera una buena pieza del cine de explotación de la Italia erótica de los años 70s.

Filmografia reseñada

Cicciolina Number One (1986)

Mark of the Vampire (1935)

2010-12-21T14:10:00.009-05:00

Dirigida por
Tod Browning

Escrita por
Guy Endore
Bernard Schubert

Reparto
Bela Lugosi
Carol Borland
Lionel Barrymore
Elizabeth Allan
Henry Wadsworth
Lionel Atwill

USA – Blanco y Negro
60 Minutos

<< En la foto, Bela Lugosi y Carol Borland

“Este negocio, me ha dado una gran idea para un nuevo acto. ¡Luna! En este nuevo acto yo seré el vampiro. ¿Me has visto? Lo di todo. Fuí incluso mejor que cualquier vampiro de verdad”
- Bela Lugosi en La Marca del Vampiro

Que tan excitante y desilusionante es ver una película como La Marca del Vampiro, dirigida por el gran Tod Browning después de su controversial fracaso, Freaks. La película tiene a Bela Lugosi de nuevo trabajando como un vampiro para el director quien, para los que no lo saben, dirigió la versión clásica de Drácula para la Universal en 1931.

Que tan obra tan desequilibrada en sus efectos pero tan importante para los mitos en los que contiene. Su toma final, aquella en la que su personaje es descubierto en su misterio, perfila con tanta seguridad y nostalgia a la persona y gran actor que era Bela Lugosi.

Pero no nos adelantemos.

La excitación reside por su maravillosa atmósfera, incluso más enferma y desquiciadamente gótica que la del previo filme de vampiros. Tal vez también se deba por la hija del vampiro, Luna (Carol Borland), quien de alguna forma u otra, sea o no la película buena o digna de recordarse (Eso lo discutiremos después), debería ser toda un figura para los amantes del genero y de los vampiros. Excitación, porqué el castillo y sus ocultas cámaras en donde descansan los muertos vivos están llenas de arañas y murciélagos. Excitación, porque en todo el segundo acto, se empieza a jugar con una divertida y hasta pervertida omnipresencia del mal vampirico. Bela poco habla, solo dirige su mirada Húngara y se pierde en la oscuridad mientras que los personajes gritan en desconcierto. ¿Y lo desilusionante? No podría mencionarlo, y me gustaría hacerlo, porqué es el giro argumental de la obra que tanta discusión ha mantenido en debate a los pobres cinéfilos que no saben como valorar una extraña obra del terror como esta.

Así que aquí empiezo el párrafo en el que es preferible, si no han visto el filme, no sigan leyendo.

(•••)

Los vampiros que han creado cierta ilusión, terrorífica y omnipresente se desvían de un momento a otro y desaparecen de la trama. El espectador rascándose la cabeza no puede admitir, por lo menos no fácilmente, una cambio tan violento, abrupto. Según en los créditos, el guión esta basado en una historia escrita por el mismo Browning llamada “El Hipnotizador”. Pues bien, la película, a la final se trata del científico (Un mamerto Lionel Barrymore) hipnotizando al posible culpable de un crimen. Toda la fantasía vampirica es un montaje, ilusorio para crear la paranoia en el posible culpable. ¿Por qué – en primera instancia – tomarse tantas molestias para llegar hasta este punto? ¿Por qué son tan necesarios dos actores que hagan de vampiros? ¿Por qué personajes como estos se tomarían tantas molestias? Tantas escenas contradicen la coherencia del argumento y, en un momento, simplemente se vuelve tan fantasioso como la intención de sus protagonistas. Pero, erradamente, la fantasía se vuelve engañosa y hasta, y aquí llegamos, decepcionante.

Pero eso no es lo malo o lo que desilusiona. Lo gracioso del asunto es que, en sí, la propuesta es más bien interesante y revolucionaria, porque intenta romper novedosamente con los esquemas que Drácula había impuesto al género en los 30s y usarlos estratégicamente para engañar a la audiencia. Pero el punto errado es que el proceso en el descubrimiento del engaño hacia el publico, es tan facilita, abrupto, soso que el mismo se siente fácilmente engañado, abruptamente engañado y sosamente engañado.

Y sin embargo, no podemos negar que confunde en sus sentimientos evocadores, especialmente para cualquier fanático del vampirismo y de Bela Lugosi. Vean, la propuesta es interesante porqué expone a la ilusión, al entretenimiento y al acto de asustar de una forma casi irónica. Esto en el caso de Bela Lugosi, quien en la última toma le advierte a su compañera de trabajo lo maravilloso que fue haciéndose el vampiro. Es, gracioso, triste y hasta cosquilloso pensar en como este mismo fantasma lo persiguió por toda su carrera y hasta después de su propia muerte hoy convirtiéndose en el mito que es. Y es por eso que quizás esta película vale pena… aunque probablemente sería aún más grande si no se hubiera preocupado por un misterio sin sentido y su trama hubiera tratado de ese actor y de su compañera. ¡Que película hubiera sido entonces!

NOTAS:

1. Alegadamente, este filme es un remake de una previa película dirigida también por Browing. Me refiero a London After Midnight, la película perdida de Lon Chaney.

2. La película aún así mantiene ilogica su argumento por un extenuante corto por los censores, lo cual en el corte fina y el que podemos ver hoy en dia se nota. Dicen, que se cortan escenas de incesto entre Bela y su hija, Luna.

Killer Fish (1979)

2010-12-19T00:44:00.004-05:00

Dirigida por

Antonio Margheriti

Escrita por
Michael Rogers

Reparto
Lee Majors
Karen Black
James Franciscus
Margaux Hemingway
Marisa Berenson

Italia, Brazil – Color
90 Minutos

También conocida como:
• Piraña (Colombia)
• Killer fish agguato sul fondo
• Las Pirañas Asesinas
• Piranha II - Die Rache der Killerfische

La excentricidad aventurezca del director Antonio Margheriti no se va para nada limitada en Killer Fish, una película que, por más que promocione a los mortales “peces asesinos” resulta dejarlas como un elemento totalmente secundario. Un elemento más de la cantidad de obstáculos que estos descarados ladrones de diamantes tienen que atravesar para lograr su cometido. Hay sangre, balas, peces asesinos, Karen Black gritando como loca y James Franciscus sin camisa. Nada extraña, pero entraña. Sin dejar de decir, claro esta, que adoro a esta película.

Y hay explosiones totalmente necesarias. Nuestros personajes parecen tener un karma. Por más que se quieran salir con la suya, a pesar de que el robo fue un éxito, siempre se les aparece por en medio algo que simplemente no los deja ser felices. Lee Majors, quien parece la cabecilla del grupo, con su cara rígida y machusca conquista a la modelos chic que se fotografía con el gordo y su bella compañera de trabajo (Marisa Berenson). Y aquí hay otro elemento. Cada personaje por su lado se encuentra por culpa de la tormenta y los encierra en un barco que esta que se hunde y, tras del hecho, estan las comelonas pirañas, que no vamos a negar, tienen su encanto.

Entonces, la tarea para atraer el suspenso, o mejor dicho, la forma en que se realiza la misma quizás ya la hayamos visto antes. Pero no de esta forma. Ni en Tiburón ni en la novedosa versión de Piraña de Alexadre Ajá tenemos a unos personajes como estos. En Tiburón los personajes tienen una meta (Matar al tiburón) mientras que en la nueva Piraña todos quieren desnudarse y ser comidos – No son unos personajes realmente profundos -. Pero aquí, cada uno tiene sus intereses, usando arquetipos. Claro, pero cuando esos personajes arquetípicos son interesantes, casi hasta pulp, ¿Cómo no gustar de ellos?. Y lo interesante es el juego dramático que interpone a sus personajes a la obligada aventura. El guión procura a las barreras inmanejables por el hombre, para que estas controlen el destino de estos pintorescos personajes. Y ahí esta el juego de Killer Fish. No es una película además con un genero realmente definido y sin embargo, invierte bien su tiempo asustándonos y haciéndonos reír. Tal vez Margheriti no tenía el mismo dinero que tiene Michael Bay para hacer sus película porno-explosivas, pero por lo menos, Margheriti (Como Edward D. Word Jr. Hasta, gracioso sea, Tim Burton) sabía como hacer sus explosiones. Aquí esta la imaginación de Margheriti, usandola para limitar a sus personajes no para limitar a su película. Killer Fish te comerá hasta los ojos.

NOTAS:

1. En una entrevista hecha a Margheriti en el libro Spaghetti Nightmares, dice que no gustaba recordar a esta película por lo cambios del guión. Raro, que el resultado hoy clame a un filme que necesita redescubrirse. Raro es que Margheriti dice que no es una “copia” de la Piraña de Joe Dante, realizada un año antes, diciendo que esta se hizo primero. Probablemente esta fue estrenada en Italia uno o dos años después. Igualmente esta película esta alejada totalmente a la idea de la película a la que se criminaliza de “copiar”. Gracias por la traducción de la entrevista a Doctor Hitchcock

2. En los foros de la IMDB hay un tema muy interesante sobre una escena de la película Los Muppets se toman Manhattan en la que Scooter trabaja en un cinema que esta presentando “Attack of the Killer Fish en Tercera Dimensión”. ITC distribuyo Killer Fish al igual que a las dos primeras películas que Jim Henson produjo de los Muppets. Sin embargo, la compañía de producción ya no existía cuando se lanzo esta película. La película es una obvia parodia a la cantidad de películas que se estaban haciendo en 3D en esa época. ¡Que adelantado a su tiempo fue, sin embargo! * Gracias a johnmorguen por la anotación.

Savage Streets (1984)

2010-12-16T22:03:00.007-05:00

Dirigida por
Danny Steinman

Escrita por
Danny Steinman
Norman Yonemoto

Reparto
Linda Blair
Robert Dryer
Johnny Vencour
Sal Landi
Lisa Freeman
Linnea Quigley
John Vernon

USA – CFI
93 Minutos

También conocida como:
• Zombie Brigade
• 5 Deadly Angels

Al desconocido mecanico del barrio El Gaitan que murió en la madrugada y no hubo quien cobrara justicia por él.

Linda Blair se ve realmente sexy con una apretada chaqueta de cuero, disparándole flechas asesinas a los punkies punkies que violaron a su hermana y mataron a su mejor amiga. Si Savage Streets vale la pena, debe ser por esto. ¿Hay acaso otra razón? Savage Streets tiene que ser (y se que lo es) uno de los clásicos del cine de explotación de los años 80s. Cada regla de la línea cinematográfica a la que pertenece esta aquí, traída de una forma digerible y entretenida, sin necesidad de que la agresividad y su melodrama equívocamente sincero dañen la experiencia típica del filme de “venganza”, al que apropiadamente han catalogado como el de “Vigilante”.

La película tiene a Linda Blair después de su vulgar Chained Heat, quien también protagonizo junto a John Vernon. Estaba clarísimo que la señorita actriz se había vuelto carne fetiche de las sucias salas en donde se presentan estas infames película y ella, sin más, termino haciendo las películas más zarrapastreras que tuvo Estados Unidos en esa década… eso claro, juntándola con Jason Voorhees y Chuck Norris.

La película, como verán que no es sorpresa, tiene groserías, chicas que se tratan como “perras” cada vez que abren la boca y los desgraciados punkos más detestables que se han podido a ver hasta ahora. No es sorpresa que queramos que Linda los elimine de la forma más agreste y vulgar como sus palabras o peleas en las duchas con sus compañeras de clase. Y con esto me refiero a algo que muchos de mis lectores ya conocerán bien. Los senos y la violencia de estos chicuelos no tiene limite. Pero la ventaja de Savage Streets, y por la que quizas se ha vuelto favorita de muchos, es que no deja de ser entretenida y que por lo menos su heroína y sus amigas son personajes simpáticos. Y eso da un punto de más.

Una cosa interesante y, que cabe anotar de nuevo, es ver a Linnea Quigley en un rol totalmente diferente, en el que inevitablemente su director no podía dejar de filmarla aunque sea en una escena con los pechos al aire, pero la ida ninfomaniaca que siempre le acompaña desaparece acá interpretando a una bonita e inocente sorda que es violentada por los malditos punkis punkis, que aunque uno que otro aguante el mordisco, son demasiado desagradables y logran tanto nuestro desprecio que el clímax, aunque no del todo satisfactorio al no jugar con todas sus posibilidades, resulta ser gomoso por el odio, sensual y todo, de su maravillosa heroína. Que viva la venganza. Los cerdos polizontes no hacen ni mierda y aquellos que los sabemos solo gritamos ¡Te amamos Linda Blair!

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· Trailer Original
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Sailor in the Wild (1983)

2010-12-14T00:24:00.006-05:00

Dirigida por
William Higgins

Reparto
Brian Thompson
Bill Henson
Leo Ford
Búster
Rick Donovan
Dave Sommers

USA – Color
1983

Realmente ya había hecho una revisión de esta película. Pero era pretensiosa en un sentido inocente (Como puedan verlo ustedes), dada la razón a que no estaba informado realmente con la cantidad de películas pornográficas gay que se dieron en los años 70s, aunque hay que confesar que también se deba a que las películas de William Higgins fueron las primeras películas porno que recorrieron mi adolescencia. Pero lo importante de renombrar y renombrar aquí es la importancia de un titulo como Sailor in the Wild para el subgénero en la década de los 80s, quizás no por la más imaginativa o “la mejor”, pues llegar a estos términos con tanta sobreexplotación es un poco complicado. Pero, por alguna, razón, este titulo con su propia audiencia se ha vuelto increíblemente popular. Y quizás, su éxito no sea gratuito.

La película es dirigida por William Higgins, un nombre mítico para el porno gay de los años 80s, que ya había empezado dar colaboraciones desde la década pasada y que tiene como marca registrada (por lo menos de lo que he podido ver), poner en “cámara lenta” todas las eyaculaciones o “cum-shots” de sus personajes/modelos. No es una excepción en Sailor in the Wild. De hecho se repite la galería de modelos, regularmente jóvenes y no demasiado musculosos, repitiendo sus papeles de muchachos heterosexuales confundidos que, irreverentemente, terminan envueltos en relaciones homosexuales “para pasar el tiempo”. No hay sorpresa aquí, igualmente no podemos esperar otras cosas.

También, la selección de ambientes naturales es excesiva en el filme como en otros productos de la misma productora, pero aquí, y quizás esta sea una de las razones por la que sea tan popular, es que la necesidad de “típica” música disco sexy que puede verse aquí en varias ocasiones, solo se acompaña en las escenas en interiores, sea en una mansión o en una elegante cabaña orgiástica. Hay dos escenas que, si siguen siendo detallista pornografía evocan sensualidad y erotismo. Todo esto se da en los primeros cuarenta minutos, que se mancha inevitablemente del ambiente sureño de los bosques que Bill Henson, un caliente guardabosque, cuida sin despreciar los momentos de aparente soledad en los que pueda divertirse. Digo aparente porque el marinero protagonista, Brian Thompson, lo espía con asombro pero con atención. El encuentro entre estos dos personajes, tal vez el más interesante y efectivo en sus intenciones del filme, se convida de sonidos naturales y con la increíblemente creíble idea de descubrimiento del sexo homosexual. La película destila una especie inocencia creíble. En estas primeras escenas no hay una morbosidad severa, ni una violación, ni un malestar presente. Se disfruta el sexo y por lo menos no podemos negar que es algo positivo.

Pero la película, sin perder del todo este toque, empieza con una galería típica de variados personajes que conocen a nuestro marinero en vacaciones: Una jugada de “strip-poker”, sufistas en la playa, Leo Ford excitado con el chico de la piscina y un marihuanero precoz que es castigado de una forma tan típica del porno que es risible en sus gestos.

No puedo decir que sea el mejor porno que he visto, como un consumido y simultaneo revisionista del porno (gay o no) de los años 70s y 80s, pero Sailor in the Wild en sí tiene cosas que no se pueden desaprovechar. Más que todo, debo decirlo, por sus dos personajes principales en su encuentro inocente y divertido de uniformes, que no sin alejarse del fetiche no destila un cliché tan exagerado para ser creído en el realismo natural que se le otorga, al mismo tiempo teniendo en cuenta la belleza física de sus actores que dan a los extremos, siendo Thompson tan pequeño y escuálido frente a un grandullón “hunkie” como Bill Henson. Ambos tienen carácter y magnetismo. Sí el titulo en realidad es tan popular esta debe ser una de sus razones. Por lo menos, esas son las mías.

NOTAS:

1. Bill Henson indudablemente fue otra de las razones por las que esta película es tan popular, dado también por el fetiche del uniforme dado a que su real oficio era el de marinero. Fue una estrella “heterosexual” que se gano una buena hinchada de fans hasta su oscura desaparición que se rumoro en muerte en los 90s, por consecuencias del SIDA. Pueden ver más información aquí (Al´s Gay Porn Stars) y aquí (Just Us Boys – Ojo, material explicito). Si llegamos a otras de sus películas podremos ampliar más este tema.

2. Uno de los actores más populares de las producciones de William Higgins, Leo Ford, fue novio del transformista Divine y modelo de varias fotografías eróticas. También hablaremos de él en otro momento.

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Il Terzo Occhio (1966)

2010-12-13T04:02:00.008-05:00

Dirigida por
Mino Guerrini

Escrita por
Mino Guerrini
Piero Regnoli

Reparto
Franco Nero
Gioa Pascal
Erika Blanc
Olga Solbelli

Italia – Blanco y Negro
98 Minutos

También conocida como
• Le froid baiser de la mort
• Third Eye

Emociones, sentimientos de rabia y de sorpresa se encuentran siempre que se descubre una película que ha sido escondida en las oscuras catacumbas del tiempo que tiene tantos elementos interesantes como Il Terzo Occhio, de Mino Guerrini. No solo por las oportunidades dramatizas de su historia, el cual juega entre el misterio y un desarrollo de sus enfermos personajes, sino por la calidad en la que esta es traída a sus espectadores. Sin dejarse engañar por el artificio del que se nutre cualquier película de género de la fantástica Italia de los años 60s, Il Terzo Occhio aprovecha estas posibilidades sin excederse y lo utiliza realmente para implementar una enfermedad obsesiva llamada amor.

Viniendo de esta década, es clara procedencia de maestros como Mario Bava y Riccardo Freda, y la dirección de Guerrini en este caso compensa una necesidad similar de estos autores. En Bava, este estilo gótico que se compensaba de características barrocas se funde en lo fantástico de su historia. Este estilo no es artificioso, sino que es utilizado para entender al cuento de hadas que se esta contando. Pero en Il Terzo Occhio, el ambiente no se funde con ningún cuento fantástico, con brujas o demonios. Se inmiscuye con la obsesión de su héroe, el triste y enamorado conde, Mino (Franco Nero) quien se ha vuelto loco al ver la horrible muerte de su amada, Laura (Erika Blanc). Pero Mino tiene más cosas de que preocuparse. Su odiosa madre (Olga Solbelli) y su criada de toda la vida (Gioa Pascal), han procurado por hacerle imposible su vida, ambas guardando una enferma obsesión por él. La locura es inminente.

Aunque Mino adora Laura con todo su corazón, no puede dejar de sumirse a la esclavizante vida que le ha ofrecido su madre, una señora melancólica, celosa y enamorada enfermamente de su hijo. Tanto que lo espía siempre que es necesario y desiste siempre a la idea de que este se case con alguna mujer que le aleje de ella. Y por otro lado, su criada, al parecer de su misma generación, detesta incansablemente a toda mujer que se le acerque, incluso a la madre de este. Con esta tensión, las dos víboras encuentran un fuerte lazo que las unen por ese exacto punto en común. No se resisten a maquinar la forma en la que Mino nunca se aleje de ellas. Y parece que este modo de vivir de Mino no es nuevo, y siempre lo ha acompañado desde pequeño. Lo fascinante es entonces este personaje. El único hombre de la casa que, sin poder tener la fuerza de tomar sus propias desiciones y estar con la mujer que ama, se encierra el mundo en su gigantesca mansión y se dedica a la única actividad que puede liberarlo, la taxidermia. Es, sin más, un adolescente incomprendido, que se encierra en su lúgubre laboratorio para, quien sabe si estar más cerca de la muerte.

Son inevatibles, claramente, las comparaciones con una película efectiva y popular, pero inferior. En Psycho, Norman Bates también era taxidermista y la relación con su madre también era escabrosa. Aquí se da una vuelta de tuerca, puesto que es la madre la que esta enamorada de su hijo y no al contrario. Luego, cuando Mino empieza a jugar sucio para poder llenar el vació con la muerte de Laura, empieza a sentirse una sexualidad enferma, pervertida e inútil, la cual es compensada peor aún con el insoportable libido guiado por los celos de la criada. Y, como si fuera poco, la llegada de la hermana gemela de Laura empeorara las cosas.

Y aquí, enlistados todos sus elementos, sin la policía investigando ni inmiscuyendo una trama policial inexistente, Il Terzo Occhio quizás es una película sobre la enfermedad que presenta la obsesión no solo al ser amado, sino a ser amado. Mino, como los grandes lunáticos del cine, es detestado por sus acciones pero al mismo tiempo comprendido, lleno de sentimientos compasivos de la audiencia que presencia su desgracia. Y no solo esto hace más interesante esta película tan desconocida. Guerrini empieza a mezclar detallados momentos de suspenso y las horribles consecuencias de la enfermedad son presentadas solo con la inviabilidad. ¿Para que momentos gráficos? La situación solo impulsa a la imaginación a ver la Mino y su vida que se ha transformado en pestilencia.

Erika Blanc, Franco Nero y Gioa Pascal

La película inicia con un brillante paisaje rural en el cual esta ubicado la villa. Laura, mientras recoge unas flores y llega hasta la puerta en donde Mino le espera, desesperado y celoso, tal y como la viva imagen de su madre. Laura esta cansada de estas intervenciones y quiere irse. Al entrar a la villa y conocer a tan detestables personajes, en el filme solo reside oscuridad, pesimismo. El gótico esta más presente aquí que nunca, y entendemos inmediatamente su oscura compensación con el personaje que esta sufriendo por dentro. La villa, en la oscuridad de sus paredes empiezan a tener un significado interesante en el proceso, porque el elemento como tal se transforma en las emociones y tristeza de Mino, quien para tener sexo con las mujeres que quiere mientras es poseído por un “tercer ojo” esta lleno de polvo, de animales muertos y de sabanas blancas. La atmósfera se convierte en el personaje mismo y se desvía de una forma original a la arquitectura Baviana tan de moda y tan copiada de esa época.

Llegando al sujeto, es impensable ver a otra persona que no sea a Franco Nero en la piel de este personaje, y este es otro punto a meditar frente a la importancia de esta película. Nero haría este mismo año el violento western, Django, tal vez su película más popular y que lo impulsaría internacionalmente. Indiscutiblemente, un personaje tan complejo tan bien llevado es una nota perfecta para entender su talento, y mucho más teniendo en cuenta la absurda belleza de la que, sin mentir, le hicieron un icono. Aunque en otras películas del genero en la siguiente década se destacaría por roles más arquetípicos dentro del mismo giallo o genero de explotación al que servia, en este filme su increíble físico atribuye gigantemente a la pureza transformada del personaje, el cual cruza la inocencia y la maldad, todas guiadas no solo por las bellas figuras de las mujeres que asesina, sino también mediada por la caballerosidad y monstruosidad sensual que despega de su persona, dejando más enredada su personalidad. Mino es un personaje completo que no debe ser ojeado a la ligera.

Y es quizás pretensioso pensar que una película se compense por la característica de solo un personaje, especialmente en una propuesta tan minimalista como esta, pero Il Terzo Occhio tiene una propuesta interesante que esta bien aprovechada. La obsesión de su triste héroe sublima la obra a un punto más alto que el de un misterio con estilo. La película deja pensando sobre lo que pasa, la película preocupa y gana en inmiscuirnos en la vida privada en un hombre triste, solo y acomplejado por las más sucias emociones humanas.

Notas:

1. Esta película fue adaptada en 1977 por Joe D´Amato con Buio Omega, una de sus películas más populares pero mayor en la situación explicita. Cuando llegue la hora analizare también esta obra, teniendo en cuenta su efectividad guiada para otras intenciones que difieren en muchos casos, con esta hermosa película. Interesante es de anotar, por ahora, que el guión de esta nueva versión también fue escrito por Guerrini, quien trabajaría de nuevo con D´Amato en 1987 en la película musical Cuando calienta el sol… vamos a la playa.

The Fearless Vampire Killers (1967)

2010-12-12T23:22:00.010-05:00

Dirigida por
Roman Polanski

Escrita por
Roman Polanski
Gérard Brach

Reparto
Roman Polanski
Jack MacGowran
Sharon Tate
Ferdy Mayne
Ian Quarrier

USA, Reino Unido - Metrocolor
108 Minutos

También conocida como
· The Fearless Vampire Killers:Or pardon me, but your theet are in my neck
· La Danza de los Vampiros

Esta comedia de horrores vampirescos, tanto hoy como en el día de su estreno, ha tenido sus defensores y sus detractores. Esto no se debate entre su calidad de obra marginada, como podría serlo en otros casos otras obras incomprendidas del horror. The Fearless Vampire Killers es una comedia de horror à la Polanskiana, y los ingredientes que puedan sobresalir a través de esta formula, nos trae una obra fílmica apetecible pero que deja con hambre, pero al final, uno ni le reclama al cocinero ni pone queja al administrador del cinema. Uno se siente incompleto, pero sin inconformismos se siente bien con lo tuvo. ¿Me explico?

The Fearless Vampire Killers tiene posibilidades infinitas para jugar con los clichés que ya conoce y muy bien. La disposición de Polanski misma es parodiar a su manera estos mismos clichés. El problema es que, en esta contemporaneidad en que la parodia se extralimitado tremendamente, quizás encuentren mucho más que aburrimiento, sino que empiecen a preguntarse porque puede considerarse como una broma absurdamente aburrida, incluso en los años 60s. Peter Sellers en esa misma década tuvo una grandiosa acogida, tanto en Inglaterra como en Estados Unidos, de diferentes parodias que hoy también acogerían solo diversos pero a la vez específicos gustos, desde The Pink Panther hasta Casino Royale con el famoso personaje de Ian Fleming. Pero ¿Acaso es que a Polanski no le funciona la táctica? ¿No será él bueno para la comedia?

Por lo menos sabemos que para el genero del terror y del suspenso ya había experimentado el éxito con la inglesa Repulsión (Que data decir, es tal vez una de sus mejores películas y aportaciones al genero). Tanto Rosemary´s Baby y The Tenant, en la década siguiente, encontraran compensación por su mayor ventaja Polanskiana: la atmósfera. Y como sabemos la atmósfera lo es todo para el terror y el misterio. En este filme de vampiros vemos indudablemente una apreciación hermosísima del espacio. La visión artística esta muy bien planeada y es este, quizás, lo que la audiencia más recuerde del filme. Tenemos un punto.

¿Acaso Polanski no había intentado comedia antes? El humor negro de Polasnki se ve muchísimo mejor servido en películas anteriores como Cul-de-Sac, que se adecua en las relaciones de pareja y no en un castillo con vampiros. Es aquí donde quizás podamos comprender que Polanski es un hombre que trabaja también a sus personajes para compensar la atmósfera que se atribuya a su película. En este filme, son los cazadores (Jack MacGowran y Roman Polanski) los personajes que más nos interesan. Ni siquiera los vampiros judíos u homosexuales, los cuales, ciertamente, contienen el humor más grotesco de la película. Pero lo de más, Polanski se preocupa demasiado por extender su estilo y esto lo procura en irse más a terrenos conocidos en vez de que el mismo acto cómico se diversifique enteramente en el filme.

Hay que decirlo. The Fearless Vampire Killers no es una buena comedia, pero sin duda debe considerarse como un homenaje interesante, y últimamente hermoso, al mito del que intentaba parodiarse. Creo, sinceramente, que es la mejor manera en la que pueda recibirse hoy en día y creo que así funcionaria mejor que como fue vendida.

NOTAS:

1. Hay varias versiones de esta película por varios recortes hechos por las productoras. Hay una versión que incluye un segmento animado como introducción. Recomendamos evitar esta versión si se quiere obtener la vista completa (ó la más aproximada) de su autor.
2. Hay una versión músical escrita para teatro que ha hecho sus giras desde Alemania hasta en Broadway, en Estados Unidos. La producción original Alemana, también fue dirigida por Roman Polanski.

ARCHIVO
- Trailer original

Cani Arrabbiati (1974)

2010-12-09T12:40:00.008-05:00

Dirigida por

Mario Bava

Escrita por
Alessandro Parenzo

Reparto
Maurice Poli
Aldo Caponi (Don Backy)
Luigi Montefiori
Lea Lander
Riccardo Cucciola
Maria Fabbri

Italia - Technicolor
96 Minutos

También conocida como:
· Kidnapped (Versión con nuevas escenas dirigidas por Lamberto Bava)
· Semaforo Rosso

Ver Canni Arrabiati (Que traduce a Perros Rabiosos), como un amante y defensor del trabajo y obra del gran maestro Mario Bava, impulsa sentimientos que se mezclan entre la confusión y la sorpresa, no solo por el cambio de estilo en el que se desarrolla con respecto a la filmografía del autor, sino por la presente dificultad de las variadas versiones que existen siendo ninguna la definitiva del señor Mario Bava, quien murió después de terminar Shock (1977) junto a su hijo Lamberto y asistir a Dario Argento en varias escenas de Inferno (1980), dejando así la película sin terminar. Y sin embargo, esa perspectiva de la realidad moderna, caótica y violenta, tiene una arquitectura interesante y única. Mario Bava se siente presente en una película que podría declararse extrañamente anónima.

No quisiera adentrarme en anotar diferencias entre una y la otra versión estrenada internacionalmente como Kidnapped (Secuestrados), pero esta reseña se enfocara sin duda en la que quizás, y por mera especulación de fanático, sea la versión más cercana a la idea que Bava tenía al realizar esta película, que fácilmente puede agruparse en el grupo de películas de “criminales” de la Italia setentera ó, posiblemente también dentro del subgénero conocido como Poliziotteschi ó Eurocrimen aunque se aleje totalmente del protagónico policiaco o detectivesco de la que tanto se caracteriza. Y tal vez es por aquí donde podamos hablar de la única propuesta, por lo menos en el desarrollo dramático, en el desarrollo de la acción, que hace que el filme se distinga un poco del filme de criminales regular.

La película inicia con un robo de cuatro ladrones que, en su escape terminan inevitablemente regando sangre tanto de los inocentes como el de uno de los criminales para llegar al secuestro de una mujer inocente (Lea Lander) y un hombre (Ricardo Cucciola) con un niño enfermo. Dottore, el jefe (Maurice Poli), Bisturí (Aldo Caponi, más conocido como Don Backy) y Treinta y Dos (Luigi Montefiori, también conocido como George Eastman) deciden llevar a sus victimas hasta las afueras de la ciudad para escapar de la policía. Dejando esta premisa en claro que el único espacio andante (el automóvil), ese espacio asfixiante y tan pequeño, se lleva a cabo la mayor parte de la acción y el desarrollo de sus personajes. Siendo atacada su ruta siempre por inconvenientes que hacen más difícil la llegada al destino final de nuestros protagonistas. Y esto es lo que hace que no sea un filme de escape. Todos los intentos de sus protagonistas en escapar (porque los hay), solo sirven quizás, con la intención de otorgar una emoción y una solución de escape al espectador. Pero creó, con sinceridad, que el poder, sea poco o mucho, del filme se crea con sus personajes.

No es siquiera el Dottore, el eje central o foco principal de nosotros los espectadores. La acción y reacción que recae en las victimas provienen de Bisturí y Treinta y Dos, el cual inmediatamente tensionan el conflicto entre los personajes que queremos que, de alguna manera, se salven. El trabajo vital aquí es de sus actores. Caponi y Montefiori otorgan una calidad incomoda pero irresistible en sus vulgares formas de diversión y en su sarcástica forma de comportarse con sus victimas. Y aquí es donde me atreveré a dar acusaciones que sean bien vistas o no, creo que son validas dadas a lo extraordinario que es el filme al estar integrado en este tipo de películas de criminales. Los verdaderos héroes de Canni Arrabiati no son las victimas, sino sus criminales Bisturí y Treinta y Dos. Quítenlos del producto final y no son nada. Me atrevería a confiar mi visión de que, siendo el producto final que es, su pretensión de “thriller” se desvanece y este, funciona más como una película de personajes, que, gracias al escenario del auto, ayudan a desarrollarse de forma mucho más interesante que las acciones de “escapismo”.

Las victimas (María y Ricardo), solo aparecerían entonces como fachadas que llegan a simpatizar con la audiencia pero que sirven muchísimo más para poder conocer a estos dos corruptos malandrines de por fuera y por dentro. Sucios, sudorosos, expediendo vulgaridad, codiciosos y sin escrúpulos, ambos dependen entonces uno del otro para entonar la incomodidad de las situaciones que nosotros los espectadores, vemos en repulsión y desaprobación. Pero para ellos, es una forma divertida de liberar tensiones antes de que el infierno se venga encima de ellos. Con la acertada, formalmente por mera coincidencia, tanto Caponi como Montefiori, muestran en su contextura musculosa, una presencia física del machismo hasta llegar a la homosexualidad, presentada específicamente en Bisturí, y su humanidad descarnada en las situaciones que lo obligan a no resistirse frente a la terrible realidad que tiene que aceptar en su soledad frente a una amistad que ha demostrado su mortalidad y ha desplegado, en el filme, una tensión homo erótica que estuvo presente en el filme incluso en los ataques sexuales de Treinta y Dos hacia la pobre Maria, otorgando una visión corrupta, violada y abnegada de la sexualidad, incluso en su propia abstinencia.

Sea esto tomado o no como una intención única, teniendo un producto indefinido, es esto lo que quizás hace más interesante el filme. La violencia no llega de inmediato, ni es gratuita, sino es causada por la personalidad de sus villanos, desplegando una posición más interesante en quien la vea, ya que separar la etiquetación del “bueno” y el “malo”, sino que los conjuga en un nivel mucho más profundo y humano.

Los secuestradores y la secuestrada

Lo que trato de justificar no es carreta. Siento, con dolor, tener la necesidad de decir que esta es la forma más valida en la que esta película pueda verse con un valor mucho más allá que el de un exploitation regular. Siento que este canal (Bisturí y Treinta y Dos) fueron la vía perfecta para desarrollar ese mundo violento y nihilista en el que Bava quería probar un nuevo estilo, único. Tratando de separarse del género fantástico del que ya era tan reconocido. Y aunque Canni Arrabiati no haya estado terminada, se ve claramente la intención de desplegar esa visión realista sobre el caos de la modernidad. En Shock, ya mencionada antes, no abandonaría (sin embargo), lo sobrenatural pero si cogeria un tema inevitablemente moderno: la crisis familiar. Esta última obra es un buen ejemplo de esa traducción del caos (la drogadicción, el asesinato o el simple apadrinamiento de un “padrastro”), siendo esta vez a través de lo sobrenatural. Y con esta obra por lo menos completada, pueden guiarse varias distinciones que nos ayuda a reconocer esa visión de Bava sobre el mundo occidental moderno que intentaba retratar.

Una de esas primeras distinciones es el paisaje. No solamente por los inertes planos generales (Tomémoslas aquellas como insertos para desarrollar la acción de seguir al auto), sino en aquellas en donde se convierten en una configuración, quizás estética, de las acciones violentas. Aquí también se usa el plano general como mediador de las mismas, como el interesante y cruel desenlace de la persecución del maizal, en donde Maria debe aceptar el juego de nuestros dos personajes. Al mismo tiempo, hay una construcción Baviana tal vez típica pero moderna, y finalmente preciosa, en donde su composición principal sea la de los cuerpos sin vida de los personajes (Esto se da en dos ocasiones notables, ambas casi al final de la película). Ahí, yo personalmente siento a Bava en el aire.

¿Pero que tan acertado puede ser mi análisis y mi validación de la película a sus intenciones? Cada uno y hasta los mismos actores, según las entrevistas y crónicas del biógrafo del maestro, Tim Lucas, tienen visiones, aprobaciones y desaprobaciones del filme tan variadas como personales. Y es aquí donde presenciamos un evento que pocas veces se da con efectos lamentables por su perdida. Aunque ya acostumbrados por estas situaciones con muchas obras del periodo mudo (En donde la película de Erich Von Stroheim Avaricia, aparece como un ejemplo muy notable), es extraño el fenómeno de películas que pertenezcan a una modernidad y mucho más si estas mismas tienen una calidad tan única como la de Canni Arrabiati. Para mi sinceridad, y con todo el amor que tengo al maestro Mario Bava, creó que como thriller muchas cosas quedaron pérdidas. Y aquí el fenómeno tiene un efecto hasta genial, porque hace que el producto final llegue exitosamente a un punto al que tal vez no quiso llegar. Canni Arrabiati tiene éxito porque, en vez de ser un cuento sobre el escape de los secuestrados termina siendo una introspectiva muy valida sobre la potente impotencia de sus vulgares secuestradores.

Notas: Recomiendo muchísimo el audio comentario del biógrafo de Mario Bava, Tim Lucas que esta presente en la edición remasterizada de Anchor Bay, al igual que su libro Mario Bava: All the Colors of the Dark. Sus anotaciones fueron vitales para conocer el confuso proceso de realización de la película para llegar al estado de “completo” para así realizar esta atentada revisión a una de las películas más raras dentro de la filmografía Baviana.

Black Christmas (1974)

2010-12-08T02:56:00.005-05:00

Dirigida por
Bob Clark

Escrita por
Roy Moore

Reparto
Olivia de Hussey
Keir Dullea
John Saxon
Margot Kidder
Andrea Martin
Marian Waldman
Lynne Griffin

Canada - Technicolor
98 Minutos

Tambien conocida como:
· Silent Night, Evil Night

Después de ver la obra maestra de Bob Clark, Black Christmas, me entro una agridulce pregunta. ¿Por qué el subgénero del slasher se ha degenerado de una forma tan agresiva y vulgar como ahora? Muchos que me conocen saben que un slasher no es realmente uno de mis subgéneros del terror que más me encantan y también tengo que aceptar que he visto diversas variaciones del género que son muy interesantes, yendo desde Halloween de John Carpenter hasta la extravagante Sleepaway Camp que han llegado a gustarme y mucho. Pero hoy en día y, en sus ofertas más conocidas, la carnicería explicita que ha ofrecido franquicias tan reconocidas de este linaje nos han dado, sin mentir, una de las peores películas para el mismo genero desde hace casi veinte años, y lo sorprendente es el seguimiento tan tremendo que han obtenido hasta el mismo día de hoy.

Tal vez el éxito de Black Christmas, en primera instancia, sea que en realidad (viéndola desde el punto de vista del subgénero), es un slasher que no busca ser un slasher. Y desde esta premisa es clara una cosa: La película no quiere, ni pertenece a este tipo de películas, a pesar de que sea una gran precursora (junto a Silent Night, Bloody Night) para la creación del mismo dentro de la historia del genero de terror en Estados Unidosª. Incluso para hoy ya sea un cliché tener a chicas de una fraternidad encerradas en una casa, acosadas por un maniático asesino que las llama por teléfono para decirles obscenidades. Incontables películas de la década de los 80s usarían la misma vía de escape para mostrar “chicas en peligro”, teniendo al éxito de Halloween como gran impulsador económico del asunto.

No es que otros slashers, por supuesto, no intentaran esto después, pero el problema es tomar el mismo problema humano de esos personajes y contextualizarlo con el terror que van a presenciar, sin dejar que la película llegue a ser plana y aburrida. Halloween, por ejemplo, es una película muy bien pensada pero que, desafortunadamente, de sus intentos consigue unas cosas pero pierde otras. Otro caso interesante sea el de Final Exam, que tiene el mismo humilde propósito, pero se deja caer por no tener el tacto y la armonía exacta para sostener ambos elementos. Black Christmas deja claro que su director, Bob Clark, era un maestro.

Black Christmas es efectiva por eso. Porque trabaja todos elementos con las que se construyen y los desarrolla equilibradamente y el resultado puede verse hoy, intacto. La película da miedo no porque no grafique explícitamente la violencia para llegar a la catarsis como sus “compañeras”. La catarsis llega violentamente sugiriendo a la misma. El asesino no lleva mascara o tiene el rostro desfigurado. Su presencia es omnipresente y eso le da un poder más diabólico y temeroso. Lo triste, quizás sea, que las audiencias contemporáneas ya no se preocupen por estas cosas.

Se dice que el slasher esta gratamente influenciado por el giallo, el cual también era explicito pero no intentaba mostrar los asesinatos imaginativos, sino estilizados. Black Christmas, a diferencia de Friday the 13th, decide coger esta influencia desde el fondo y no por encimita. La atmósfera lo es todo para el terror y Black Christmas, con sus personajes genialmente llevado por sus actores y dirigidos por su autor, es una de sus pruebas más perdurables que toda una nueva generación de cineastas interesados en el mismo deben tomar en cuenta ahora mucho más que nunca.

NOTAS:

ª- Aunque la película es Canadiense, es obvia la influencia de esta para el subgenero en Estados Unidos. Muy poco o mucho tiene que ver el terror Canadiense en este caso, siendo su primera importación la morbida imaginación de David Cronenberg, que nada tiene que ver con el subgenero del slasher.

Death Rides a Horse (1967)

2010-12-05T18:29:00.019-05:00

Dirigida por
Giulio Petroni

Escrita por
Luciano Vincenzoni

Reparto
John Phillip Law
Lee Van Cleef
Mario Brega
Luigi Pistilli
Anthony Dawson

Italia - Technicolor
116 Minutos

Tambien conocida como:
· Da Uomo a Uomo (Titulo Original)

· Viva Django, Man to Man

Una venganza siempre ha sido un buen tema para un western y más si ese mismo tiene a Lee Van Cleef y a John Phillip “Diabolik” Law como sus vaqueros protagonistas. Pues bien, Da Uomo a Uomo los tiene como protagonistas, pero el verdadero héroe es su motivo: la venganza. Si como dije antes.

Podemos decir que es prototipo dentro de la línea del Spaghetti Western, así que ya hay ciertas características aseguradas. Buena música, excelente fotografía y mucha violencia. Es deber primordial que, así tal vez como cuando uno intenta reseñar un giallo, tener la cordura o mejor dicho, la mínima sabiduría para poder controlar estas mismas de los reales motivos de cada una, especialmente si la mayoría de veces el conector principal son las excelentes composiciones de Ennio Morricone.

Pero mírenme de nuevo. Tratando de sobresaltar la excelente música de Morricone que, en este caso, no valdría de nada sin sus coros, los cuales parecen apocalípticos dentro de la tensión de la historia. Y como la historia es de venganza, lo que data interesante aquí es la relación dramática de sus dos protagonistas. Ryan (Lee Van Cleef), quien después de quince años de cárcel quiere vengarse de aquellos que lo mandaron a la ratonera y el joven y apuesto Bill (John Phillip Law), quien después de haber vivido una traumática infancia presenciando el asesinato de su familia, descubre que después de tanto tiempo tiene la oportunidad de vengarse de aquellos que le hicieron daño.

Así, el comparñerismo se da, tal vez como en los mejores casos. En el western americano es muy común esta característica, llegando a extravagantes consecuencias como el enfermo e innegable triangulo amoroso de The Outlaw de Howard Hughes o la presencia conservadora de John Wayne junto con la dulzura de Montgomery Clift en Red River de Howard Hawks. Pero aquí, es el orgullo individual de cada uno de sus personajes y como su interés los lleva a un eje principal. Es pura juguetería dramática que sirve de excusa para la balacera final. Lo interesante del asunto es como los roles padre-hijo se cumplen con la rareza de la que solo un western, tal vez solo un spaghetti western, podría otorgarnos. También hay una misticidad que sin duda sostiene las fuertes influencias de películas de explotación tan celebres como Thriller: A Cruel Picture, que en sí, se definiría sarcásticamente por sus pretensiones como un western urbano. Es en especial, por la escena en que Bill es torturado en un hueco de arena. La comparación es superficial pero valida.

Y hablando de Bill. Hay algo más que hace valido este finalmente entretenido y vengativo y spaghetti western. Phillip Law interpreta al jovencito que vemos en la introducción llorando por la muerte de su familia. Aquí, Law es un rubio de ojos azules jugando con una pistola y una escopeta. Lee Van Cleef le jala las orejas en una escena y los ojos azules de nuestro amado Law lloran como un verriondo. Nada más placentero para hacer valido mi boleta de entrada al cine.

The Box (2009)

2010-12-05T00:00:00.005-05:00

Dirigida por
Richard Kelly

Escrita por
Richard Kelly
basado en la historia de Richard Matheson "Button, Button"

Reparto
Cameron Diaz
James Marsden
Frank Langella
James Rebhorn
Deborah Rush

USA - Technicolor
115 Minutos

No creo que sea por nostalgia. Yo ni siquiera he visto suficientes capítulos de La Dimensión Desconocida como para afirmarles eso. Tampoco me he visto las tan aclamadas obras pasadas de su director Richard Kelly, como Donnie Darko, de la cual en este momento me interesa poco o mucho en lo que tenga que decir respecto a la película que realmente atrajo mi interés esta noche. Es decir, cualquier fanático de Donnie Darko puede guardarse sus comentarios porque no me he visto esa película y aquí y ahora solo me interesa hablarles de The Box, una película que no obtuvo demasiados aplausos, ni del publico, ni de la critica. Lo cual es sorprendente después de la bulla de las susodichas obras anteriores. Tal vez una de las cosas que no les gusto a los espectadores es que no explica demasiado lo que pasa. O eso es por lo menos lo que he escuchado de la gente que se disgusto con ella. Que su absurdo es inútil y pretencioso. Gracioso es que lo mismo hayan dicho de David Lynch cuando estrenaron Twin Peaks: Fire Walk with Me hace casi veinte años. Y hoy en día sigue causando furia y misterio, lo cual hace injusto su desecho.

Por eso The Box, creó, no debe verse tan superficialmente y mucho menos, ser botada a la basura, no por lo menos de inmediato. ¿Para que profundizar en la trama? La premisa ya la saben, o sino se las digo por encima: Una pareja (Cameron Diaz y James Marsden) reciben la visita de un extraño (Frank Langella) quien les ofrece una caja, muy bonita y con un botón rojo. Si oprimen el botón obtienen una suma de dinero exorbitante que les ayudaría en sus problemas económicos, teniendo que cargar eso si, con el cargo de consciencia que provoca esta acción. Al oprimir el botón una persona que ellos no conocen va a morir. ¿Para que emprender de aquí un análisis concreto sobre cada una de las situaciones que le siguen a esta pobre pareja? No sean chismosos. Eso, sin intención de ser groseros con ustedes mis queridos lectores, me obliga a decirles una película como The Box. En mucho tiempo, una película que quiere ser misteriosa lo logra. No desvelando estupidamente su misterio o no ocultándolo con tanto apuro. Hay un tipo de indudable comunicación con la audiencia. Cada quien obtiene su premio si de verdad dejo voluntariamente a su interés. Si ese espectador siguió el juego del filme realmente, su premio se vera con creces. Si el espectador tiene imaginación, la película se vuelve incluso mucho más interesante que su película de ciencia ficción promedio de nuestra contemporaneidad. Deja la ecología de Avatar por un misterio más complejo. Empieza a recordar datos, a pensar en elementos que le hayan parecido claves, a reírse, a pensar en las acciones de sus personajes e incluso, hasta de pronto, le haga dar ganas de leer a Jean-Paul Sartre. El misterio hace parte intima del espectador. Es entonces en donde en este mundo ya no es tan absurda una comparación entre David Lynch y Richard Kelly.

Hay, indudablemente, un cuidado estético enorme, de una belleza transformada por el aire malsano que le corroe y le rodea. El filme de Kelly se siente extrañamente anticuado por sus digitalizad, lo cual es novedoso e indudablemente conveniente. La otra observación es la elección de Cameron Diaz en un rol que no le haga competir dentro de comedias románticas o películas de acción sexys. En un principio pensé ¿Sobreactúa?, pero luego uno piensa ¿No lo hace tan mal?. La madre que representa no es un estereotipo y tiene, incluso, una inculca belleza. Y eso, se debe tanto a Kelly como a Diaz.

Hay una frase que el misterioso personaje de Langella le responde a uno de sus asistentes quien le pregunta desesperadamente por el secreto que guarda de su empleador: Me gusta el misterio. ¿A usted no? … Amen.

Macabre (1958)

2010-12-03T19:21:00.004-05:00

Dirigida por
William Castle

Escrita por
Theo Durrant
basado en la novela de Robb White

Reparto
William Prince
Jacqueline Scout
Jim Backus
Christine White
Susan Morrow

USA - Blanco y Negro
72 Minutos

La primera película de William Castle en iniciar la línea de los “gimmicks” en donde él más sería reconocido, es tal vez tan regular pero tan entretenida como una de su más conocidas obras, House on Haunted Hill. Aquí, un doctor y su enfermera reciben una enferma llamada de un maniaco que ha secuestrado a su hija y la ha enterrado viva en un ataúd, dejándoles cinco horas a los héroes para que la encuentren antes de que muera.

Aunque su premisa es interesante, no vamos a decir que no, Macabre usa artilugios de suspenso que solo sirven unas pocas veces las cuales, tampoco lo neguemos, resultan juguetonas, inolvidables y, en otras, tan macabras como su propio titulo inspira. No falta decir, por supuesto, la tan notable “macabridad” de un cineasta tan fascinante como William Castle, al que algunos les gusta referirse más como un asombroso hombre del espectáculo que un artista. Pero él conocía el sentido del espectáculo usando sus juguetonas bromas para relacionar a la audiencia con la película y en Macabre una pequeña idea dará múltiples recuerdos a quienes la hayan visto, manipulando la verdadera visión objetiva de si la película es tan buena como para recordarla. Muchos tienen recuerdos agradables de ello, porque es aquí donde se les dio un “seguro de vida de 1.000 dólares si la persona moría de miedo”. También, otros orgullosos asistentes obtenían su premio mostrando una escarapela que afirmaba que “Vi Macabre, ¡No soy una gallina!”. Castle lideraría una moda de espectáculos asombrosos que luego se desarrollarían específicamente en una cantidad de teatros con películas de doble función, cada una de corta duración la cual efectuaría múltiples y más explicitas jugarretas con los espectadores, alineándose siempre con influencias del gran-guiñol o con simple anotaciones siniestras que demostraban el gran poder del genero del terror para producir vértigo, emoción y sentirse vivos.

Macabre fue de alguna forma una de las primeras películas que regalaron esta extravagante moda que poco se usa hoy en día y que si bien no hay que separar los artilugios de publicidad con la obra misma, Macabre puede que funcione exactamente acompañada de esta manera y en un teatro (Como debe ser). Y aunque no es una película que aterrorice de “muerte”, es entretenida en sus intenciones, es realmente macabra en su resolución y para los amantes del género no les quedara, aun pudiendo ser mejor, ningún remordimiento por haberla visto. Claro esta que, si me equivoco, yo no seré responsable de ningún funeral de cualquiera de mis lectores. ¡Eso hay que decirlo por si acaso!

¡Y quédense en los créditos finales! Tampoco lo lamentaran.

Torn Curtain (1965)

2010-12-03T12:54:00.005-05:00

Dirigida por
Alfred Hitchcock

Escrita por
Brian Moore

Reparto
Paul Newman
Julie Andrews
Lila Kedrova
Ludwig Donath
Carolyn Conwell
Tamar Toumanova

USA - Technicolor
128 Minutos

Puede leerse en cualquier lado posible sobre la filmografía del director Alfred Hitchcock que Torn Curtain no fue uno de sus películas favoritas. De hecho, se recuerda como uno de los trabajos menos placenteros del maestro en el cine. Pero creo que se le ha tratado injustamente, incluso, desde su día de estreno, fecha en la cual fue un éxito de taquilla pero un desastre de crítica. A Hitchcock no le gustaba el guión, parece que Newman se entrometia demasiado en el proceso de dirección molestando un poco al maestro y este mismo no estaba contento de que la Universal lo obligara a usar a Julie Andrews como su estrella femenina (Rumores dicen que quería Eva Marie Saint). Pero después del fracaso de Marnie, la ladrona, los estudios necesitaban estrellas para atraer audiencia y Newman y Andrews, cada uno actores jóvenes famosos respectivamente por cada uno de sus trabajos, eran la solución correcta. Se condena, entonces, de una inexistente equivalencia, que el guión necesitaba una revisada y que hoy en día el tema de “condena al comunismo” es demasiado anticuado como para tomarselo en serio.

Hoy se siente que su perfil histórico, el cual no puede negarse es importante para desarrollar la aventura de los personajes en la película, puede sentirse confuso en sus intenciones americanas típicas en su condenación al comunismo. Pero para ser sinceros, todos estos problemas de posición política, a menos que realmente sea su objetivo principal en su argumento, no necesitan realmente una profundización detallada para disfrutarla. Lo digo porque Torn Curtain es un cuento muy divertido sobre espionaje, pero, con respeto al mismo maestro, creo que es totalmente infravalorada hasta por su mismo creador.

La película relata las desventuras de un profesor (Paul Newman) y su prometida (Julie Andrews) que son en realidad espías Americanos en la Alemania Oriental para obtener una formula matemática secreta de los secretos planes comunistas, causándoles más problemas de lo que imaginaban. Pero lo importante, o por lo menos como mejor podría validarse en nuestros días, es el espíritu de aventura. Dentro del patriotismo hay algo más obvio, pero hoy en día no nos interesa. Son los personajes los que nos interesan y es interesante que Hitchcock la haya logrado de tan buena forma aún no teniendo las ganas suficientes de realizarla. Los elementos parecieran no ser los indicados, pero en sí, es una excelente muestra de la comprensión de Hitchcock en ensamblar cinematográficamente el asunto. Y lo interesante, a diferente de otras películas de él, es que aquí la película inicia un momento de tensión tras del otro. Los climax, que no conllevan a “explosiones”, sino a tensión no encuentran un desarrollo previo para llegar a un gigantesco climax (Que normalmente ubicado se encontraría en el último del filme). Cada momento de tensión, encuentra un corto momento de relajación, seguido otra vez de otra escena en que el espectador debe poner a comerse las uñas otra vez. Creo, en mi ingenuidad, que esta es la ventaja de Torn Curtain frente a otras obras Hitchcockianas. Además de, en todo su desarrollo, un sentimiento visionario y adelantado frente a otras obras mismas de la modernidad, sea paradójico el asunto dentro de lo que muchos llamaban “anticuado” en Hitchcock.

Pero no es solo eso. Los puristas, como yo, han de disculparme severamente. Pero Torn Curtain quizás tenga una de las escenas de asesinatos más logradas de la historia del cine. Muchos no lo niegan, los críticos tampoco pudieron y hoy en día es imposible no absorber su fuerza, así incluyendo en que, dentro del trabajo Hitchcockiano, es una mejor que la escena de la ducha con Janet Leigh en Psycho. La escena no tiene música, compete de planos magistralmente encajados, y cada uno con un propósito. Hitchcock necesitaba mostrarle a la audiencia “lo difícil que era cometer un asesinato”. Y es cierto. Toda esta escena tal vez sustente la imaginación Hitchcockiana en una sola. El humor negro, la violencia, la configuración especifica con sus propósitos para llevar a los personajes a esta situación. Y lo mejor, que el espectador se queda callado gritando. Se sorprende, mueve los pies, mueve las manos, mueve todo, menos los ojos en la gran pantalla. Toda la significación de suspenso esta allí.

Hitchcock decía que “Hoy en día muestran a un asesinato demasiado fácil”. Diciendo esto, los críticos después de ver el resultado final con este film lo advertían como “anticuado”. Hay algo que Hitchcock si sabía y que estos críticos no: “Los asesinatos, son divertidos”. Vean Torn Curtain para entender porque.

Wasting Away (2007)

2010-12-02T13:10:00.004-05:00

Dirigida por
Matthew Kohnen

Escrita por
Matthew Kohnen
Sean Kohnen

Reparto
Betsy Beutler
Michael Grant Terry
Julianna Robinson
Matthew Davis
Colby French

USA - Color
90 Minutos

Wasting Away retoma todos los clichés de los filmes de zombies y trata, parcialmente con éxito, de burlarse de ellos en una comedia que deja de estar del lado de los humanos y decide hacer parte de los zombies, en una idea juguetona que si es cierto que no es del todo exitosa, atrae y entretiene. Nada más retomemos la idea del contagio. El virus que provoca la transformación la retomo hasta Planet Terror quien se encuentra un poco más o menos original entre tanto homenajeo, pero es la forma en que se efectúa el mismo en los jóvenes protagonistas que bien pudieran haber sido no personificados por los actores Betsy Beutler o Michael Grant Terry sino por Frankie Avalon y Annete Funiccello en pantaloneta y bikini. La responsable del contagio aquí, es un helado que toma un aspecto verde radioactivo cremoso, el cual perturba al blanco y negro que aquí representa la realidad.

La idea del guión retoma dos facetas para desarrollar la historia. En un lado, la de los militares que inician un ataque defensivo frente a la oleada de zombies y la de los protagonistas, los mismos zombies, en su mayoría jóvenes, que en un principio (y esto es lo interesante) no entienden que demonios les esta pasando. En su realidad, todos tienen sus preocupaciones individuales y no pueden entender porque la gente corre de ellos. Mostrándonos luego la realidad de las cosas y tomando partida del desagradable e inocente humor que da el ver a dos jóvenes zombies enamorados dándose un beso con una leprosa lengua zombie. Entonces, una galería de posibilidades cómicas que son posibles por la premisa ya citada también puede ser posible en la forma en la que se de. Wasting Away hace que lo que pase sea entretenido, retomando las diferentes divisiones sociales que se verían afectadas por su propia condición, como la familia ó los empleadores. Aunque, en este dado caso, se retome más desde la parodia o una simple burla que la de una buena sátira, caso que en la contemporaneidad, en realidad se ha visto poco o nada que haya podido superar a George Romero en este preciso aspecto.

Pero sabemos que Wasting Away es una comedia de zombies, con un interesante vuelta de tuerca en los protagonismos que hoy en día le sientan muy bien al subgénero (Con otras adiciones aún más interesantes y efectivas como la de Otto;or up with dead people), pero es una película simple en sus pretensiones. Simple, entretenida y, quizás, olvidable.

Machete (2010)

2010-11-20T11:33:00.003-05:00

Dirigida por
Ethan Maniquis
Robert Rodriguez

Escrita por
Robert Rodriguez
Alvaro Rodriguez

Reparto
Danny Trejo
Jessica Alba
Michelle Rodriguez
Jeff Fahey
Robert De Niro
Steven Seagal
Lindsay Lohan
Tom Savini

USA - Color
105 Minutos

Hay muchas razones para ver una película como Machete. No solo por el simple hecho de que su ritmo esta perfectamente construido, que se mueve rápido y que esta segura de lo que quiere contar sino porque es para el cinéfilo cuidadoso pero ordinario, todo un regalo frente al aspecto en el que este quiera, a pesar de que ese no sea su punto central.

Y sin duda, no vamos a decir que Machete no intenta, o por lo menos en su tratamiento superficial, en recrear, o mejor digamos hacer parte, de ese grupo de la explotación Norteamericana de los años 70s. Aunque la idea viene más atrás, no solamente desde el trailer de Grindhouse sino por el escrito de su autor, Robert Rodríguez, de hace varios años de una historia que había abandonado. Y cualquier aficionado corriente que haya gustado de la intención de Rodríguez con Quentin Tarantino en armar el double feature en homenaje al Grindhouse de los 70s y 80s sabe la historia, pues solo cambia ligeramente en algunos puntos (De hecho, veremos escenas que ya hemos visto en el famoso trailer del año 2007). Un supuesto jornalero (Danny Trejo), en venganza de la muerte de su esposa, decide matar al republicano (Robert DeNiro) que promueve la penalización severa a los inmigrantes mexicanos ilegales a Estados Unidos, pero es traicionado con la mera intención de subir la popularidad del corrupto politico.

Más personajes y situaciones responsabilizan la venganza del federal que no es jornalero, Machete. Pero no es la intención citarlas porque el ritmo que desencadena la película, proponiendo unos personajes muy consistentes, es más interesante en pantalla que escrita y por lo menos, esa tarea le quedaría mucho más sencilla y clara a su autor que a un critico papanatas. Lo importante, es que, tal y como se vio en su película pasada Planet Terror, hay una juguetería grotesca que vive de la exageración. Por supuesto, la mayor reacción (y muy comprensible) de la audiencia frente a las gigantes baldados de violencia que hay en la película (porque hay violencia, y mucha) lo cual lo cruza frente a un estilo ya muy reconocible en la obra de Rodríguez, en donde la exageración de la violencia frente a unos, finalmente, pintorescos personajes, que si bien no se si es posible confrontarlo con obras como El Maricahi, si me parecen más reflexionable con trabajos como Del Crepúsculo al Amanecer y la pasada Planet Terror. Y sin embargo, no se puede dejar de lado el interés central del problema de los inmigrantes que si bien se ven retratados en unos momentos de crudeza y en otros de caricaturización frente a la fuente real del problema (los conservadores) la hallan, felizmente ignorante de la verdadera intención final de su autor, con que Machete resulta más que una homenajeante película de explotación a pasar a ser una aparatosa y divertida sátira sobre un problema presente.

Y no vamos a negarlo y sin miedo. ¿Para que hacerlo? Machete es tal vez una película mucho más entretenida de lo que nos ofreció la interesante Planet Terror (A la cual insisto, en defensa, de que para mi, es la película de culto de nuevo siglo) y tal vez la razón de ello sea porque, al principio siendo tomado como una broma Grindhousiana, termino siendo lo que en principio el double feature del 2007 debió haber sido. Aunque sea acompañado por Planet Terror. No por sacar, digámoslo de una vez, a Tarantino y a su Death Proof de taquito, sino porque esa es otra película, muy original y fresca, que va para otro lado. Adicionando de una vez, el importante desarrollo dramático del Western, tanto en su clima como en la relación de su héroe con su problema. No es nada nuevo que no hayamos visto, pero es novedoso en el contexto y Rodríguez, siendo esta su especialización, lo hace a la medida.

Finalmente Machete nos entretuvo, nos expuso su tema, nos dios grandes actores y nos regalo a todos una experiencia explosiva y gratificante. Cada uno tuvo lo que quería: Muchos tuvieron a una Lindsay Lohan vengativa, enfermeras asesinas ó a Steven Seagal jugando con un sable. Yo obtuve lo mió con Machete, y le agradezco a Rodríguez por ello: a Tom Savini con una metralleta. Y una lagrima, señoras y señores, ridícula y amorfa en su reseña, terminan las palabras.

Karla contra los Jaguares (1974)

2010-11-18T07:50:00.004-05:00

La archicriminal Karla, es una malvada, inescrupulosa y ambiciosa ladrona, que, entre sus añoranzas más apasionadas, es la de ser la mujer más rica del mundo. Con una voz grave y a su altura y sus senos firmes escondidos tras el velo de su extravagante vestimenta, Karla controla a sus esclavos, sino sexuales bien si musculosos robots asesinos que obedecen sus ordenes sin dudarlo un minuto, lo cual hace más fácil la tarea a la malvada, a la malhechora, a la villana de este primer película en donde sus héroes, unos motociclistas, luchadores del mal llamados Los Jaguares, quienes opino que también serán Bogotanos, tendrán su lucha para hacer que los objetivos de esta malvada reina del robo se vean arruinados por la justicia.

Como ven, el panorama que ofrece esta película no es más que el de un divertido comic de acción y a todo color. Sus acciones, diálogos y composición fílmica son vacíos de cualquier lógica consecuente con una realidad atestada por la violencia de la guerra ó de muertes insensatas y sangrientas. Nada es más divertido que u aventura inocente e ingenua como la que fue filmada en Bogotá en los años 70s en co-producción con México, aunque con actores que prontamente serían reconocidos como María Eugenia Dávila (María Cano), quien no se mueve mucho más que como una pequeña investigadora setentera con la cara larga.

La reina de la fiesta es, incluso más que los propios Jaguares, su archienemiga, Karla. Una malvada configuración de una femme fatale, amante de James Bond o, en un mundo mejor, a la de una Ursula Andress drogada por los extrañas balbuceo de sus inertes y divertidas palabras. Karla es malvada, es una de las villanas de nuestro cine, el cine Bogotano, que aunque no alcanza suficiente alcurnia todavía (que anda en construcción), interesante es ver a la archicriminal moderna de nuestra capital. Ella no será paramilitar, o en algunos casos más ligados a la contemporaneidad, a cualquier teniente de la guerrilla, pero es tal vez, por lo menos en un idealizado mundo como este, nuestro cine, es más consecuente con sus acciones que cualquier otro villano que haya aparecido. Que si bien, no se asemeja al de una figura humana si es consecuente con sus objetivos. Karla no es mala, diría yo, Karla es ultra malvada. No le importa ni su amante, un ridículo aunque barbudamente interesante macho al que esta no le para ni un pelo de bolas, ni le importa el enano que le acompaña (Quien para ser sinceros, a nosotros espectadores tampoco nos importa un rábano) y ni siquiera le importa sacrificar a sus soldados por conseguir todo el oro del mundo.

Los Jaguares no son en realidad los protagonistas, de hecho, sus dos escenas de acción realmente compensan su aparición en la película. Es interesante, pero la verdadera heroína de esta historia, porque nos encanta su encarnación diabólica, es Karla. Sin embargo, la última secuencia final, matando y disparando a punta de karateca a todo ser humano que se atraviese da la constancia de la efectividad de los Jaguares contra los criminales incipientes y malvados como Karla. Lastima que hoy en día no existan más aventuras de los Jaguares, porque con tanto malo suelto, tanto campesino asesinado y tanto político corrupto en un país transformado en aquel en donde existe el bien y el mal sin tener a ninguno de los dos a cambio, hubiéramos necesitado de la ayuda de ellos, así sea en calzones afelpados de tigre, capa y medio pecho descubierto. No cabe tanta etiqueta para el cachaco correcto.

KARLA CONTRA LOS JAGUARES - Dirigida por Juan Manuel Herrera – Escrita por Sergio Álvarez Acosta - Reparto: Marcela López Rey, Gilberto Puentes, María Eugenia Davila, Waye Jerolaman – Producida por Juan Manuel Herrera para Victor Films, S.A. Colombia, México. 1974. Color. Español. 85 Minutos.

Contamination (1980)

2010-11-16T00:43:00.009-05:00

Dirigida por
Luigi Cozzi

Escrita por
Luigi Cozzi
Erich Tomek

Reparto
Louise Marleau
Marino Masé
Ian McCulloch
Siegfried Rauch
Gisela Hahn

Italia, Alemania Occidental, Colombia - Telecolor
95 Minutos

Nº 16 en la lista de Video Nasties

También conocida como:
· Alien Contamination
· Contamination: Alien arriba sulla terra

Parece ser que, según lo que he leído de los fanáticos, que Contamination de Luigi Cozzi ha sido escupida, maltratada y olvidada de la peor manera posible, argumentando de que “no es buen cine basura”. La primera excusa, y lógica, es porque se dice ser una de las primeras películas en caspearse a la legendaria Alien (1979) de Ridley Scott, teniendo en cuenta que esa gente se ha olvidado de que hay peores y más obvios esfuerzos como Alien 2: En la tierra, que de hecho salio antes que la original secuela de la original Alien (A ver, que tan raro sonó eso). Luego e inmediatamente, como es cine italiano de la generación “trash” (por así decirlo), el fanático promedio no defenderá a nadie sino de le dan las suficientes tripas para que su glotona morbosidad quede llena. ¿Y que mejores expectativas para un fanático promedio siendo este, además, un Video Nastie? La película, a pesar de entregar momentos violentos cuando debe, es considerada como una basura porque, según es aburrida y no vemos más a las criaturas.

Quien de verdad piense así, es porque no ha entendido el juego de su autor y se encamina por el lado que no es, especialmente si piensa que lo que hace una mala película buena es el exceso de violencia y de que, aún peor, las supuestas películas buenas solitas no pueden tener este tipo de cosas. Contamination es una película sobre un misterio científico. No es sobre explosiones de tripas, eso viene por añadidura. Cozzi, un claro amante de la ciencia ficción, planea una historia de terrores galácticos en la tierra el cual acosa a un astronauta retirado (Ian McCulloch), a una bella coronela (Louise Marleau) y a un atrevido policía de Nueva York (Marino Masé) que, al descubrir unos extraños y gigantescos huevos que resultan letales para los humanos, deciden ir a los cafetales Colombianos para descubrir el siniestro misterio que se esconde tras las palmas y el sol suramericano.

En primera instancia, esto trabaja más en un teatro con una audiencia que viéndola inertemente en casa. La película, al contrario de lo dicho previamente por otros, se mueve rápido y es entretenida, especialmente porque es ligera sin dejar de tomarse en serio su ficción. Los diálogos y sus personajes, tan diferentes uno del otro, enmarcan la verdadera dirección de la obra: Una divertida y sangrienta aventura en busca del secreto de otro planeta. Aunque si bien, incluso con su final, nos damos cuenta que siempre fue una película sobre “el Apocalipsis” que sobre alienígenas que vienen del espacio. Hay un verdadero espíritu, como es usual en los filmes de Cozzi, del pulp y de la ciencia ficción. Contamination tiene esto y más. A pesar de su sangre y vísceras, esto no tiene material suficiente para considerarse enferma como otros Video Nasties, lo cual comprueba que ese sistema de censura nada más probo que los conservadores demuestran más su ignorancia que su propia verdad.

Teniendo eso en cuenta, hay una clase de inocencia. Uno se siente bien viendo la película y quiere a sus personajes, piensa en ellos y en los peligros que atraviesan. Quien se tome a Contamination por este lado, con todo el sentimiento de un matinée, no solo va a disfrutarla al máximo, sino se va a dar cuenta de la verdadera obra maestra que es.

Notas: Esta película fue filmada en Barranquilla y Cartagena, en Colombia. No es, por supuesto, el primer film de italianos filmado en nuestro país en el auge de la explotación ochentera Películas como Cannibal Ferox y Cannibal Holocaust, también se han aprovechado de la misma fauna, pero también de la ignorancia de los paisanos. Es interesante porque Contamination se aprovecha del exotismo de los cafetales y presenta, incluso, lo que parece ser una arribada precisa en el Carnaval de Barranquilla. Lo interesante, a diferencia de estas película s de explotación y de varios Mondos (Que en este caso se aprovechan de espacios Africanos y Asiáticos), la obra de Luigi Cozzi utiliza sus recursos naturales pero no explota los espacios, ni a nuestros mismos paisanos. Hay una escena en donde las última palabras de un campesino son “zombis blancos, zombis blancos”. La película no clasifica a la nacionalidad, sino piensa en la misma clase social de su personaje y, teniendo en cuenta las circunstancias, no puede ser más verosímil y consecuente. Los personajes, en este caso los villanos, son los responsables de la explotación del latino, no su autor o la obra misma. Esto, como Colombiano, espectador y para ser sincero, hace realmente que la obra sea disfrutada y aceptada con mayor anhelo y comodidad. La banda sonora la desarrollo Goblin, con tal vez una de las mejores composiciones de su carrera en el cine.

Esta obra maestra esta mucho más que recomendada. También conocida como Alien Contamination.

Masacre esta Noche (2009)

2010-11-13T21:59:00.004-05:00

Dirigida por
Adrián García Bogliano
Ramiro García Bogliano

Escrita por
Adrián García Bogliano
Ramiro García Bogliano
Hernán Moyano

Reparto
Jorge Pinarello
Federico Aimetta
Diego Aroza
Diego Cremonesi
Daniel de la Vega
Rolf García

Argentina, México - Color
90 Minutos

Haciéndole una apuesta a la revisión del cine grotesco y a la realización de una película violenta, Masacre esta Noche, resulta casi satírica y perfecta en sus intenciones. En jaque es puesta la moral de la realización cinematográfica del siglo XXI, el amor al género terrorífico y la búsqueda de realidad y mucha lucramenta de la generación digital frente a la explotación grafica. Y, Masacre esta Noche es grafica, si señores, pero bien no podría ser de otra forma. Esta película no es grafica por decirlo sino que es grafica porque habla de lo grafico, de la violencia y de las nuevas fronteras que han deleitado o acabado, como mejor se vea, al mismo genero que nos encanta.

Claro, y por supuesto, sus autores, Ramiro y Adrián Bogliano, se aprovechan de este hecho para crear un climax sangriento, morboso y totalmente violento, como en las películas snuff de sus protagonistas. Relata la experiencia de un joven realizador (Jorge Pinarello) que ama el cine de terror pero que trabaja como camarógrafo para ganarse la vida y termina inmerso en una casa de lunáticos que graban películas pornográficas snuff (Aunque el snuff en si es pornografía, pero ilegal). Acá lo más interesante no es la sangre, sino en como se nos es llevado a ello. En una escena, el joven realizador habla con el excitado director (Diego Cremonesi) sobre el ¿Por qué realizar violencia en el cine de terror?. El director impone, severamente, que la morbosidad es la nueva barrera ya cruzada, la nueva moda, la nueva ola. Edison, a quien este último pone como ejemplo, claramente había hecho un descubrimiento interesante en su territorio que tenía que venderse (y que se hizo), y que el cine, como buena tecnología, avanza, no solo técnicamente, sino en estilos y formas de lenguaje, como paso en Francia, como nos paso en Calí y como, con el cine digital (y su prostitución) nos ha llegado a nuestra generación. La reflexión aquí es interesante, porque es esto lo que separa a nuestro héroe de los “villanos” ó antagonistas. Ambos adoran la sangre pero en formas diferentes. Y fíjense que, sin atenerse a moralismos, la idea se entiende perfectamente. El cine debe aprender a contar historias. La pornografía pura y dura no cuenta historias. Y la pornografía no es aquella solamente la que se comparece en el sexo. En el cine la pornografía se ha convertido en una moda que es el sobrepaso del limite, y este mismo ha degradadazo terriblemente la idea del cine de terror como obra cinematográfica o como obra de arte.

Lo que nuestro heroe entiende es que, para romper barreras hay que saber usar la cabeza, pero no para rompérsela derribando el muro para caer a una fosa sin fondo ni final, sino con la necesidad clave de crear vida (así sea para represetar a la muerte) y no destruirla. Y es gracioso dirán, porque es tal vez en el cine de terror en donde más vidas ha visto destruidas al celuloide. Pero nos emocionan, nos intranquiliza, nos da el espectáculo que es el cine y no es simple pornografía.

Y si, Masacre esta Noche tiene deliciosa violencia desmesurada (en un climax maravilloso) y aunque no se niega en absoluto, como dije antes, que sus autores se aprovechan para jugar un rato, se pone en practica su propio discurso. No hay hipocresía y esta misma película demuestra que se puede hacer violencia, desmesurada, tremenda y sin censura sin necesidad de aburrirnos como una (mala) película porno.

Aunque su escena final no entiende lo que ya es "demasiado", Masacre esta Noche es otra de las mejores películas que he visto este año.

Deadgirl (2008)

2010-11-13T21:58:00.003-05:00

Los jóvenes hombres, especialmente en esta época (y lo se porque soy joven) tienen el el libido a veces muy elevado. Pero el problema no es ese. La masturbación como vía de escape es muy común. Pero el problema no es ese. Las muñecas inflables, frente a la idea de una mujer a la que poder cogerse, también es muy común. Ese tampoco es el problema. La pornografía es muchas veces una buena compañía. Pero ese tampoco es el problema. Es la contemporaneidad que nos obliga muchas veces, especialmente si es en una época tan importante como la adolescencia, sobrepasar el límite con respecto al sexo opuesto. Y en la pornografía, heterosexual por lo menos, la mujer comúnmente rinde cuentas y es comida frente al muchacho erotizado, quien se masturba poniéndose en posición, haciendo una extraña catarsis falica. Este, si hay algo en que pueda criticar a la pornografía heterosexual, es que en muchos casos la mujer ha perdido todo indicio de humanidad. Hasta el momento de ser nada más que un objeto sexual. Deadgirl, sin más ni menos, aunque con entretenimiento y humor negro, habla sobre ello.

Por supuesto, se que despues de esta escritura no sera un buen momento para masturbarme ... ¿O si?

La Mansión de la Locura (1972)

2010-11-13T11:59:00.006-05:00

Esta película hace parte de la retrospectiva en 35mm al director Juan López Moctzuma en el festival de Zinema Zombie. Vean la programación aquí.

Dentro de una estupida y fugaz gana de referenciar, sin pensar, La Mansión de la Locura podría, más que una adaptación de un cuento de Edgar Allan Poe, ser la versión fílmica de Marat Sade como dirigida por Alejandro Jodorowsky.

Bien, les dije que la gana de referenciar era estupida y sin pensar. Porque esta película no es de Alejandro Jodorowsky, sino de Juan López Moctezuma, un director tan oscuro para, incluso, el mismo genero al que sirvió. Tampoco, entonces, podemos hablar tan libremente de Jodorowsky y del dramaturgo Peter Weiss para referenciar tan estupidamente como empecé esta reseña, pero, créanme damas y caballeros, que ellos tampoco van a salir bien librados, porque La Mansión de la Locura toca un punto referencial obvio: la locura. Este tema no es nada nuevo en el arte y no envejecerá nunca, pero creo que nadie ha hablado de él, por lo menos en el terror latinoamericano, como el director Juan López Moctezuma.

El texto intenta recuperar el contexto clásico (por así decirlo), de su fuente principal, lo cual, en primera instancia, no se si la risa que causa es intencional o salio de ñapa inesperada. Y, para ser sinceros, tal vez es muy extraño que la primera mitad de la película pueda ser tomada más en serio y no como un formato típico del serie B. No solo por sus extraños personajes, cuyas personalidades en ciertos puntos toman desiciones demasiado absurdas como para ser tomados en serio. Pero, luego, ahí esta el problema señores. Esta película habla, sobre la cordura y por lo tanto de la locura, siendo este su tema fundamental. Lo clave aquí es que, si, el filme necesita hablar de la cordura para hablar de la locura, pero Moctezuma habla sobre la cordura desde la locura. Es decir, el espectador tiene, así como dice uno de sus personajes, pensar como un loco para disfrutarla.

No es decir por supuesto, que su director esta demente. Eso no lo se, ni me corresponde decirlo. Pero uno se da cuenta que, interesante esto, la misma película encarrila perfectamente la lectura del espectador hacia este punto, identificándonos a la vez con el problema o juego de Eugénie (Ellen Sherman) para recuperar a su padre. Y lo peor, es que esto no es lo más importante de la cinta.

La película entonces, se entiende desde la locura. Pero ¿Cuál es el punto? Si el filme hubiera seguido con el mismo juego, lo tal pretenciosamente cómico hubiera llegado al mero y simple chiste. Pero no. La mejor parte del filme y lo que hace que valga la pena, es toda su pieza final, en donde por fin se entiende el porque del chiste. Y aquí ni Peter Weiss ni los señores Sadistas quedan bien librados. Los locos, se han tomado a los cuerdos y han creado su propia civilización. Moctezuma, con un estilo que desfila entre la naturaleza mística hasta un sencillo barroco, plantea el problema de la revolución de la locura. Es entonces, en donde empiezan a destilarse, más que un inevitable problema político, nace una preocupación clara de la convencionalidad de la modernidad. De una posibilidad de cambio radical frente a, repetir siento, la convencionalidad. Es, como lo es la visión del loco, la del mundo al revés. E interesante es, al final, su resolución que muestra ácidamente una dualidad filosófica sobre la vida, la modernidad y, en un plano quizás secundario o quizás mucho más profundo, el de la política y el repensamiento del mundo.

Y se que algunos le dirán: ¡Que basura tan entretenida he visto esta noche! … Pero eso es porque el mundo, finalmente, esta lleno de locos.

También conocida como The Mansión of Madness, cuya copia en ingles ha sido restaurada por Mondo Macabro. Esta reseña hace referencia a la exclusiva proyección en 35mm del festival de Zinema Zombie realizado este mes en la sala Fundadores de la Universidad Central y la Cinemateca Distrital.

Shock (1977)

2010-11-12T05:21:00.005-05:00

Dirigida por
Mario Bava
Lamberto Bava

Escrita por
Francesco Barbieri
Lamberto Bava
Paolo Brigenti
Dardano Sacchetti

Reparto
Daria Nicolodi
David Collin Jr.
John Steiner
Ivan Rassimov

Italia - Eastmancolor
95 Minutos

También conocida como:
· Beyond the Door II

Schock, la última película que dirigió Mario Bava (co-dirigida junto a su hijo Lamberto), es sin duda y sobre todo, una película desagradable y, dadas las circunstancias, resulta ser uno de los trabajos más interesantes de su autor. Interesante, porque siendo su último film también es resulta ser el cierre de una etapa, la cual, demuestra una maduración tremenda no en estilo sino en intereses temáticos. Por supuesto, la conciencia ya ha sido protagonista de otras fantasias Bavianas, pero en Schock, nuestro director utiliza al terror de lo sobrenatural como metáfora de la consecuente locura de esa conciencia, y al mismo tiempo, los mezcla con la realidad. Pero este detalle ni siquiera puede ser el tema principal del filme.

Se nos muestra a una familia que se muda a una vieja casa. Casa en la que ya había vivido la mujer y madre, Dora (Daria Nicolodi) quien vive con su hijo (David Collin Jr) y su nuevo marido, un piloto (John Steiner). La mujer inicia un trastorno severo al tener que lidiar con el extraño comportamiento de su hijo, que ha cambiado de un momento, amenizándole este de muerte, rompiéndole sus ropas íntimas y excediendo un interés anormal en ella. La resolución del filme, termina en la destrucción total de los valores interrumpidos con el recordatorio cansoso del niño, golpeando en la conciencia de su madre. Su hijo esta poseído por el antiguo esposo de Dora, un drogadicto que murió misteriosamente.

Pero quien busque un misterio a descubrir, se va pegar una desilusión tremenda. Muchos entonces verían que la película es nula en el suspenso. No lo necesita porque su interés y su objetivo van distantes a eso. Con la paranoia estricta, con rasgos Polanskianos, tanto la película como nosotros simpatizamos con el dolor de la madre. Por eso es que esta película es tan terrible. Y, en sus repetido visionados, uno se podría sentir incomodo con el desarrollo grandguiñolesco y des espantos que le dieron sus guionistas. Uno, como espectador, frente a una situación tan terrible como el de una madre acosada por los demonios pasados poseyendo a su propio hijo, no puede pensar en más que mero nihilismo frente a la resolución del problema. Pensando en si ¿Realmente ella merece un castigo tan cruel como el que esta viviendo? Uno podría pensar, que la película no se interesa ni se simpatiza con el dolor de su personaje. Que le gusta verlo sufrir mediante esa perdida de valores con los que se esta enfrentando. ¿Cómo podría, realmente disfrutar una película de ese tamaño?

Quien vea con esta visión, ya después de no confundir a esta película como un thriller de sustos (porque no lo es), puede ser, porque no, valido su opinión. Yo lo pensé en algún momento, pero me doy cuenta que si acepta esta película de esa forma, entonces pasaría a ser un intento muy fallido de un thriller insulso en sus voyeristicos, crueles motivos. Y sinceramente, no solo porque conozco y amo el trabajo de Bava, puedo estar en más que desacuerdo con esa posible teoría y uno realmente puede darse cuenta si deja que la película progrese y nosotros no la tratamos tan artificialmente.

Podría entonces, con ese permiso, entender a esta película como una terrorífica visión a la descomposición y desequilibrio familiar. Bava nos sitúa en un lugar desolado y a la problemática de un personaje. Problemática que esta inmersa en valores y moral. Y, además de todo, frente a la relación con su propio hijo. El niño no sabe porque su verdadero padre ha muerto y, en una preciosa escena en la que se justifica esa misma maduración Baviana, su madre no puede responderle a su hijo cuando este le pregunta ¿Qué es la muerte? – No puede decirse claro, que no hay aceptación del mismo por su nuevo padre, quien lo quiere mucho. Pero, y es aquí donde se utiliza el artificio sobrenatural, donde el odio y la venganza posee al hijo para dar a consecuencia a la locura de Dora, donde se visiona el espectro de la desintegración familiar en un flash back que nos revela el verdadero problema. Que es la situación adulta (en este caso, el de la drogadicción), el que ha llevado a su hijo a la indiferencia, a la total falta de valores y finalmente, a perder el amor por su madre.

Por supuesto, Schock tiene ciertas fallas de ritmo. Ciertas escenas podrían pensarse como no necesarias ó, puede ser también cierto que hay mucha desilusión porque tal vez no se pone claro desde el principio el objetivo o el camino por donde nos va a llevar el filme. Pero tampoco puede negarse que el mismo ritmo, en crescendo, interviene en la angustia de su personaje hasta llegar a un clímax pesadillezco sin salida, obviamente, con el estilo del espanto Baviano, que sin embargo vuelvo apuntar, ha encontrado una maduración excepcional, tratando temas adultos, conversos con la realidad. Tal vez, no es la mejor película de Mario Bava, pero esta (junto al thriller Perros Rabiosos), demuestran y cierran un circulo perfecto que demuestra una faceta interesante de un Bava contemporáneo tratando, yo digo que con éxito, de lidiar con problemas humanos del caótico y agobiante mundo moderno.

Algunas Notas: Esta película fue selección oficial de Sitges en 1978. En Estados Unidos se promociono como Beyond the Door II, haciendo d secuela de la también italiana Chi Sei?. Ninguna de las dos películas tiene nada que ver entre si. Preferiblemente es mejor verse la copia italiana ya que esta no corta escenas importantes para entender al film. Los compositores de la música acreditados como I Libra, son en realidad los Goblins.

Antropophagus (1980)

2010-11-11T00:15:00.004-05:00

Nº 2 en la lista de VIDEO NASTIES

Antropophagus nace como otra incursión (ó inversión, como quieran ustedes mirarlo) de su director, Joe D´Amato, en el genero terrorífico del que tanto Italia tiene para regodearse, después de varias rápidas producciones eróticas junto a la colaboración de Luigi Montefiori (Alias George Eastman). Las famosas producciones ero-caribeñas como Sesso Nero, Hard Sensation y Orgasmo Nero dieron la prueba de la fluidez estratégica de D´Amato y de Montefiori, principal impulsador de estos proyectos baratos tomándose el cargo de guionista. Montefiori entonces escribe junto a D´Amato esta llamada por muchos, infame película que, tal vez sin quererlo se ha convertido en un mito grandioso para algunos y desalentador para otros, el cual cuenta la historia de un grupo de turistas que llegan a una pueblo en una isla griega, cuyos habitantes misteriosamente han desaparecido.

Su desarrollo, innegablemente no comparece de los clichés típicos del grupo de gente que se pierde. Tampoco vamos a negar las escenas de violencia y el mal doblaje con el que cuenta la cinta, entendiese que es esta tal vez la forma más fácil de verla sin cortes y de forma restaurada. El mito ha crecido desde su estreno limitado en América y su censura en el Reino Unido tachándola como un video nastie severo. Por supuesto e inevitablemente esto incremento su popularidad, aunque no concediéndole buena suerte a lso Norteamericanos, ya que estos se regodearon con una copia censuradísima y de mala calidad re-entitulada como The Grim Reaper. Los europeos, por supuesto, tenían más falibilidad de violar la ley y poder disfrutarla enteramente, teniendo recuerdos de muchos españoles por ejemplo, que aunque no creo que se haya realizado teatralmente, se que se convirtió en uno de los títulos más populares del cine de terror italiano en video, con el extravagante título Gomia: Terror en el mar egeo. Por supuesto, en Colombia no corrimos con la misma suerte, lo cual aún aquí se hace, tanto el nombre de su director como de su obra, todo un misterio a descubrir.

Entonces si. Antropophagus tiene escenas violentas y si, hay un monstruo caníbal que es interpretado por el mismo Montefiori (Acreditado como George Eastman) que desafortunadamente gracias a su popularización – dejando la purulenta cara del monstruo en la carátula - han quitado un poco el efecto de misterio que quiere dar la misma obra. Verán, muchos quedan desilusionados con Antropophagus porque no es tan violenta como creían y porque muchos se aburren con sus primeros cincuenta minutos, ya que el monstruo no aparece ni nadie se mueren. Porque el monstruo ronda por ahí acechando, no con demasiadas perspectivas subjetivas como lo es clásico, sino, agraciadamente, con la creciente aura de inseguridad de los turistas. He aquí el porque Antropophagus es tan excitante y maravillosa. En vez de resolverse el misterio, Montefiori y D´Amato desaparecen un personaje en vez de matarlo, les quita el barco, los deja a oscuras y en vez de aparecer el monstruo empiezan aparecer otros personajes que refuerzan el misterio. Lo gracioso es que, lo más importante del filme no es el monstruo. El ambiente sombrío, de inseguridad y de creciente locura crece por la incertidumbre.

Quizás, una mejor forma de deslumbrar ese misterio sea viendo el corte original de su director y no cada copia censurada que exista por ahí. No es por la violencia, que si hay y es severa, sino porque sin ella no se va entender la explosión de la espera, del suspenso y de la desesperación de sus personajes. También, porque no se puede ver la imaginativa coreografía fotográfica del mismo D´Amato (Aristide Massaccesi). La luz y la oscuridad juegan un papel importantísimo en la construcción del terror y es la que finalmente la que la separan de otras películas de género de su país. Y por supuesto, Montefiori, quien usualmente con su anchura musculosa siempre se interpone en sus filmes con un carácter de sensualidad, masculinidad y belleza (Desde sus otros filmes D´Amatianos con Laura Gemser hasta su propio unicornio en el Satyricon de Federico Fellini) aquí, crea un monstruo salvaje, pasional y totalmente terrenal. No esta mal, como varios lo han hecho, en relacionarlo con cualquier monstruo mitológico; porque finalmente lo que causa el miedo inevitable entre lo desconocido prácticamente crean la fabula directa de un mito típico y eso, para serles sinceros, creo que le concede un punto más alto a la creación de sus narradores.

Usualmente, seguiría considerándose como trash, pero para mi, hay una verdadera construcción del horror, hay un buen manejo no exagerado de la violencia y esta misma tiene una respuesta frente a las acciones de su villano (Se piense como una excusa o no), como en la de su razón para matar contada en un interesante flashback que sirve de paralelo para su más horrifica acción o al final en donde se construye un sarcasmo hacia el monstruo caníbal tan diferente y más original que el del típico subgénero de caníbales italiano. Con esto no decir que D´Amato hace ruptura en el subgénero del canibalismo, dándole un aire fresco y más importante, más clase al famoso subgénero. Y lo mejor, es que D´Amato, a pesar de que ha confesado que no fue más que una adición más a su filmografía explotativa para comerciar, se toma en serio lo que sea. Tal vez, en muchos casos, se pone de manilargas y hace las cosas directa y desinteresadamente. Acá quizás, hubo un interesa más fuerte. El hacer dinero no basta para quien verdaderamente lo merece si hace su trabajo en serio. Que si es arte o no se los dejo si es problema para ustedes, pero D´Amato se cree el cuento y construye el terror a su manera, utiliza sus herramientas y crea un espectáculo cinematográfico de horrores y de experiencias que el día de hoy no pierde su efectividad. Quiéranlo o no, señoras y señores, si le dan la oportunidad, Antropophagus les va a llegar hasta a las entrañas.

Grandes compositores: Ennio Morricone

2010-11-10T06:14:00.003-05:00

Hoy Ennio Morricone cumple 82 años. Es extraña la coincidencia, pero no tan importante quizás, que en un trasnocho romántico decidí quedarme a escuchar composiciones de grandes autores de la música italiana de los 60s que recordaban grandes películas de explotación y de genero Italianas. Todo empezó por el grande y muy infravalorado Marcello Giombini, el cual, por medio de su propuesta electrónica experimental ha sido uno de los compositores más olvidados de su generación. En su area del western con titulos muy desconocidos y en el área de la fantasía y el terror italiano donde llego a componer la música de filmes de mis directores favoritos, como Umberto Lenzi y Joe D´Amato. Sea extraña la comparación hablar de alguien tratado de esa forma en paralelo de otro alguien del mismo linaje que es tan conocido y respetado como el señor Morricone no es algo de discutir aquí. Pero sin duda es algo que debe advertirse.

Morricone ha trabajado en una cantidad indescriptible de películas. Pero su respeto, dado gracias en un inicio cronológico por trabajar junto a Sergio Leone en películas tan míticas como El Bueno, el malo y el feo, Érase una vez en el Oeste y Érase una vez en Ámerica, se dio gracias a sus expansión internacional con películas como La Misión ó Cinema Paradiso, de su compatriota respetadísimo, Giuseppe Tornatore. Pero la importancia de su nombre se da a varios patentes que deben ser revisados cuidadosamente, no solo en sus películas modernas e internacionales, sino al mismo tiempo en la base de su obra natal. La originalidad y efectividad de sus temas compete en lo que debe tener el gran compositor cinematográfico; una gran relación y compatibilidad con la obra misma. No es solo su preocupación por dar ambiente, sino por interesarse severamente en los sentimientos de los personajes (Sean físicos o interiores) según la escena en a que competa o mejor aún, en el mismo espíritu de la obra.

Dos casos pueden darse a ejemplo. Como Elli Wallach en su búsqueda del ansiado tesoro que se persigue en el sentimentalísimo ( y ahora tan famoso) Ecstasy of Gold. Las notas altas y su relación operística es imprescindible en el hecho en que hay una conexión sentimental entre la escena, el personaje en todo su contexto y finalmente el personaje. Clave necesaria del buen musical: La escena, la situación: El cementerio (La base), el personaje y su ansiedad (El problema, el caso que se incrusta en la base ya comentada) y finalmente la exteriorización del mismo caos (la música). Esta escena, sin música, sería un simple clímax sin resultado. Un clímax, digamos vulgarmente, sin orgasmo.

Pero el caso del alma de la obra (total), sea de formas meramente físicas y no tan espirituales se dan en su grata obra psicodélica, tan notable como en la obra maestra de Mario Bava, Diabolik. La pieza a go-go es digna no solo del recuerdo, sino del goce y de la picardía de su anti-heroe. Lo mismo iría para el giallo Argetaniano que es El Pájaro de las Plumas de Cristal, y en su sarcasmo frente a la maldad de su asesino.

En todos estos casos. El coro, la voz y la repetición monosílaba es vital en la obra de Morricone. No soy un experto en música, ni en instrumentos musicales y mucho menos en detalles técnicos de la composición musical. Pero hay, sin duda, un sello indiscutible en su obra musical y cinematográfica que lo distingue y hoy, con este quizas ingenuo homenaje, les pido me acompañen a revisar brevemente en varias piezas musicales de las que les he comentado entre otras de mis favoritas, para rememorar y reflexionar en la obra de uno de los compositores más importantes del siglo XX.

ECSTASY OF GOLD - El Bueno, el Malo y el Feo, Sergio Leone. 1966.

PIUME DI CRISTALLO - El Pajaro de las Plumas de Cristal, Dario Argento. 1972

VALMONT´S GO-GO PAD - Diabolik, Mario Bava. 1968.

DEEP DOWN - Diabolik, Mario Bava. 1968.

Curiosamente, es rumorado que Morricone no gusto mucho del resultado final de uno de mis temas favoritos de una de mis películas favoritas de uno de mis directores favoritos.

BAMBOLE - Spasmo, Umberto Lenzi. 1974.

DI CORSA OLTRE I CENTRO - Auto Stop Rosso Sangue, Pasquale Festa Campanile. 1977

BESTIALITY - The Thing, John Carpenter. 1982.

DEBORAH´S THEME - Once upon a time in America, Sergio Leone. 1984

¡Feliz cumpleaños Morricone!

De nuevo el festival ... ¿Más razones para ir? - PROGRAMACIÓN DEFINITIVA (por secciones) DE ZINEMA ZOMBIE FEST II (12-19 NOV)

2010-11-09T04:13:00.009-05:00

Alucarda, la hija de las tinieblas - Juan López Moctezuma

Muy bien, copia y pega directamente del coordinador de todos los eventos porque el mensaje se explica por si solo. Pero antes de mirar la programación, algunas notas espeificas personales a las que me gustaria que estuvieran atentos para intentarles convencer lo genial que estara este año el festival:

1. Si miran bien la cantidad de películas de genero contemporaneas que tiene la selección oficial del festival es impresionante. Son la mayoria (por no decir todas) desconocidas para mi y es toda una oportunidad disfrutar de estas películas contemporaneas ya que no hay otra opción más sencilla para hacerlo.

2. Juan López Monctezuma sera el homenajeado de la fiesta. Solo lo conocia (como estoy seguro muchos) por Alucarda. Así que más sorpresas nos esperan.

3. Retrospectiva de co-producciones Colombianas con otros paises. Por favor no se pierdan las grandes Contamination de Luigi Cozzi (Star Crash, asistente de diseño de muchas películas italianas del genero, empezando por Phenomena de Dario Argento, etc...) y Cannibal Ferox, una divertida y enferma por parte del genial y favorito Umberto Lenzi.

4. Funciones especiales con Cine Colombia: EDEN LAKE y LET THE RIGHT ONE IN (Original)

5. Interesantes conferencias teoricas sobre temas especificos que no se pueden desaprovechar.

6. Y por último y tal vez la que menos les interese, pero por si acaso: MACHETE de Robert Rodriguez sera la protagonista de la clausura de festival.ª

Recuerden que las funciones seran en el auditorio de la Universidad Central "Sala Fundadores" y tambien van haber funciones en la Cinemateca, de la cual pueden ver la programación aquí (Recuerden deslizarse hasta la fecha 15-19 de Noviembre)

No más siendo, nos vemos el viernes allá.

Aquí esta la programación...

Estimados (as), Aquí tienen el contenido de la programación de su bienaventurado Zinema Zombie Fest. Los horarios los tendrán hoy. En este año se realizaran funciones en la Sala Los Fundadores de la Universidad Central y en la Cinemateca Distrital... Lean bien y encontraran fantásticas y terroríficas sorpresas.

Atte: la administración

ZINEMA ZOMBIE FEST
Programación por secciones Noviembre 12 al 19 de 2010

• Selección Oficial Zinema Zombie Fest
Zibahkhana
Omar Khan, Pakistán, 2007, 77min

Mangue Negro
Rodrigo Aragão, Brasil, 2008, 105min

Pervert!
Jonathan Yudis, USA, 2005, 81min

Depositarios
Rodrigo Ordóñez, México, 2010, 110min (estreno en 35mm)

Flick
David Howard, UK, 2008,

Aaah! Zombies!
Matthew Kohnen, USA, 2007, 90min

Deadgirl
Marcel Sarmiento, USA, 2008, 101min

El ataque de los zumbas (serie de cinco capítulos)
Daniel Diosdado, España, 2009-10,

Solos
Jorge Olguín, Chile, 2008, 74min

Sauna
Anti-Jussi Annila, Finlandia, 2008, 83min

Masacre esta noche
Adrián García Bogliano, Argentina – México, 2009, 90min

• Retrospectiva Juan López Moctezuma
La mansión de la locura, 1973, 99min (35mm) (película inaugural)
Mary, Mary, Bloody Mary, 1975, 101min (35mm)
Alucarda, la hija de las tinieblas, 1978, 85min
To Kill a Stranger, 1985, 88min (35mm)

• Sección Zinema Zalvaje
Retrospectiva Ricardo Islas (Uruguay)
Para matar a un asesino, 2007, 96min
El día de los muertos, 2007, 102min
Lockout, 2006, 91min
Night Fangs, 2005, 98min

• Colombia Psicotrónica, Ingenua y Salvaje

Contamination de Luigi Cozzi

Contamination
Luigi Cozzi, Colombia – Italia, 1980, 95min

Karla contra Los Jaguares
Juan Manuel Herrera, Colombia – México, 1974, 92min

Santo en el misterio de la perla negra
Fernando Orozco, Colombia – México – España, 1976, 85min

Cannibal Ferox
Umberto Lenzi, Colombia – Italia, 1981, 85min

Tigre
Rodolfo de Anda, Colombia – México, 1979, 100min

• Funciones Especiales
Con el apoyo de Cine Colombia

Eden Lake (Silencio en el lago)
James Watkins, UK, 2008, 91min (35mm)

Let the right one in (Déjame entrar)
Tomas Alfredson, Suecia, 2008, 115min (35mm)

Con el apoyo de UIP

Machete
Robert Rodríguez, USA, 2010, 105min (35mm)
Estreno exclusivo y película de clausura

• Muestras Internacionales
CINE FANTASY, Festival Curta Fantástico (Brasil)
Selección de cortometrajes, cuarta edición (2009)

Gato
Joel Caetano, Brasil, 2009, 20min

Forecast
Erik Courtney, USA, 2007, 15min

El hombre de la bolsa
Pedro Cristiani, Argentina, 2009, 14min

DVD
Ciro Altabás, España, 2006, 17min

MACABRO FILM FESTIVAL (México)
Selección de Cortometrajes, octava edición (2009)

Sed
Christian Cueva, México, 2007, 16min

Destello
Agustín & Axel Galván, México, 2007, 14 min.

Gris Detrimento
Jorge I. Sanders, México, 2007, 6 min

Postmortem Tacobar
Abraham Sánchez, México, 2009, 6:30 min

Podofagus
Abraham Sánchez, México, 2005, 6:15 min

Secreciones
Carlos Lazcano, México, 2009, 4 min

Before The Cradle
Aaron Soto. México, 2002, 11 min

PROMOFEST, Promoting Films for Festivals (España)
Selección de Cortometrajes

Desde las entrañas
Ana Ballabriga & David Zaplana, España, 2010, 19min

La flecha de Cupido
Leonardo Pérez, España, 2010, 13min

Muñecas
Rosa Márquez, España, 2009, 14min

Juan con miedo
Daniel Romero, España, 2010, 11min

…Stay
Álvaro López León & H.R. Paternain, España, 2010, 8min

Actividades Académicas
Conferencia: El paisaje colombiano como género cinematográfico
A cargo de Pedro Adrián Zuluaga, Crítico de cine, Docente Universidad de Los Andes

Conferencia: Narrativas de la locura
A cargo de Miguel Mendoza, Docente Universidad Javeriana, Bogotá

Conferencia: Ajos, colmillos y celuloide: el vampiro y sus variaciones en el cine A cargo de José Andrés Gómez, Coordinador Cinema Zombie, Medellín

Video Conferencia: Alucardos, retrato de un vampiro
A cargo de Edna Campos, Directora Macabro Film Festival, México

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ª Obvio sarcasmo ... por si acaso.

The Rocky Horror Picture Show (1975)

2010-11-07T23:07:00.002-05:00

Preguntarse una vez más por las razones que dieron cuna al fenómeno que es The Rocky Horror Picture Show no esta de más en estos días de tanta reconcentración, pero no reflexión, cinéfila que nos azota por estas tierras nostálgicas. Es decir, la nostalgia siempre ha existido en el corazón cinéfilo. Es el amor indescriptible por las cosas del ayer que, de alguna u otra forma, nos han hecho ser las extravagantes, fascinantes y, al mismo tiempo, ordinarias personas que amamos al cine como muchos de nosotros (me incluyo) lo amamos, han formado y deformado la idea precisa que es una buena película y cual es la mala. Que es la basura y finalmente que es una obra de arte.

Preguntarse esto reflexionando al mismo tiempo sobre The Rocky Horror Picture Show es muy difícil, porque, después de verla tantas veces, sea como sea (a menos, enceguecido por la afición) uno se da cuenta que, aunque tiene elementos y referencias maravillosas, termina siendo otra disfrutable película de serie B… solo que con maravillosas canciones. Podríamos, incluso, decir que no es la mejor de las mejores películas de serie B de la historia. Que hay otras enteramente más disfrutables, originales y mas entretenidas. Pero también estaríamos evitando el carácter social que el fenómeno contiene. Lo ocurrido con el culto que sigue al filme desde hace más de treinta años es una excelente muestra de la simpatía que puede causar una película en un público que acepta el juego que la película propone. No siempre, por lo menos desde un carácter tan amplio como en este caso, sucede que toda la audiencia entienda el juego de otras películas, lo digo de nuevo, más interesantes o más originales. Pero el corazón también tiene sus preferencias.

Es decir, The Rocky Horror Picture Show, para mi, no es la mejor película de la tierra. Pero yo soy muestra del mismo fenómeno que nos compete. Me gustan las canciones, sus refrencias literarias y cinéfilas, la intencionada sobre-exposición de los actores y la acotación de muchas de las situaciones, teniendo en principal base al sexo liberado en la extravagancia del travestismo como obvio paralelo entre las lentejuelas galácticas que cualquier actriz con piernas como las Anne Francis o Fay Wray, estaría orgullosa de usar.

Es por eso, que no debe decirse que no me guste la película. Acepto sus errores y la disfruto porque sin ellos tal vez su intención no se cumpliría como lo que ahora tenemos entre manos. Lo único que digo es que, con el gran amor que le tengo a esta liberadora y nostálgica cinta, se le trate como la película de serie B que es y no como la mejor película sobre la faz de la tierra. Tal vez en la galaxia de Transilvania, en el planeta Transexual las cosas cambien de color, entendiendose de una vez que este terrícola la adora precisamente porque entiende su juego y la valora como debe ser.

Morirai a Mezzanotte (1986)

2010-11-07T03:31:00.002-05:00

Morirai a Mezzanotte, del director Lamberto Bava (Bajo el nombre de John Old Jr. seudónimo internacional muy similar al de su papá), es un giallo moderno con varias influencias, cuesta decirlo, del slasher norteamericano. Entendiéndose las diferencias, la tradición que inspiro una a otra se compensan en este finalmente thriller típico de la mano Baviana y con eso es decir dos cosas:

La primera, que los asesinatos son excesivamente violentos, aunque, para la fortuna, no son gráficos.

La segunda. Todas las estudiantes de criminalistica son sexys.

Con esto, no basta decir que pueden de nuevo tomarse la vieja retaguardia y criticar lo misogonico del asunto. Pero, despojando un asunto tan vació de atención, cuesta más citar las terribles incongruencias que hay en el guión que, aunque es circular, realmente no despoja ciertas irregularidades y errores más típicos del slasher gringo. Aquí, dejando en su último acto a tres chicas solas que toman las decisiones más estupidas. Pero de nuevo, la rutina perfectamente sirve de carnada para el espectador vicioso, afortunadamente (de nuevo digo) caiga en las deliciosas trampas de Dardano Sacchetti y del mismo Lamberto.

La película inicia a partir de unos personajes desconectados del verdadero problema y eso es excelente, porque el espectador empieza a adivinar antes de que se le permita hacerlo y, si se logra esto, la atención ya ha sido ganada para todo el metraje.

Pero no solo es disfrutable en estas instancias. Tras de tener un nombre en el guión como el del grande Sacchetti y música de Claudio Simonetti, cuenta con el irreparable Paolo Malco (Usual Fulciano) que me tiene loco desde que lo vi, lo confieso, en Aquella Casa al Lado del Cementerio. Su personaje, el del detective divorciado y estresado por el asunto, es clicheado. Lo se. Pero, para ventaja de muchos, la simpatía que a veces se pierde con esos investigadores mequetrefes que se la pasan gritando y mandando a todo el mundo (Como aquellos mamones de Profondo Rosso), se gana aquí no solo con la calma de su personaje (Recordando otro ejemplo Argentaniano como el Enrico Maria Salerno de El Pájaro de las Plumas de Cristal) sino con su presencia única en la belleza barbuda que le acompaña.

Finalmente, no hay que negar la influencia Baviana. El linaje que se ve en la pantalla con la morbosidad de las chicas y su encaje. La ropa interior que en algún momento su padre se aprovecho tanto en la casa de modas de la muerte de Seis Mujeres para el Asesino. Muy recomendada.

La Polizia chiede Auito (1974)

2010-11-04T19:40:00.002-05:00

Los controversiales casos de las muchachitas asesinadas del etiquetado como giallo de Massimo Dallamano son simplemente un motor para encender la chispa de un thriller policiaco de lo más de frenético y entretenido. Según, esta es la segunda entrega de una “trilogía” sobre colegialas que dio inicio con tal vez la que es su más famosa ¿Qué le han hecho a Solange? , aquí, cediendo el paso a la investigación y persecución policíaca sin descuidar – pero sin convertirlo en vital – la vida intima de los afectados y de la de los investigadores.

Hay una cosa interesante. Hitchcock nos ha demostrado que es más interesante el desarrollo del asesinato ó la introspección del asesino o de la victima que la misma investigación del caso. Pero ahora lo importante es, no solo conocer la formula sino saber traducirla. Es por eso que los giallos de Mario Bava y de Dario Argento tienen tanta eficacia y porque otros contados casos simplemente no resultan a pesar de entenderla. Con esta gracia, Dallamano empieza desde las bases dramáticas y estéticas (Sino es que su reflexión dramática se encuentre en su propia estética) del giallo para darnos una historia totalmente policial. Y que funciona.

La película empieza inmediatamente con una chica ahorcada. Es ella la desencadenante de la investigación que trae a colación con sus sospechosos increíbles percepciones (Aunque insisto, ligeras percepciones nada más) sobre los problemas familiares, la prostitución infantil y el abuso de poder. De aquí, los principales detectives Vittoria (Giovanna Ralli) y Silvestri (Claudio Cassinelli) se enfrentan a un caso que confronta sus pensamientos morales. No se, ni creo que Dallamano haya escogido el trauma familia post- asesinato para explotar melodramáticamente. Ven, lo ventajoso del caso es que todos estos elementos hacen mover otras poleas que traen otro objeto misterioso al caso. Es decir, de sospechoso a sospechoso, lugar a lugar, ataque tras ataque y descubrimiento a descubrimiento nos resuelven un problema pero nos dejan otro. Por eso, como espectadores – investigadores jamás nos aburrimos. Siempre tenemos algo que hacer. Y por eso – a pesar de que no se entendiera muy claramente su desenlace – la identidad del asesino no se no es importante. Por lo menos, no es tan importante para nosotros como resolver los problemas y mover más poleas. Eso es entretenimiento y La Polizia chiede Aiuto – con una de las mejores compocisiones de Stelvio Cipriani – es emoción policíaca de las mejores.

Shadow of a Doubt (1943)

2010-11-02T20:41:00.002-05:00

El macabro no es extraño de ver en Alfred Hitchcock y el sarcasmo de Shadow of a Doubt la hacen una de las mejores – palabras retóricas de quien les escribe, teniendo en cuenta en que es muy difícil reclamarle algo al gordito macabro. La película funciona, desde una perspectiva ampliamente familiar, como una película de suspenso sin un misterio. Es decir, claramente hay un misterio propuesto, pero a diferencia de sus más afamadas producciones como Psycho, en donde se descubre todo al final, ó en The Birds, en donde no se descubre absolutamente nada, Shadow of a Doubt nos pone en claro que la película no nos va a poner a resolver un misterio sino a mordernos las uñas.

Me explico. Charlie (Teresa Wright) una bella joven descubre el gran secreto de su tío Charlie (Joseph Cotten), y aunque no quiera aceptarlo, se da cuenta que tras la acalorada experiencia hay malas intenciones dentro de la persona que más quería. Nuestra querida Charlie, no se aguanta la curiosidad y se ha metido en la grande (Como todo buen heroe Hithcockiano). Ahí es donde se encuentra la tensión de la situación, porque se juega inmediatamente con el “el sabe que yo se” así mismo con el villano que tiene en cuenta el “ella sabe que yo se que ella sabe”. Es una sencilla formula matemática, perfecta para la construcción dramática de la historia. Es la formula del problema.

Y es típica dentro de la iconografía del suspenso del autor, teniendo en cuenta grandes obras como Rope ó Rear Window que juegan con la misma base con diferentes factores (Como “ellos no saben que yo se/que yo hice” ó “yo se que ella no sabe que esta en peligro”). Pero si Hitchcock fueran solo matemáticas sería, seamos sinceros, un poco estrictos y aburridos. Pero no lo es, porque Hitchcock aplica la formula y sin embargo se mantiene fresco en su desarrollo. Sin necesidad de complicarse tanto, el espectador queda clavado a la silla, sin importar que, en este caso, no haya ningún misterio para resolver. Estamos ante el peligro de una bella chica que adoraba demasiado a su propio asesino. Y mucho menos no vamos a evitar el llanto con semejante climax final (Recordé, en confesión al Gato de las Nueve colas de Dario Argento).

Igualmente, ningún personaje se descuida. Habíamos dicho que esta película era contada totalmente desde la perspectiva de una familia. La familia es la configuración, para mi, del problema incluso mucho más que la inocencia del pueblito en donde se desarrolla. Porque el peligro no es obvio. La familia tiene a un criminal adorado y el conflicto recae en un peso de extendida expectación, mientras que en otras películas como en la gran obra de Billy Wilder, Las Horas Desesperadas, la familia secuestrada es aprisionada por una situación extra cotidiana y de tensión. Aquí, desde la chiquita amante de los libros hasta los viejitos que se pasan las noches tratando de crear “el asesinato perfecto” tienen su cargo dramático y complementan el conflicto de la heroína que tiene que vivir diariamente con un peligro que va aumentando; es una situación in crescendo.

No quisiera decir “es la gran obra de maestro”, pero que puedo yo hacer. Shadow of a Doubt es otra de sus grandes obras maestras y, para finalizar, no olvidar que es esta película, de toda su filmografía, la que el consideraba como su favorita. Eso tiene que darnos macabras expectativas ¿no?

Snakes on a Plane (2006)

2010-11-01T16:00:00.006-05:00

Viendo películas estrenadas esta temporada como la deliciosa Piranha de Alexandre Aja, he entendido cual es el verdadero punto de películas como Snakes on a Plane. Retomando la idea precisa de “la naturaleza contra el hombre”, como muchos suelen decirle, me he dado cuenta que, en realidad, Snakes on a Plane no se trata en realidad de las serpientes asesinas. Es simplemente la idea de conseguir la exageración de una situación precaria con el fin de un montón de carnicería. Pero de todos modos, y también, resulta ser un guiño para los amantes de las películas de acción de los 90s, teniendo a héroes dictatoriales como Samuel L. Jackson como principal protagonista.

La película abarca a un testigo que viaja en un avión que viene de Hawaii. El testigo en cuestión va a Los Angeles para testificar contra un criminal que prácticamente ya esta en la cárcel. Este, obviamente necesita que le ahorren ese favor y mete una cantidad de serpientes drogadas que empiezan a matar a una cantidad de gente inocente que viene en el avión. Y como siempre, los personajes dentro de sus clichés, están marcados como quienes van a ser los que van a protagonizar la acción de defensa y quienes son los que ya están como mero plato de carnicería para destilar un absurda cantidad de gore.

Y hay gore en Snakes on a Plane. Hechos infortunados específicamente para que mueran de formas inimaginables los pobres diablos que decidieron hacer parte de una película de serie B. Snakes on a Plane es una película de serie B, y eso es un hecho. Ahora bien, mientras que Piranha impone que todo es una tonteria fantasiosa, es cierto que esta película propone un marco de realidad demasiado concisa para que la podamos disfrutar totalmente a gusto. Es decir, la exagerada visión trash del que quiere acompañarse (Con desnudez y grotesco al cien) a veces no cumplen con su propósito. Jurassic Park, por ejemplo, también deja clara la aventura y mete al espectador dentro un mundo en donde es posible volver a la época jurasica. Snakes on a Plane dice que es un chiste serio. Y yo a veces no me rió, ni la disfruto tanto por ese lado.

Evitando el ataque y la sangre que propician las serpientes, me gusta el hecho de que, al fin y al cabo, me haya terminado entreteniendo. Porque a fin de cuentas es una simple, ilogica película que entretiene. No es la mejor de todas (Aunque sus efectos especiales son muy buenos), pero tampoco es la peor. Y con ese término prefiero recordarla algún día si me llegan a dar las ganas de volver a verla.

Pieces (1982)

2010-10-30T13:59:00.004-05:00

Dirigida por
Juan Piquer Simón

Escrita por
Juan Piquer Simón
Joe D´Amato
Dick Randall

Reparto
Christopher George
Linda Day George
Frank Braña
Edmund Purdom

España, USA - Color
87 Minutos

También conocida como:
· Mil Gritos tiene la Noche (Titulo Original)
· Chainsaw Devil
· Le Cri du Cobra

La producción más famosa internacionalmente de Juan Piquer Simón es la agraciada película inepta para toda temporada. Es decir, yo amo películas realmente ineptas como las despreocupadas aventuras shockianas de Umberto Lenzi o de Joe D´Amato. Pieces, como es más conocida internacionalmente (Y la película favorita del director Eli Roth) pertenece a ese tipo de películas violentas que sacan una u otra risa no intencional por la estupidez de su sádica exageración y, peor aún, cuando aún teniendo una oportunidad clave en su climax final, termina convirtiéndose en un anticlímax con –al- final con una escena inolvidable (por lo estupida que es).

No se. No debería quejarme, el increíblemente desequilibrado guión lo escribió uno de mis cineastas favoritos (Ya anotado arriba), Joe D´Amato. Pero hay una cantidad de filmes mejores en su propia filmografía que también se ganan su confianza por la dirección que reciben. No conozco el trabajo de Juan Piquer Simón, así que soy un ignorante, pero la violencia perpetrada hacia estas mujeres, teniendo la excusa cualquiera de ser asesinadas sin ropa, es demasiada abusiva para que el espectador se empiece, realmenre, a sentirse violado.

No se. Tampoco debería quejarme. He visto muchas películas con esta misma rutina. Un asesino mata mujeres y un final boy (en este caso) con una super sexy detective madura (Lynda Day George). Las otras chicas, tan lindas ellas, son asesinadas de formas absurdas. Si, lo se. He visto peores películas que esta y me han gustado. Pero hay un aire realmente malsano – no se si por su estupidez – que no deja realmente deleitarse con la tontería. Es una película de explotación esta claro y la estoy tomando como eso. Sencillamente podemos decir, evitando claro el anti-climático final, que simplemente es una película de explotación que no hizo mucho por mi, que sencillamente no me gusto y que prefiero, en mi haber muy subjetivo, las tetas D´Amatianas que el deleite de la crueldad de una película que le importa cinco a sus personajes y que ni siquiera tiene el mero interés por el misterio. Sencillamente no es la peor pero tampoco es la mejor ni la más entretenida de su género y seguramente no me molestaría verla de nuevo con una audiencia, solamente que soy orgullosamente indiferente a ella.

House (1977)

2010-10-29T18:58:00.005-05:00

El extremo de lo absurdo, el extremo del surrealismo y el extremo de lo extremo se ven bien representados en el debut como director de Nobuhiko Obayashi. Al verla, no hubo duda que varias preguntas acerca de la cualidad y la armonía cinematográfica llegaron a mi cabeza. En primera instancia, porque el extremo siempre es conocido como la barrera que separa a una obra de arte con una simple secuencia de imágenes sin sentido, aplicado en mucho casos del cine moderno como del contemporáneo. Pero ¿Qué pasa cuando las imágenes sin sentido son la base de la obra? Me preguntaba yo e inmediatamente, sujeto a los surrealistas ligo la obra cinematográfica de Luis Buñuel y Salvador Dalí con su Chien Andalou, un maravilloso trabajo experimental cuya historia es no tener ninguna más que la de demostrar al espectador no solo la intención, sino la acción total de que este se encuentre inmerso en situaciones que suponen más allá de lo abstracto y tengan el sabor del sueño. Sin tratar de desvariar el tema, House es puro surrealismo y sin duda, por lo menos en su aspecto estético, se enfrenta (tal vez sin atravesarla) a la barrera que separa a la locura de lo insulso. House no es insulsa, porque resulta ser una experiencia más allá que otra cosa.

La película es fantástica pero tiene un argumento. Nuestra bella protagonista, una colegiala adolescente, esta ansiosa por entrar a vacaciones para pasarlas con su padre, pero al ver a su nueva madrastra, recuerda con dolor a su difunta madre. Para reconciliarse con su niñez decide invitar a sus amigas a la extraña casa rural de su vieja tía, por allá lejos casi encima de una montaña. Una empieza a desaparecer una a una.

La premisa se encarga de ahondar en su personaje principal, pero leyendo le que he escrito pareciera el terreno apropiado para un slasher, en donde sea la tía ó la colegiala las principales sospechosas y motivos del crimen. Pero no, no es así. Afortunadamente, la fantasía de Obayashi es más amplia que eso y no olvida a su personaje principal. Tal vez es por esta prima razón en que la película en sus excesos funciona. Porque, hasta para ser excesivo hay que ser organizado, hay que tener un motivo, así su motivo sea no tener ninguno (Como en Buñuel y Dalí). Al ver la extravagancia, hermosa de por si, del filme, uno no puede negar la exigencia y el calculo severo de la visión tanto plástica como cinematográfica de su autor. El Stop Motion, a alteración de la velocidad del tiempo mediante la cámara y los juegos fotograficos son uno de los artificios mayormente usados por Obayashi, pero también el ritmo, que a veces pareciera desentonar un poco pero no lo logra, logra ponernos en claro desde el principio la suerte de cada una de las chicas.

¿Pero es entonces esta o no una historia de fantasmas? Es lo que usted decida (Aunque probablemente lo es), más sin embargo no debe descuidarse que al final, la película excesiva termina representando algo inmerso desde lo superior. Algo grande, que es la locura visual que presenciamos termina de interiorizar completamente en los motivos adolescentes del personaje, en su dificultad para aceptar su madurez y el nuevo estilo de vida que le espera. Y House, finalmente y en toda su deliciosa, psicodelica abstracción, trata de eso. La primera escena entre las dos mejores amigas, en toda su alegria, lo comprueba.

Tambien conocida como Hausu. Disponible en Dvd y en Blu-Ray por The Criterion Collection.

Evil Dead II (1987)

2010-10-28T21:18:00.003-05:00

Las cosquillas son el misterio de la carne muscular. Nos encanta, pero sentimos vértigo e intranquilidad con ellas. Nos cagamos de la risa sintiéndonos desesperados y al final, es una experiencia visceral que es toda una delicia. Y así fue una verdadera delicia revisitar (Con excelente compañía, nada menos) la grotesca obra maestra de Sam Raimi, secuela de su exitoso debut cinematográfico dentro del circuito tanto del horror como el independiente. No sea extraño para ustedes, va de antemano decirlo, que no se haga raro y se vuelva costumbre la etiquetación de obra maestra al imaginativo cuerpo de trabajo de este maravilloso y favorito autor, que va de paso decir, es uno de los últimos autores de su generación que no han abandonado su marca, su imaginación y, más importante aún, sus propios gustos.

El amor de Raimi por Los Tres Chiflados se nota a leguas, mediada aquí a todo gusto por los artificios que es la monstruosidad plástica de lo lúgubre … y lo más importante de todo: las cosquillas de por medio. Me explico. Los ojos voladores, manos groseras y bailarinas de ballet decapitadas pueden tener el peor tratamiento posible si no se maneja magistralmente y mucho menos si el punto no esta totalmente justificado y no se cree en lo que se esta haciendo. La sucesora de tan grotesca y violenta película (La cual también tenía un enfoque claro) se arriesga y gana porque su autor y todo su elenco y equipo creativo y técnico se toman en serio la tontería. Error de hoy en día de muchos homenajes (Gracioso sea decirlo, independietes) al terror ó a la comedia llegando a extremismos de casos graves que se creen demasiado (Como los trabajos de Eli Roth, por ejemplo).

La cabaña y sus ocultos secretos malditos no se andan con rodeos con sus propósitos y dan rienda de una a la historia de su pobre héroe… el dulce Ash, que termina convirtiéndose en la moledora de golpes de Raimi. Uno podría creer que Raimi odia de alguna forma graciosa y aceptable, a sus personaje protagónicos (Evidenciado queda en la reciente Christine de Drag Me to Hell), magullándolos a dolor y sin piedad por incluso las otras victimas de la película. Y Ash marca su territorio y nos gana desde su sufrimiento hasta su infame y no exitosa venganza contra los demonios que le atacan.

Ya hablando de territorios; Que la película empiece concisamente implica, exitosamente, a Raimi a marcar terreno, a diagramar el espacio por donde va a moverse. Tiene una pre-concepción clara del ritmo de una propuesta sencillamente aparatosa. Pareciera que, con respecto a la película original, este intentara ser más una reinvención del mito que él creo y no una secuela (A pesar de que este fuera el primer intento opacado por las productoras y por la perdida de derechos para trabajar en ella), trabajando así en otro fantástico camino bachoso por el que su héroe tendría que superar los retos y obstáculos propuestos. No solo en suavizar. El gore es igual de fuerte pero diferente en espíritu a la original. El grafico tiene otra intención, no la de intimidar sino la de una mas inocente. La del grotesco cosquilleo.

Es por eso que Evil Dead II es una de las mejores secuelas. Sam Raimi esta en su punto máximo y lo acredita como un creador único en la industria. Que Army of Darkness, la responsable de continuar la historia, tome un camino difuso y triste es otra historia. Este, señoras y señores, es el Raimi que amamos ... el de las cosquillas.

BeetleJuice (1988)

2010-10-25T23:24:00.003-05:00

Reflexionando profundamente, sinceramente no soy un gran fanático de Tim Burton, aunque defiendo mucho su maravillosa visión caricaturesca la cual esta ampliamente influenciada por las viejas películas de horror de los 50s y los 60s. Tal vez, cuando era un poco más pequeño, me encantaba ver que el hombre siguiera en el negocio, pero hoy en día creo que teniendo a la mano tanto efectos digitales a veces se le ha pasado la mano con su fantasía y ha descuidado demasiado sus argumentos. Sin embargo, Beetlejuice, la película que estoy dispuesto a reseñar, se convirtió (y sigue siendo) en una de las favoritas de mi infancia y viéndola hoy día nos hace recordar el gran esteta y creador que es el señor Burton siendo esta, para mí, una de sus más divertidas y originales creaciones en el cine. Claro, su visión de la leyenda de Sleepy Hollow y su bio-pic Ed Wood tiene su grato encanto, pero creo que es esta película en particular en donde la concreta influencia y visión caricaturesca del horror de Burton es explotada en su máxima, descarada expresión.

El ambiente – al igual que su innegablemente entrañable Edward Scissorhands – se basa en el Technicolor pastel, en la composición cursi basada en el juguete de plástico en todo su perfil à la Americana. Un alegre matrimonio (Geena Davis y Alec Baldwin) muere en un accidente. Descubren entonces que el más allá no es ni el cielo ni el infierno sino que deben vivir – muertos en su casa y habitar con los nuevos dueños, una familia de extravagantes Neoyorkinos con una madrastra que hace horribles esculturas (Catherine O´Hara) y su hija gótica (Wynona Ryder). La pareja de muertos están cansados de convivir con la nueva familia y deciden asustarlos para ahuyentarlos de la casa. Como no pueden ven que hay una solución…llamar a un extraño exorcista del más allá llamado Beetle Juice (Como jugo de bichos). Al parecer esa no será la mejor opción.

Por supuesto, la premisa, rica en posibilidades, se dirige a una trama demasiado compleja en su desarrollo. Es cierto que, como muchos críticos en su época lo anotaron, el argumento esta destinado a los gags y las extravagancias que a los mismos personajes (Roger Ebert anota en su reseña). Y si, la película vive por su diseño estético y sus asombrosos efectos especiales. Pero, en primera instancia, la distensión argumental del guión en sobreponer una situación tras otra, tal vez se deba al abrupto número de borradores y cambios hechos a la idea original. La idea que se le ofreció a Burton se alejaba terriblemente a la idea de una comedia y atentaba a una horripilante película de terror en donde Beetlejuice era un demonio malvado que intentaba aniquilar a la extravagante familia. Tras ciertas reformas, de las que se eliminaban personajes como una niña pequeña que podía ver al monstruo y situaciones adultas como un intento de violación a Lydia quien en esta oportunidad no sería una chica gótica sino una punk.

Claramente Burton tiene una relación con el material totalmente distinta, afortunadamente, y cambia abruptamente la dirección de la historia. Y eso se nota en el resultado final. Y he aquí la justificación de su dulzura. La película es una vitalización total de los filmes spooky de los años 50s, tal vez un poco asemejado a la idea del inocente terror de William Castle (Recordemos que una de sus películas más famosas tiene como protagonista al ídolo del director, Vincent Price). La película es inocente y no aspira a desarrollar unos personajes serios. Es una comedia fantasmal para reírse y sentirse bien asustándose. El diseño de los monstruos – basado en la animación stop motion – y el tetricamente divertido climax final aviva al fuego a la película más divertida del director.

A pesar de que el personaje central no sea Beetlejuice, la película aprovecha a los amplios personajes propuestos, cuyo efecto también reside en el encanto que despliegan los actores: David, Ryder y Keaton ganan el premio. Y es muy difícil, sinceramente, no poder deleitarse o pasarla bien con una película tan inocente, divertida y terrorífica como esta.

La Ragazza che sapeva Troppo (1963)

2010-10-24T23:37:00.003-05:00

Lo mas bonito de La Chica que sabía Demasiado es que es un giallo sobre una chica que ama y vive por los giallos. Cuenta la historia de una joven muchachita que es amante de las novelas de Agatha Christie y en su actitud de niña picara están las ganas perdidas de participar de emociones fuertes y descubrir misterios difíciles de resolver. Y cuando la oportunidad le llega, le llega con toda. Una extraña visión de un asesinato, le provoca la rasquiña pero ella no sabe los riesgos de volverse una chica que sepa demasiado.

Y precisamente es lo mas bonito porque esta película, que es un maravilloso thriller y al mismo tiempo un homenaje a las novelas de misterio de papel color amarillo, es el giallo padre y responsable de crear la propia palabra GIALLO. El responsable fue, por supuesto, Mario Bava, quien ya había tenido experiencias previas y proféticas del género trabajando con Riccardo Freda (Otro gran simultáneo contribuyente) con films como I VAMPIRI. Pero es con este trabajo con el que el subgénero renombraria autores como Dario Argento, Lucio Fulci , Joe D´Amato ó múltiples de miles directores en los 70s y 80s que gastarian sangre y estilo en misterios amarillezcos.

Se usa entender por giallo como un genero de thriller en donde hay un misterio violento, gestado por preciosos, enigmáticos escenarios. En La Chica que Sabía Demasiado, el estilo se mantiene sin necesidad de tanta violencia. Una hermosa fotografía en Blanco y Negro, con una composición Baviana típica (Que insisto ya se había visto particularmente, en ese entonces, con LA MASCARA DEL DEMONIO). Y al mismo tiempo no necesita de violencia para obtener su estilo. Hay escenas que son enigmáticas, preciosas, complementadas por unos personajes completos, queridos, con un sentido del humor admirable, incluyendo la participación de un narrador con sugerencias disparatadas que no representan mas que la conciencia infantil, juguetona y curiosa de nuestra chica. Y hay escenas con marcas Bavianas maestras: Como cuando la chica (Leticia Roman) llega a un apartamento vació, pintado de blanco, con bombillos que se mueven dándole paso a un habitación llena de oscuridad, una inmensa fuente (Un reconocimiento giallo de herencias) ó la habitación inspirada en Ariadna, solamente que esta chica quiere atrapar mas que a un Minotauro, es a un asesino.

Su impacto en los Estados Unidos definitivamente fue distinto que al de la copia original internacional. La American International Pictures, productora que ya había llevado LA MASCARA DEL DEMONIO con el nombre de BLACK SUNDAY, la llevo a América con el titulo de THE EVIL EYE. El corte tiene unas gratas diferencias, con escenas, diálogos diferentes y un final totalmente transformado (Tal como pasaría con el final de BLACK SABBATH, a los americanos simplemente no les gusta tener sentido del humor, característica Baviana esencial en su filmografía). Otro itinerante norteamericano es el de la aparición del actor John Saxon, quien, de origen italiano, antes de pasar a ser todo un fetiche de directores de cine de horror y de culto, aparecía en románticas películas juveniles de los años 50s. Saxon dominaba el italiano y su aparición el film es crucial como presencia, a pesar de que Bava y este tuvieron sus malentendidos a la hora de filmar, rumorándose algún tipo de fijación que el director tenia con “la chica” Leticia Roman. Sin embargo esto es un hecho que no ha sido verificado y que simplemente pudo llegar a ser rumor y chisme, ya que como el biografo del director, Tim Lucas afirma “Todas las star femeninas que trabajaron con Bava aclamaban el caballero que era”. También cabe añadir la aparición de Valentina Cortese y Dante Di Paolo, esta primera, siendo una actriz preferida de Fellini de la cual se saca provecho de su aparición en JULIETA DE LOS ESPIRITUS.

No solo es el papá giallo. Al mismo tiempo, LA CHICA QUE SABIA DEMASIADO es una película que describe todas las obsesiones Bavianas (Sin necesidad del color). Hay una sensualidad tajante, las heroínas son delicadas pero decididas Hay una sensualidad desgarradora; las mujeres siempre han sido las protagonistas del cine de Bava que, mas suponiendo en el espectador un propio morbo por ellas, ellas son los personajes que morbosean con nosotros. Siempre son curiosas, luchadoras y por supuesto, nerviosas y gritonas como nadie. Es esencial describirlo porque así como este es un giallo de inspiración, también Leticia Roman tiene un personaje Baviano por excelencia. ¿Pregúntense como sería la película si esta chica no fuera curiosa? La curiosidad mata al gato, dicen, pero es la razón de existencia de la película y de su picarezco personaje.

Por supuesto que LA CHICA QUE SABIA DEMASIADO esta inspirada en Hitchcock (Obviamente, su titulo lo dice todo), pero Bava pone sus propias reglas. Que la historia oficial del cine los oponga es una cosa, pero su maestría vale más que mil palabras. No es un thriller perfecto. También sale la tradición de unas tramas algo incoherentes y fantasiosas, pero ahí esta el encanto Baviano. Son pura fantasía y es así como mejor funciona.

Piranha (2010)

2010-10-24T00:35:00.004-05:00

Tal vez la razón de ser de esta nueva versión fílmica de la película original de Joe Dante resida en su climática escena a lo que podríamos denominar como “la masacre de las camisetas mojadas”. Esto es lo que la dulce y acomodada juventud MTVteiana tendría como tétrica, visceral pesadilla para sus exuberantes bien cuidaditas carnitas. Pero por otro lado, es la justificación violenta de la violencia impuesta por el filme. Aja es conocido por su violencia de autor en sus películas de terror, pero aquí, fuera de contextos o de cualquier información previa gana como típico entretenido espectáculo morboso digno de un sucio teatro ochentero de la calle 42. La escena, dentro de sus propios límites, es una delicia.

Pero adviértase que dije “entretenido”. Piraña es la última película de monstruos, que, afortunadamente, no se despega pero no se apropia de la intención satírica del autor original y obtiene su propia autoría. Es probable entonces de que el director Alexadre Aja sea un fanático de las tetas. Y unos en la audiencia, los disfrutaran mucho más que otros y esta misma característica, al igual que con la violencia, puede convertirse en un problema en la justificación madre, la cual la define como obra explotativa o del genero como tal.

Piraña esta divida en dos. Su primera parte, la suavizadora pero también la más lubrica de todas sirve en el imaginario del macho con la visualización tetinisca. El sexo es entrelazado, hay que aceptarlo, inteligentemente con la violencia de las pirañas. Como todo buen gore, todo esta enfocado en la carne, pero la ventaja aquí es que Aja se gana estos pretextos explotativos para hacer la película entretenida, ya que de la unión de estos dos elementos tenemos como resultado el chiste de la exageración, el cual llega al extremo de lo falico (Que es el castigo mas doloroso jamás impuesto a un director porno en la historia del cine). Con esto impongo en que la gracia del film precisamente consta de su exagerada violencia, canalizada siempre al ataque de las termitas marinas. Sin este tipo de exageración grotesca, la película sería inservible en sus propósitos. Es esto lo que la diferencia de películas como Tiburón (1975), película a la que en sí, la original Piraña trataba de burlarse y que esta basada excepcionalmente al monotono suspenso.

Hay una diferencia entre la crueldad y la exageración del dolor, no llegados entonces con una intención sádica por parte de su creador como en varias películas de explotación sino con otros fines, tal vez estéticos ó tal vez caricaturescos (Como el genial Sam Raimi nos ha enseñado con sus obras maestras) y es por eso es que Piraña, para quien acepte el juego que propone, va a estar divirtiéndose sin contar el tiempo.

Tal vez, es tener a Elisabeth Shue, quien madura pero fuerte también da un carácter a esta entretenida tontería. Aún así pienso que Aja, después de divertirse, debería empezar a retomar creaciones originales y no mantenerse en revivir películas del pasado (Ya van tres re versiones o remakes en su filmografía) y no sería bueno que él elija ese camino con la grata probabilidad en que su huella como autor se pierda y se engome en el encauche. Piraña no es una obra de arte, pero es entretenida, sexual, explicita, grotesca y entretenida como el demonio. Si les gusta jugar en el agua con las reglas de estos peces, no lo piensen dos veces. Van a pasarla del carajo.

The Comedy of Terrors (1963)

2010-10-19T13:10:00.002-05:00

Con un nombre como Jacques Tourneur a la cabecilla y con un reparto con nombres como Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff, uno sabe que la vaina puede ser más que especial. Esta película, aunque no deja ser carne común y corriente de la AIP, es precisamente por esa razón que llega a ser encantadora. Price, Lorre y Karloff siendo actores típicos dentro de la filmografía de la productora obtienen una propuesta que pretende dejar de lado las acostumbradas historia góticas de Edgar Allan Poe y, entre otras cosas, evadir la seriedad de genero en producciones importadas como es el caso de Karloff en la obra de Mario Bava, Black Sabbath (Titulo traducido con el que se estreno la película en los Estados Unidos). Siguiendo por las líneas inocentes, pero no tan parodias de películas menos serias como Dr. Goldfoot and the Bikini Machine (Y su subsecuente secuela, también dirigida por Bava), esta película retoma en primera instancia, el humor negro como base argumental.

El escenario es típico para una situación grotesca pero graciosa. Una funeraria en bancarrota es manejada por un alcohólico, quien detesta a su esposa, una desgraciada e ilusa cantante (¿?) de opera quien tiene a un padre sordo y viejo y esta enamorada del tímido ayudante de su esposo. Como no hay clientes para la funeraria, por supuesto, hay que “traer” clientes a la funeraria. Si entienden lo que quiero decir. La premisa es perfecta para un encuadre sarcástico y oscuro pero tal vez Tourneur o mejor, sus guionistas, no aprovechan del todo bien esta fantástica provisión escenica.

Hay, de todos modos, referencias Shakesperianas (desde Macbeth hasta Romeo y Julieta) que intentan retraer a los personajes pero que, desafortunadamente (especialmente al de Price y al del actor Basil Rathbone) terminan exagerando demasiado y no buscan en lo sutil para poder encontrar el punto clave de esa comedia del terror. Pero las situaciones, que fácilmente llevarían a un montaje escenico perfecto en imperfecciones, se asimilan a la juguetería del horror, de los muertos vengativos, de los vestidos negros, los gritos femeninos y las tormentas.

Es por eso que La Comedia de los Terrores (Referencia parodica a La Comedia de los Errores, también de Shakespeare) es una recomendación perfecta para la tonteria del desparche, porque aunque no posee el encanto propio de una comedia negra, tiene las deliciosas proporciones de los juguetones gritos del horror…y mucho peor con ese maravilloso elenco.

Arsenic and Old Lace (1944)

2010-10-19T02:18:00.002-05:00

En Halloween, Mortimer Brewster es un respetado critico teatral que se ha casado con la hermosa Elaine Harper. Alistando las maletas para irse de luna de miel, descubre sin querer el oscuro secreto de sus tiernas tías. Al mismo tiempo, su hermano asesino ha escapado de prisión para un cambio de cara.

¿Frank Capra haciendo una película de terror? Ni hablar. Esta es una de las más disparatadas y lúgubres comedias que el Hollywood clásico tuvo en sus mejores años. Tiene a Cary Grant, esta basado en una famosa obra de teatro que fue tan popular que la película tuvo que esperar tres años hasta que el hype bajara un poquito en las tablas. Ah … y sí, tiene a las asesinas seriales más tiernas del celuloide.

¿Qué más necesitan?

El aspecto que escenificaba Capra claramente no abandona su herencia teatral, ya que casi todo pasa en la sala de la lúgubre casa de las Brewster y la actuación de Grant es llevada a lo extremo, con la gesticulación abierta de sus rostros de horror. Al mismo tiempo, la misma historia es una reflexión sobre los clichés de las historias y los personajes del terror.

Más asegurado es lo que dice una de las tiernas asesinas antes de preparar un delicioso ponque: ¡No dejare que me arrastre a ver otra de esas películas de miedo! No deberian hacer películas para asustar a la gente …

Esta Peter Lorre como un cirujano alcohólico alemán y el asesino de la familia (No el único) lo comparan con un famoso monstruo de la época que hará que los amantes de las películas de la Universal sonrían y sientan cosquillas en el estomago. Y hay un jump scare bien escondidito y efectivo que realmente crea una reflexión sobre lo macabra que puede ser la comedia, o lo gracioso que puede ser lo terrible.

Una obra maestra del horror cómico que comprueba una vez más la destreza de Frank Capra en llevar un material y explotarlo al máximo en ritmo e intención.

Tragic Ceremony (1972)

2010-10-19T01:10:00.006-05:00

Dirigida por
Riccardo Freda

Escrita por
Mario Banchi
Jose G. Maesso
Leonardo Martin

Reparto
Camille Keaton
Tony Isbert
Luciana Paluzzi
Maximo Valverde
Luigi Pistilli

Italia - Color
87 Minutos
También conocida como:
· Estratto dagli archivi segreto della polizia di una capitale Europea (Titulo Original)
· Trágica Ceremonia en Villa Alexander

No puedo negar que hubo una grata sorpresa de saber de que la preciosa y mítica Camille Keaton trabajo con el mítico Riccardo Freda. Esta película que testimonia esa unión es una extravagante mezcla de elementos góticos de la mano estilística de Freda con una historia policía de fantasmas que no tiene ni pies ni cabeza. Tal vez ese sea su encanto.

Cuatro jóvenes intentan llegar a casa pero se quedan sin gasolina y en medio de una tormenta deciden parar en una mansión en donde se lleva a cabo un culto satánico que termina en una absurda carnicería que puede pasar del asombro al disgusto y del disgusto a la carcajada. Luego, los muchachos se ven envueltos en el misterioso crimen y peor cuando uno por uno empiezan a morir misteriosamente.

El guión tiene problemas y se preocupa, definitivamente en el estilo. Pero en este caso, la película es demasiado precoz en centrar el clímax a la mitad del filme y no centrar su punto de vista en el misterio que ese mismo clímax tan precioso y a la vez tan guarro ha ocasionado. Tal vez una de las razones de las porque el filme esta tan descuadrado es por el poco interés del que evidencia posteriormente Freda, diciendo que la película no le gusta y no la toma como suya, y a veces se nota que el punto fijo no solo recae en el escritor de la película sino en su director que no enfoca claramente a donde nos quiere llevar con tanto embolate.

Pero hay cosas. Primero que todo Camille Keaton esta ahí ¿A quien no le gusta Camille Keaton? Segundo, la dirección de Fredda aunque desenfocada esta llena de estilo. La escena más hermosa recae en la señorita Keaton quien camina en la enorme mansión con un largo vestido blanco y unas velas que la alumbran en la oscuridad del lúgubre pasillo. Y su cara de horror complementan una escena maestra de lo gótico y de lo esencial (supongo, en estilo) del director Riccardo Freda.

Desenfocada como ella sola, Tragic Ceremony merece la pena por su visionado gótico a pesar de que sea guiada por un director desinteresado.

Motor Home Massacre (2005)

2010-09-29T12:02:00.004-05:00

Siete jóvenes se van en una van hacia un campamento donde hubo unos asesinatos. Alguien empieza asesinarlos uno a uno (¿Cuantas veces tengo que escribir esto?)

De acuerdo. Sir Laguna me presto esta película cuando lo visite en Pereira el año pasado, advirtiéndome que era una de esas películas “malas” de su colección. Bueno, para serles sincero, ahora se porque no me la ha pedido de vuelta. Dejenme … dejenme ubicarlos.

La película es de bajo presupuesto, ese no es el problema. El problema es el cambio abrupto de la calidad visual de las cámaras que se usan, en primera instancia, cambio que no se usa inteligentemente. La imagen es más sucia que una bruja de Blair en acido. La película tiene a los personajes más estereotipados que he visto en un telefilme de horror, todos están allí: El geek, el macho idiota, la rubia tonta despechada, la negra despechada, el rapero motherfucka´, Britney Spears, otro chico y unos metachos no – chéveres que son más chirris que un berraco.

Bien. Después de una introducción que no tiene ninguna necesidad de ser presentada, porque va a ser exactamente igual media hora después en un flashback orgiastico de los más de desalentador, tenemos más de veinte minutos de escenas que para serles sincero, creí que habían sido extractos robados de Laguna Beach ó de The Hills de MTV. Lo digo porque, aunque no llegan a ser peores, se igualan a la profundidad dramaturgia de esas series de televisión de chicas acomodadas. Finalmente, el gore es demasiado falso y hay momentos en que el asesino ataca (Con unas tomas absurdamente subjetivas) que pareciera que el camarógrafo hubiera metido más speed que el Correcaminos.

Pero pongámonos analíticos un momento. Es obvio que Wilbanks, el director de esta cosa trata de hacer un tipo de “bad film”. Es decir, todas estas cosas (o por lo menos la mayoría de ellas) son intencionales… y eso incluye las malas bromas. Quiero decir, como intenta ser una película mala trayendo todos los clichés del romántico y del horror ochentero al extremo, el tiro se sale por la culata. Ese es el problema de los fanáticos contemporáneos del terror que quieren hacer películas (y es algo que en sí, hay que solucionar) y es que si no se toman en serio su propio material, por más absurdita y serie B que sea, claramente va a llegar a ser mala, pero por otras no tan agradables intenciones.

Aunque no voy a negar, que las cosas malas intencionales me dieron risa y en si pase un rato más o menos de malparidez cinematográfica, pero solamente por el hecho de saber que fue intencional. Cuando uno no se da cuenta de esas cosas, la pasa uno incluso mejor. ¿Además que tan original es una película slasher en un campamento con la palabra Masacre en el titulo (Gracias a Dios por ¡The Cinema Snob!)?

Como todo se toma como una mamadera de gallo, la película es una mamadera de gallo que no va para ningún lado. Sin embargo, hay tetas y hay unos diálogos que realmente son para cagarse de la risa, en un país de donde Orson Welles se encuentra muy lejos en expiación con los ojos que nunca lo vieron viéndose películas como Motor Home Massacre.

I Spit on Your Grave (1978)

2010-09-27T21:09:00.009-05:00

Nº 42 en la lista de VIDEO NASTIES

Una joven escritora se aleja de la ciudad a una pequeña casita de campo en la que es violada sádicamente por cuatro hombres. Ella buscara venganza.

Podría pensarse que la premisa de I Spit on Your Grave es demasiado sencilla y demasiado explotable como para tener buenas intenciones, a pesar de que Zarchi siga insistiendo hoy en día en que su película es honesta y no tiene ninguna intención amarillista. A pesar de que el titulo original de la película era El Día de la Mujer y que su titulo popular fue dado por los productores que la circularon por las calles de los teatros Grindhouse a los finales de la década. A pesar de que Roger Ebert la haya tildado como “la peor película de todos los tiempos”. Zarchi sigue defendiendo su obra.

Y una cosa es hablar de ella y otra cosa es verla. Sin la suciedad del realismo fílmico de la que se plaga La Ultima Casa a la Izquierda, I Spit on your Grave, por lo menos en su textura, es una película de experiencia, de tocar y quemarse con ella. Hay una visión fílmica en esta película y si bien su tema es insanamente diabólico, duro y aberrante no sigue siendo exagerada y violenta como cualquier slasher ochentero ni como cualquier porno tortura de nuestros días. El problema, es que su efecto incide más en la moral del espectador y, en las mujeres, el dolor se da en el sexo. No soy una mujer, pero es casi seguro que el público femenino se siente tan violado como el personaje principal.

La película es violenta, pero no es machista. Tampoco es feminista. En el sexo, es un ajustamiento de la historia occidental y del trato a la feminidad por el macho cabrio. De eso se trata y de eso, finalmente, es la película. Pero Zarchi, dando un aura de silencio y de monótona realidad, entiende a su protagonista. Quiéranlo o no, la película esta con ella y no contra ella. La película no disfruta de lo que le esta haciendo y ni siquiera esta filmada en una moda pornográfica como muchas de sus contemporáneas. El filme entiende a Jennifer y aprueba, incluso, su venganza contra sus violadores.

Lo interesante del cuento en su segundo acto, el de la venganza, es que Zarchi no pone a Jennifer como una asesina maniática, ni hace que las nuevas victimas se fundan en escenas de persecución o de estupidas, largas escenas injustificadas de suspenso yanki. No llega a se un slasher. Zarchi diagrama, presenta la vida de esos hombres. Lejanamente, pero con el nivel de cualquier transeúnte que ve a lo lejos a una familia, nosotros vemos que, también en realidad, esos hombres son personas comunes y corrientes que trabajan y tiene hijos. En ejemplos más recientes como Eden Lake, se contrapone la vida, más que del campesino al del hombre educado por el mismo machismo que crítica la película. Es, en donde se pone a pensar en como la misma cultura occidental, en esta caso norteamericana y hasta nuestra misma cultura Colombiana, ha crecido con una idea vendida de la femineidad, de la prostituta y de la mujer rumbeada. Zarchi propone inteligentemente toda esta situación antes de entrar a la necesaria violencia de Jennifer.

Y Camille Keaton, la protagonista (solo por anotar, ella es la nieta de Buster Keaton), preciosa y violentada no exagera la situación mediante sus movimientos naturales y no a lo mecánico del “estar mal”, del estar “violado”.

Una película única en su clase, que se le odia o se le ama, pero que, a pesar del tratamiento descarnado de su tema es justificado y hasta necesario. Tal vez más adelante podamos profundizar aún más en ella. Si no la puede ver se le comprende, pero si puede entiéndala, gracioso sea el caso, como arte que no busca entretenimiento. Yo la defiendo.

Django kill … if you live shoot (1967)

2010-09-25T14:12:00.007-05:00

Un extraño, en busca de un oro perdido, llega a un extraño pueblo habitado por guerrilleros, cowboys homosexuales y un cura que encierra a su esposa loca en la habitación más callada de su casa.

Tal vez uno de los spaghetti westerns más extraños jamás filmados, en realidad el valido esfuerzo de Giulio Questi es proponer un estilo novedoso o diferente al de sus contemporáneos (En especial Sergio Leone), no solo proponiendo unos personajes que podrían considerarse extraordinarios, sino creando una premisa alrededor de la corrupción y el poder en una pequeña comunidad de lunáticos. Es por eso que, en este caso, el oro es un elemento esencial del filme.

El héroe de la historia es el extraño, Tomas Milian, aún con un aire de juventud que se aleja de toda idea de lo execrable. Su extraña presencia viola el ritmo amoral del pueblo en el que vive y, esencialmente, la sexualidad y la codicia. Hay una especie de conflicto homeorotico durante la obra que la hace realmente interesante. Questi deja que su protagonista afecte a cada uno de los personajes a su manera y mientras que el hijo angelical, el maltratado del cantinero, prácticamente encuentra un enamoramiento en el personaje de Milian también entra la corrupción a ese sexo con la violación de los Ángeles negros de los delincuentes homosexuales; el extraño Milian, totalmente borracho no advierte en su delirio la percepción del corrompimiento de la sexualidad, cambiada a la abominación, no por la orientación sexual, sino por el acto vandálico de la violación al espíritu enamorado. Milian se enamora de una mujer, la loca que esta encerrada y se sacrifica por el hombre que, para ser sinceros, se enamora demasiado rapido como para creérnoslo; esto solamente para ser una diversión extra entre tanto estrés ara el estrés. Los personajes más consecuentes se encuentran afuera de esa habitación, como el maldito cura que advierte la moraleja principal de la obra en su derretido castigo.

Hay un ambiente sadomasoquismo que infecta a la obra y es utilizada como puente de corrupción de los personajes y no como elemento erótico como en otras películas que le seguirían en la década siguiente y también es interesante. La dirección, por supuesto es, por lo menos hablando estilísticamente, maravillosa y, sin necesidad de despegarse de sus artificios surrealistas de los que dramáticamente esta construida hay violencia por montones, pero controlada sin necesidad de extremismos.

Es realmente una obra extravagante, a los que incluso a los amantes del género podría dejarlos rascándose la cabeza un rato sin saber si les gusto o no. Sin embargo es una película única y Milian es incomparablemente atractivo. Y aunque no sea Franco Nero, eso sigue siendo una obligación para el gusto. Muy recomendada.

También es conocida como Se sei vivo spara y fue otra de las películas que se aprovecharon del mito Djanguiano para vender en Estados Unidos (Ojo, nada que ver con su creador original).

La Noche del Terror Ciego (1971)

2010-09-20T16:40:00.008-05:00

Una chica (María Helena Arpón), al peleare con sus amigos, se escapa de un tren y termina en un desolado pueblo medieval. Al pasar la noche, descubre que no esta sola y que los malvados Templarios la buscaran en sus caballos para beber su sangre. Mientras tanto su mejor amiga y su novio van en busca de la desaparecida sin saber lo que les espera.

Amando de Ossorio es un director español que vivió su filmografía más celebrada con el cine fantástico y el terror; es uno de los directores más importantes para el género en su país, tal vez con Jesús Franco (A pesar de que sus estilos son diferentisimos). El trabajo más importante de Ossorio fue una tetralogia de películas basadas en unos personajes medievales que Ossorio llamo los Templarios, un culto satanico del medioevo que, en busca de la vida eterna, cogian a sus esclavos para torturarlos y beberles la sangre; luego fueron aniquilados por el pueblo católico, no sin antes ellos clamar su regreso de la muerte al anochecer para buscar victimas con las que experimentar.

Con este tipo demito o leyenda rural, Ossorio trabaja en una trama de desaparecidos. La chica protagonista y su novio van en busca de su mejor amiga quien, bonita pero como boba ella, se queda por la noche en un castillo desolado. Dada a las circunstancias, se da una historia de investigación en la que solo se logra ahondar en el mito que les acabo de contar. Luego se unen dos personajes para el clímax final.

A Ossorio le gusta la sangre, sin duda, pero no la usa de una forma ni exagerada ni inútil y es, claramente, totalmente distintivo al masoquista uso de Jesús Franco en sus películas fantaeroticas. Y es, claramente sorprendente, que estando en la última fase del régimen Franquista una película como estas se haya podido presenciar fácilmente. Claro, cineastas como Franco que terminó haciendo películas fuera del país mientras que Ossorio o cineastas tan arriesgados como Eloy de la Iglesia, debatían a la fuerte censura “S” de la España franquista. Incluso, la metáfora de los templarios puede verse como alusión al terror sembrado por el dictador. Y no puede negarse que la dirección de Ossorio es atmosférica y que los Templarios son uno de los villanos mas cool del horror español, que, aclarando de una vez, son los primeros zombies vampiros de la década.

Además, el final es tremendo y perturbador – e incluso fortalece más la metáfora-.

Obviamente que hay errores en la película. No tanto en las actuaciones, sino más en el sentido dramático y en la narrativa; pero la película tiene un encanto impresionante. Tiene todo lo que un fantaterror español debe tener para ser entrañable y los Templarios y su mito – que Ossorio desarrollara en los siguientes films, para saber más de ellos – son realmente escalofriantes.

Una maravillosa película, a la que recomiendo que se vea en su versión original Europea. Hay varios montajes gringos con títulos como “Revenge from the Planet Ape” y “Mark of the Devil 4: Tombs of the Blind Dead”. Evítenlas.

Friday the 13th 3D (1982)

2010-09-19T22:42:00.015-05:00

La premisa es la misma: Jasón sobrevivió a la matada de la película anterior (Amy Steel sale en la introducción del film repitiendo, mas o menos, el final de la segunda parte) y vuelve a un campamento a matar más adolescentes sin ninguna razón aparente. Fin de la trama

Ya saben bien que mi fuerte no son los slashers y revisar una secuela de la inacabable Viernes 13, puede volverse de ser una experiencia ochentera de las divertidas a ser verdaderamente aburrida y poco interesante, lo que hizo que esta tercera entrega fuera una excepción particular. En primera instancia porque la película fue filmada y estrenada en su época en 3D, lo que da un toque novedoso a las películas que van a empezar a repetirse una y otra vez. Segundo, es tal vez una de las películas más importantes de la saga porque es aquí donde se recoge la marca oficial de toda la serie: la mascara de hokey. Pero, bueno, en cierto sentido sigue siendo la misma cosa: Adolescentes estupidos, calientes y estereotipados; los pocos que nos caen bien se mueren de las formas más terribles y el fenómeno de lo anticlimatico se desarrolla en yo no se cuantos clímax finales tenga la Final Girl.

Aún así hay ciertos puntos a considerar. El 3D de esta película es tal vez uno de los mejores que ha podido tener el genero. Ojos, bates, yoyos y cualquier arma que use Jason Voorhees se sale de la pantalla con un buen juego de shocks y sorpresas por el director Steve Miner. Así que si, si buscaban una cualidad en una película de Jasón, esta es sin duda la más grande y consecuente. La película deja de ser aburrida por su monotonía.

Finalmente el tema principal de la película es una versión disco del clásico de Jasón. La película sigue siendo mala ¿Pero como no amar una película que tenga como tema principal una canción así?

Aún sigo pensando en que, especialmente esta saga, tiene demasiadas fallas como para ser querida por tanta gente, aún así hayamos todos crecido con Jason (Porque todos crecimos con Jason ¿Verdad?). Además de ser en algunos momentos excesivamente cruel en los asesinatos que forman la penúltima parte de la formula slasher ochentera. Sin embargo, a pesar de que esta película sea básicamente la misma vaina, tiene 3D, una imaginativa dirección y varias referencias al cine de horror que la hacen una de las más entretenida de la saga.

The Masque of the Red Death (1964)

2010-09-12T23:52:00.011-05:00

La muerte roja llega a un pequeño pueblo medieval. El único lugar que se encuentra a salvo de la peste es el castillo del príncipe Prospero (Vincent Price), un satanista que hace con sus súbditos lo que le venga en gana.

Todavía estoy en shock. Para estas alturas del partido sería más que obvio, tal vez ofensivo, poner un ejemplo preciso para defender el género que amamos tanto. Pero, digamos que en este instante me importa un carajo. Películas como La Mascara de la Muerte Roja demuestran que el terror puede hacer verdaderas obras de arte. Si, eso se da por hecho, pero ver una de las mejores películas que Roger Corman pudo hacer en su vida y no poder reafirmarlo también podría considerarse un crimen, entendiéndose de que podríamos estar hablando de uno de los clásicos de la modernidad del siglo.

Esta basado en uno de los famosos cuentos de Edad Allan Poe. Esta es la tercera película de la serie de adaptaciones que Roger Corman haria de los cuentos de Poe para la American International. Corman habia pospuesto tres ó cuatro años la producción de esta porque temía que, especialmente las audiencias americanas, creyera que era una copia de El Séptimo Sello de Ingmar Bergman, hoy en día considerada como un clásico de la realeza del cine internacional. En si, La Mascara de la Muerte Roja tiene grandes similitudes no en un estricto sentido plástico (del cual esta película es rica e independiente), sino por hacerse las mismas preguntas. Ahora bien, por mi lado, no dado a favoritismos, comprobado claramente porque amo a Bergman (Y porque creó que su autor ha hecho mejores películas que confrontan este mismo tema, vease Gritos y Susurros ó la misma Fanny y Alexander, creó bien que esta película de terror confronta el tema no solo de una forma más directa y clara, sino que su propuesta es cinematográfica sin abandonar ciertos manierismos de la escenificación teatral.

En primera instancia, el filme cuenta con u aire innegablemente Shakesperiano, pero eso es agradecidamente, porque no se despega de su imagen literaria original. Hay respeto a la premisa de su autor (Poe). El despliegue Technicoloresco de su director de fotografia, Nicolas Roeg (Director futuro de películas como Performance, Don´t Look Now y The Witches) no solo da las cosas para que sean bonitas. Por supuesto, hay un servicio al espectáculo que ya lo hace plásticamente perfecto, pero hay un aire inspirado en sus contextos. El rojo es un símbolo de la muerte y la paleta de colores, juegan con su poder, se pasan de un color a otro, siempre tratando de evadir a la muerte, sin, por supuesto como todo, éxito.

Vincent Price, una actor legitimo del teatro, es perfecto como el satánico Prospero. Su sarcástica risa se pone al servicio de la propuesta espiritual que propone Poe frente a la muerte; es confrontado con las clases sociales, con la religión, incluso con la belleza y los mismos animales. Prospero es una pieza clave porque la película es de él. Todos los demás, sus piezas y la muerte su peor enemiga, su mejor compañera.

La Mascara de la Muerte Roja es una película que debe verse, debe apropiarse y debe sentirse. Como las mejores películas, son experiencias inolvidables, sensitivas que demuestran que el carácter cinematográfico también es visceral hacia su público. Que no se olvida de él, que lo otorga todo. Esto también, es para los que dicen que Corman es un director de pacotilla que no sabía lo que hacia; es para demostrar – solo como otra de sus cualidades – que el terror es sabio, que conoce sus propios miedos y sabe enfrentar sus propios demonios.

Forbidden Planet (1956)

2010-09-11T15:10:00.006-05:00

Dirigida por
Fred M. Wilcox

Escrita por
Cyril Hume
en la obra de William Shakespeare "La Tempestad"

Reparto
Leslie Nielsen
Walter Pidgeon
Anne Francis
Robby "el robot"

USA - Eastmancolor
98 Minutos

Claramente, hay una película de ciencia ficción para cada generación. Metropolis, 2001: Una odisea en el Espacio, Star Wars y Avatar respectivamente han impactado tremendamente a los espectadores. Pero lo que Forbidden Planet hizo por el genero, subsecuentemente en el mito robotizo, paranoico y pulp, no lo ha hecho ninguna otra película en la historia del cine. Forbidden Planet pudo ser la primera de las primeras en muchas cosas: Una banda sonora compuesta por sonidos electrónicos, un robot amigable (La película más famosa de Robby) y, en tiempos de entrada paranoia, el monstruo invisible, el subconsciente.

Lo que hace tan maravillosa una película como Forbidden Planet, es su alegría por contarnos su historia, creerse su propia fantasía tomándosela en serio sin olvidar la imaginación como servidora de la maravillosa metáfora que hoy día se puede aplicar en nuestras mentes digitalizadas.

La acción, siendo una adaptación de La Tempestad de Shakespeare, nos lleva al siglo XXI más allá de nuestro conocimiento, en un extraño planeta a un millón de años luz de distancia en donde una nave espacial aterriza con la misión de ver si hay vida humana en donde se supone hubo un accidente y la posibilidad de cautiverio de seres humanos. El comandante J.J Adams (Leslie Nielsen) conoce a los únicos seres humanos que sobrevivieron a un extraño ataque de un monstruo fantasma tan invencible como inmortal. El científico Edward Morbious (Walter Pidgeon) construye su casa con la más alta tecnología posible, una casa de colorido ensueño en donde vive él, su bella hija (Anne Francis) quien no sabe como dar un beso terrícola y su robot Robby (Como el mismo). Pero el científico esconde un secreto que el comandante tendra que descubrir a tiempo antes de que el monstruo invisible los ataque y termine con sus propias existencias.

La ciencia ficción no solo nos transporta a mundo fantásticos, también contrapone una mecánicas imaginadas para explicar fenómenos de una sociedad biologica y tecnológica. Ninguna otra película lo ha entendido tan maravillosamente como Forbidden Planet. Por supuesto, hay muchos preciosos ejemplos de películas que son pieas humanas siendo ciencia ficción – desde Robert Wise hasta George Lucas – pero Forbidden Planet ha encontrado el equilibrio perfecto en pernmanecer en su fantasia y su espectáculo para hablar del ser humano, como sujeto tecnologico, maduro que no evoluciona frente a sus posibilidades por no aceptar sus propias condiciones. Contrapone a ese sujeto frente al ejemplo de una sociedad – en este caso, la sociedad imaginada serian los Krell – como una masa no desarrollada ni hiper desarrollada sino ultra, hiper, mega desarrollada que no se atiene sus consecuencias.

Forbidden Planet sigue siendo todo un espectáculo después de todos estos años. No solo por su vibrante Technicolor. Esta es la película que verdaderamente justifica el uso del Widescreen como un verdadero espectáculo cinematográfico y a la vez, porque no dramático. Es que realmente es una maravillosa conjunción de todo: Walter Pidgeon hace un papelazo único como el genial actor que fue y Nielsen y Francis tienen que ser la pareja del año (No solo por las piernas de ella). Y Robby, el robot es el más tierno y obediente que podría ser un buen ejemplo para maleducados Benders.

Y su impresionante fabula, recontextualizada desde Shakespeare, compensa esta nueva crisis del hombre frente a su propio conocimiento. Eso mismo que ha causado guerras, abominaciones y desastres culturales esta sucediendo con el avance de la ciencia, especialmente en este era de la digitalización. No quiero decir exactamente cual es su mensaje, porque es maravilloso que la película se haga entender de formas tan maravillosas. Como un cuento de medianoche.

Hay gente que hoy en día no pueda ver una película del genero sin CGI, ni acción porno motorizada à la Michael Bay. Tal vez mucha gente piense que esta película es anticuada y ya no despierte interés en los jóvenes de hoy en día. Pueden decir lo que quieran, pero sea como sea, Forbidden Planet seguirá siendo una de las mejores películas de la historia del cine.

Corridors of Blood (1958)

2010-09-10T00:33:00.008-05:00

Puede que Corridors of Blood no sea una fuente fiablemente literal sobre el descubrimiento de la anestesia, pero es una muy buena película sobre la obsesión científica y su incidencia en la sociedad. La película, dirigida por Robert Day, tiene a un viejo pero nada cansado Boris Karloff como Thomas Bolton, un cirujano en el siglo XIX que siente un dolor profundo al tener que amputar a sus pacientes sin que estos no puedan sentir el horrible dolor que lo produce. Al decidir buscar una forma de eliminar este dolor empieza a probar con diferentes químicos que en empiezan a atontarlo terriblemente, haciéndolo delirar sin que al día siguiente se acuerde de algo. Pero por otro lado, en un rinconcito pobre londinense, una banda de bandidos que mata personas para poder vender sus cuerpos a los hospitales y universidades de la ciudad. Una noche al tener atontado al doctor, empiezan los problemas del chantaje.

El amor por la ciencia no es nada nueva en el cine de terror, pero mientras que no se pueden esperar shocks premeditados por la locura del protagonista, este científico es un amante de su oficio con convicciones morales, específicamente porque no quieren ser Dios como Frankenstein sino que esta al servicio de un deber contextualizadamente histórico.

La película esta filmada con delicadeza en los estudios de la M-G-M en Londres. Se nota que hay clase cinematográfica especialmente por la limpieza de su narrativa. No entiendo porque la película ha pasado tan mal trago por muchos fanáticos como “basura”. El problema es que no desarrolla ningún elemento fantástico como tal y los delirios de Karloff no llevan a cometerlo ninguna locura que hoy día pueda considerarse indecente. Pero se entiende el dilema del científico y en su afán por conseguir el éxito en su proyecto y claramente la experiencia dramática de Karloff ayuda demasiado. Usualmente yo hago parte de los Lugosi, pero no hay que negar lo que se ve. Finalmente la película nutre su encanto finalmente con Christopher Lee quien es acreditado con el personaje de Resurrection Joe, el malandrín de sombrero de copa que hasta el mismo Dickens se hubiera desagradado en malos términos.

Es una película sencilla en su propuesta, pero consecuente. No solo los fanáticos de Karloff deberían darle una oportunidad sino aquellos amates del género que no se apresuren demasiado y entiendan que el cine de terror, así sea con criaturas y toda la vaina, no abandona ningún ente humano o social. Por eso esta película funciona.

La Bomba Rosa: La homosexulidad masculina en el cine de explotación y de subgeneros.

2010-09-04T14:59:00.016-05:00

La historia del cine de explotación no ha embargado a la homosexualidad. O por lo menos, a una gran parte de ella. Cualquier aficionado podrá descubrir una característica denominante en el sexo femenino por razones claramente de contexto y de cultura. Las mujeres siempre han sido las protagonistas de la explotación en la historia de nuestra cultura occidental y en el cine, han sido protagonistas de variantes que son inherentes a esta misma historia: el sexo y la violencia. La homosexualidad femenina siempre ha estado presente en el cine de explotación como un factor meramente llamativo, a veces en ciertos casos con excusas de lo erótico, que en pocas películas realmente logran justificar su contenido. Uno de estos casos, podríamos decir, se encuentra en un director de ejemplos contradictorios; Joe D´Amato dirige en Emanuelle e Francoise: Le Sorelline, un ejemplo magnifico de lo erótico, del uso de la homosexualidad como asesino del machismo teniendo en cuenta sus objetivos explotativos sin abandonar su postura como una película absoluta sobre la venganza de los sexos. Y en D´Amato esto podría parecer, - lo repito – contradictorio, especialmente con sus películas de la Emanuelle Nera (1977-1980), que hizo con la supermodelo Laura Gemser, cuyas escenas eróticas con mujeres aparecían como mera excusa para el macho cabrio, que hasta en algún momento podrían llegar a lo excesivo de la misoginia como en Emanuelle Alrededor del Mundo (1978), cuyo titulo original es irónico con su propio contenido, Perche violenza alle donne? (¿Por qué las violencia a las mujeres?).

Emanuelle Around the World

En Estados Unidos, por ejemplo, los mismos casos se daban pero esta vez con muchísima más fuerza. A pesar de que veníamos de una época en donde los Nudie Cuties proclamaban la grandeza de la pareja Norteamericana. al desnudar a sus mujeres y tener sus hombres ó viejos verdes, como contempladores, la homosexualidad femenina tuvo un gran apogeo en los sucios teatros en donde los pervertidos apreciaban todo tipo de explotativas escenas lesbias. Directores como Doris Wishman con ejemplos como Bad Girls go to Hell (1965) ó Andy Milligan con Seeds of Sin… ó incluso la serie de películas sadomasoquistas de Olga ó los burlescos de Bettie Page. Los ejemplos son incontables. Y es esa misma moda la que se va a dar en la pornografía específicamente guiada a un publico, heterosexual - masculino.

Pero ¿Y el hombre homosexual que?

Existía, claramente en las sombras. Vamos a retroceder en el tiempo un momento. Imagínese a un hombre, común y corriente, tal vez un adolescente o un juicioso oficinista que iba a su kiosco y compraba las famosas revistas apreciativas de fisiculturismo. Las beefcakes, la verdad sea dicha, fue la primera extensión comercial del siglo XX que apoyaba la belleza física del hombre en un sentido estrictamente erótico – No como Miguel Ángel, que hacia una introspección física mediante la anatomía - y que era aceptada por la sociedad bajo su disfraz. El fisiculturismo, que ya no es lo mismo que era gracias a los contextos (Ahora, dentro de la moda del porno gay, los fisiculturistas se ven entrometidos en simples trabajos explícitos para las paginas de la internet), apreciaba a la figura masculina, y aunque se daba la oportunidad de darse un paralelo claro de los sexos con fotografías con pin-ups preciosas de la época, las revistas especializadas solo se enfocaban en la figura masculina e incluso en su interacción con otros hombres, teniendo como excusa a las luchas grecorromanas.

Steve Reeves es Hercules

Y aquí llegamos al cine. El Peplum, fue un subgénero de los 50s y 60s que tiene sus inevitables raíces con Italia, claramente ejemplificado en Cabiria (1914) de Giovanni Pastrone. Toda esta irreverente parafernalia de los mitos griegos, de los dioses y de los mortales luchando contra salvajes fieras y villanas que son herencias de la cultura occidental, se hizo masiva como exitosa. Sus protagonistas eran casi siempre personajes eran masculinos – Aunque interesante hizo Roger Corman y Joe D´Amato juntos con La Arena, para desexualizar el asunto en los 70s – cuya carne era representada por fisiculturistas como Reg Park, Sergio Ciani y el hombre más hermoso del mundo, el Hercules incomprable, Steve Reeves, quien había empezado su carrera cinematográfica con Ed Wood Jr. con el Noir Jail Bait. Reconocida como una de las menos peores películas de Wood, aquí afortunadamente nuestro director favorito de todos los tiempos no abandona la idea de aprovechar el físico de Reeves en una situación contemplativa. Reeves haría los Peplums más famosos, siendo el Hercules por excelencia. Ciani, reconocido internacionalmente como Alan Steele, haría en los 60s Hercules Against the Moon Men y Reg Park trabajaría con Mario Bava junto a Christopher Lee en Hércules en el centro de la tierra.

Todas esas películas, ya fuera incluso inintencionadamente, mostraban un potencial erótico en el sentido de lo físico y en la valorización del cuero masculino en su belleza y no en su machismo el cual dio a parir, ojala todavía, incontables fantasías para su determinada audiencia. Y esto se convirtió en un gran paso.

Fleshpot on 42nd Street de Andy Milligan

Pero, dentro de unas líneas más directas, los ejemplos se reducen al mínimo, tal vez llegando a Andy Milligan como el más pronunciado, con su cortometraje, Vapors, que contaba la noche de un hombre que va por primera vez a un sauna gay. Era una interesante perspectiva, por supuesto, viniendo del ultra violento y extravagante Milligan. Siendo este también homosexual, Milligan se convierte en una pieza importante para este tema, ya que su perspectiva kitsch del mundo se adelanta incluso a versiones contraculturales más explicitas como las películas de John Waters y su travestí Divine, quien por supuesto son los liberadores esenciales en este especifico caso pero el cual en sí trata de evitar pertenecer a esta nueva onda sino que transgrede a la cultura en todos sus clichés. “Tal vez sea gay… pero yo no soy esto” dice en su introducción en la autobiografía de uno de sus idolos y quien, cabe decirlo ya que se nos da la oportunidad, gran contribuyente del homoerotismo en lo que nos compete, Tennesse Williams, quien escribio el guión para la extravagante drama terrorifico De Repente, el último verano, quien tenía a un Montgomery Clift, un triste y nostalgico ejemplo de un actor reprimido por su condición sexual en el angutioso mundo de Hollywood. Pero el cine de Milligan ofrece una perspectiva, tal vez tan rudimentaria y pobre como excesiva, pero tan interesante en sus pretensiones e importante, indudablemente, en sus regalos para el cine de explotación y de subgéneros. Y el caso del western es mucho más interesante todavía, otorgando cada una no solo una desexualización del caso sino que transforma al western redefiniéndolo a la modernidad gracias a que se empiezan asumir estos personajes seriamente, ya sea en el espació como la urbanizada Midnight Cowboy de John Schlesinger ó My Own Private Idaho de Gus Van Sant en los 90s, ó ya sea en conceptos como la producción de Andy Warhol, Lonesome Cowboys ó la bizarrada gótica de Django Kill …if you live shoot.

Y aquí hay que fijarnos en lo importante que es el papel del cine underground y el cine experimental, especialmente en una década moderna en que se redefine muchas perspectivas. Siendo los 70s y con la entrada de la explicita pornografía, empieza a producirse una popularidad marginada que crea una fidelidad en la industria pornográfica gay de la misma manera en que la heterosexual crecía, en este caso a la cabecilla guiada por Gerard Damiano, el padre del porno-chic. El equivalente en este caso sería Boys in the Sand, cuyo titulo se referencia a una película igualmente importante para este mismo caso como bien lo fue The Boys in the Band de William Friedkin. Boys in the Sand, a diferencia de Deep Throat, parecía un art-film pero con escenas eróticas. Y al igual que en la pornografía heterosexual, distintos grupos empiezan a trabajar para perfilar al negocio que resulto más que rentable, como bien son los casos de Colt con sus loops o de la Jaguar, cuyos filmes, para serles sinceros, se me hacen algo raritos.

Lo que es gracioso es que muchos directores que manejaban en la década anterior una maestría total frente a materiales explotativos de la serie B terminaron dirigiendo estas películas cuyo genero, empezando a tomar forma para imponer una credibilidad, encontró experimentos aún más interesantes en la pornografía gay que el mismo clásico de Gerard Damiano. También interesante sea, muchas de las más interesantes y raras películas de explotación con una intención heterosexual han provenido de directores marginados como estos.

Un perfecto ejemplo son Los hermanos Amero, maestros de la explotación sementera con películas como Diary of a Swinger ó Bachanalle, crean las porno gays más disfrutables del genero. Navy Blue, tiene en acción a Jack Wrangler y a George Payne como dos marineros que buscan sexo por la ciudad. Es en esta película en donde Wrangler tiene una fantasía disco navideña y Payne tiene sexo con Papá Noel. Si, el mundo en el que vivimos es hermoso damas y caballeros.

El teatro Adonis, vista en los 70s del filme A Night at the Adonis.

El mismo cine de subgéneros sigue subsistiendo. Como ya mencionamos, el peplum se ve enrojecido con películas Centurians of Rome protagonizada por George Payne mientras que el Women in Prison se convierte en Men in Prison con Al Parker escapándose de Jack Wrangler en Wanted de Steve Scott. Incluso, la calle 42 se ve homenajeada con la Grindhouse Una Noche en el Adonis, en las que Jack Wrangler y una basta de cinéfilos calientes hacen de las suyas en cada rincón de este histórico teatro de explotación, cuya importancia histórica no puede negarse al ser un buen documento para explorar desde afuera y, más importante, desde adentro el ambiente de un teatro Grindhouse autentico. En el caso de los shockers, John Waters quizás no sea el único perfilado, teniendo al sadomasoquismo por delante en películas que raramente son ahora conservadas por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el caso de la fetichista y ultra explicita Born to Raise Hell, la cual se ha convertido en un clásico del subgénero.

En los 80s, se da el grato el convencionalismo de William Higgins y la liberación – con SIDA y todo- ya estaba impuesta, mientras que otros directores exponían ya la homosexualidad como tema principal del filme, casos tan interesantes que se manejan a profundidad como en Tenebre de Dario Argento ó en el particular profesor intelectual de Paolo Malco en El Destripador de Nueva York, de Lucio Fulci. Hasta llegar al gore y decepcionante Cruising de William Friedkin.

Paolo Malco en The New York Ripper

Finalmente en los 90s, la era del video encontró su forma y se despego del cine trayendo en el última década de vida del celuloide compactado a personajes icónicos antes de llegar al mediatismo del Internet, como Aiden Shaw y directores como Steven Scarborough llegando hasta nuestra época con raros híbridos entre un supuesto arte y porno en películas como Descent (1999). Mientras tanto, compañías como Colt es tal vez la compañía más vieja que exista en el momento que tenga el orgullo de decir que nación del sexploitation. Joe Gage, finalmente, ya cucho y todo, dirigió a Jack Wrangler en una de sus primeras películas, Kansas City Trucking Co. Hoy, ya hace dos años de la muerte de Wrangler, es el último personaje de la explotación gay que sigue trabajando en el negocio, que ya, desafortunadamente, no tiene ninguna excusa liberadora, sino que se va al otro extremo de lo erótico y se funde en una única esperanza llamada BruceLa Bruce.

Antes y después.

Ese es el futuro.

Bibliografia:

1. Tennesse Williams. Memorias. 1975, Doubleday.
2. Eddie Muller,Daniel Faris. Grindhouse: The Forbidden World of "Adults Only" 1996. Cinema. St. Martin´s Griffin.
3. Foto del Bijou Theater cortesia de The Deuce: Grindhouse Cinema Database

The Brood (1979)

2010-09-01T16:48:00.007-05:00

The Brood es tal vez una de las películas más atípicas dentro de la filmografía de Cronenberg, no porque no siga el típico ritmo contraído que usa expanderse durante la trama general, ni tampoco el grotesco científico que acompaña a sus películas. The Brood tiene todo esto; es la dirección contraria que toma Cronenberg con su tema como subtexto: La familia.

The Brood indudablemente habla sobre la familia, no una bonita supongo. Una mujer (Samantha Eggar) confinada a un sanatorio especial regido por un avanzado psicoanalista (Oliver Reed) tiene extraños encuentros con su hija pequeña. El marido y padre (Art Hindle) desea que su pequeña se aleje de su loca madre y puedan vivir una vida. Pero un día sangrientos asesinatos a su alrededor comienzan a acosar a la pequeña y a su padre.

Suene como suene, esta no es una película de acción horrorifica, de climax tremendos y de sangre alborotada. Como buena película de Cronenberg, es una película reflexiva y sobre encuentros inevitables de sus personajes con el destino. Por lo menos, en su regimiento clásico, esta es una máxima. Pero The Brood no permite adivinanzas. Nos plantea una problemática interna, reflexiva, sobre los malentendidos sociales y sobre la pesadilla que es crecer en una casa con problemas. Es genial que la historia tome el rumbo de la genética más que de la psicología en el último acto del filme. Me pongo a pensar, además, de que la película recrea más los dolorosos miedos de la pequeña que de su padre enfrentándose a los horripilantes monstruos que causan los asesinatos. Podría decirse que The Brood habla de la infancia desde la cuna cuidada por los enfermizos padres, ambiciosos de sus detestables carismas. Y por otro lado, el problema del linaje consiste, especialmente, en un patrón condenado a la violencia física.

No se como crezca la pequeña de este filme, especialmente por las contradicciones de su angustioso final. No necesariamente por la violencia que han presenciado sus ojos sino en las acciones de su madre y en su incesante tarea de crear monstruos, de procrear violencia y de continuar con una saga de desgracias.

The Brood es tal vez la obra más personal de Cronenberg. No es entretenida, no es un buen thriller, pero es reflexiva e importante. Esta es, sin duda, una película de horror.

También conocida como Cromosoma - 3

Dinner with a Vampire (1987)

2010-08-29T13:47:00.005-05:00

Lamberto Bava reimagina el mito (y su referencia literaria obvio) del chupacabras más famoso que ha tenido la cultura occidental. En este caso, George Hilton (All the Colors of the Dark) es un malvado director de cine que dirige películas de horror y que tiene proyecto crear una nueva en su gigantesca mansión. En el casting, tres muchachas de lo más ochentenas, jóvenes y estupidas posibles y un muchacho (Aún más estupido e infantil que los demás) se unen a la propuesta. Al llegar a la mansión, los recibe su asistente, un sirviente jorobado y una loca que se escapo del set de Lo que el Viento se Llevo. Cuando llega el director, descubren que la cena con el vampiro va a ser mucho más arriesgada que un cameo de Zoë Bell.

A primera vista – en una muy superficial – es probable que el público odie esta película y le parezca demasiada estupida e infantil para tomársela en serio. Tal vez estas personas tengan razón. Hay un toque de comedia, que es, caso contrario, maravilloso y positivo porque hace Bava Jr. marque terreno y nos aclare las reglas del juego. Los personajes actúan como niños y, debido a sus cambios emocionales es poco probable tomarse en serio mucho de lo que esta pasando. Pero la película es entretenida. Estos muchachos corren por una cantidad de pasadizos secretos, se enfrentan al malvado vampiro, a adefesios caníbales y al fantasma de loca vampiro que se la pasa cagada de la risa.

Pero lo más importante es la estética en la que Bava se basa. Claramente se sobrentiende que la fotografía y la composición escénica de la película va a ser maravillosa. Y en realidad lo es, mucho. Pero es su descomposición del arquetipo vampirico. Hilton es un vampiro elegante, es cierto, pero después se transforma en un horripilante monstruo y es tan estupido como sus victimas., que, además quiere que lo maten porque no quiere seguir viviendo. Hemos visto eso en películas menos exitosas de mayor presupuesto como The Hunger.

Y, es genial también porque como en Demonios, Bava usa al cine como su arma principal, teniendo como influencia a Oscar Wilde y a F.W Murnau. Y mucho más importante … el ambiente se vuelve tan surreal, incluyendo en la maravillosa escena de la cena, que se convierte en una interesante propuesta, casí no vista por la jugarretas dramáticas italianas. Dinner with a Vampire tiene su toque ochentero, que creó no va a descomplacer a nadie. Y quienes se atrevan a este tipo de entretenimiento, la pasaran en grande. Esta película fue hecha para la serie de televisión, Brivido Giallo.

She-Wolf of London (1946)

2010-08-14T12:27:00.003-05:00

Es clarísimo que los amantes licántropos se van a ver decepcionados con la historia de demencia à la Jekyll y Hyde tan típica de su protagonista, la bella Phyllis quien se ve introducida a la locura al iniciarse despiadados asesinatos cerca de la casa donde vive. Los asesinatos parecen ser causados por un hombre lobo. ¿Decepcionados por qué? Decepcionados porque.

Pero acá nos sale el tiro por la culata a los puristas cinematográficos que jodemos que la estética y el artificio no siempre endura un guión flojo. La película esta muy bien cuidada dentro de cualquier línea disponible y previsible (Porque no es novedosa) de las películas de horror de la Universal. De esa estética de la que tanto se han hecho famosos. Entonces si, no hay nada nuevo aquí, pero gusta verlo; no debemos dejar que la niebla del frío Londinense tape estas adecuadas características. Por más siglo XIX que sea, con sus vestidos largos y anchos, no difuminaban la bella elegancia de sus mujeres, tan bellas que ya ni me acuerdo de sus hombres, aunque solo hay uno, Barry (Don Porter), el novio de Phyllis quien sufre de abstinencia severa al ella encerrarse en su melancólico peso de conciencia. Las actuaciones son regulares de la industria, pero se entienden los personajes y eso es algo indudablemente bueno. Pero la película tiene también mujeres feas, bueno… no tan feas, pero la tía Marta no es que este tan buena como parece y mucho menos al final de la película. Pero su presencia es importante para el desarrollo del clímax y la tía se compromete hasta el fugaz pero interesante final. Especialmente por el aura tan maravilloso de las casas viejas.

Es clarísimo que los amantes de los licántropos se van a ver decepcionados, van a sentirse engañados y robados. Pero creó que eso es exactamente lo que hace que She-Wolf of London valga la pena. Sabe engañar; inicia con una cosa pero termina con una totalmente diferente. El espectador debe estar dispuesto a entrar en un juego del suspenso que aunque menor es interesante y creó que esta película da lo que da cuando lo da. Sin arañazos., creó que los amantes del subgenero de licantropos (o de los monstruos) se dejen llevar demasiado por sus pasiones y opaquen aspectos del film que son bastante validos en su calidad como espectaculo de suspenso.

¿O será que a mi eso me valió huevo porque no soy un amante licántropo?

Más Negro que la Noche (1974)

2010-08-12T14:12:00.005-05:00

El terror latinoamericano se ve nutrido por la herencia de su propia tierra. Quiero decir, el buen terror latinoamericano; ese que esta hecho por autores que ya se han olvidado al pasar el tiempo. Carlos Enrique Taboada era un genio en sus predilecciones y lo lograba con todas las de la ley, aplicándose esta vez a las historias de fantasmas como en su clásico Hasta el Viento Tiene Miedo, donde unas estudiantes se veían acosadas por el alma de una vieja habitante del colegio que murió de pena. En Más Negro que la Noche, cuatro bellísimas jóvenes se ven acosadas por el fantasma de una anciana.

La juventud era el protagonista del cine de Taobada, ya fuera jovencitas colegialas, trabajadora ó incluso niñas pequeñas enamoradas de los conjuros. Aquí las muchachas son de lo más modernas. Escuchan rock, no tiene gusto por las antigüedades y detestan los gatos. Cosa mala para ellas (Susana Dosamantes, Helena Rojo y la bellisima Lucia Méndez) es que tienen que convivir con uno: Becker, un hermoso gato más negro que la noche que quedo como única condición para que Ofelia (Claudia Islas) pueda recibir la gigantesca mansión que su anciana tía Susana, recién fallecida, le dejo como herencia. Al habitar la casa las jóvenes también tienen que convivir con una vieja mucama que amaba a la tía Susana. Una lúgubre anciana con cara chupada que actúa tan extraño como el mismo gato amante de los canarios.

Taboada no tiene nada que envidiarle a los italianos góticos de su época. Con una estética Baviana detallada, Taboada crea un cuento moral contemporáneo, justo, concreto y entretenido. El manejo del suspenso es efectivo y más que funcional porqué su director ha maquinado diferentes vertientes que se entrelazan para hacerla lo que es. Hay una conexión real con sus personajes, cosa que Taboada siempre hace. Su vida cotidiana, a pesar de que el mayor tiempo del metraje se mantenga en las paredes encerradas de la lúgubre casa, se desarrolla normalmente en medio del misterio. Es decir, obviamente hay una violación a esa cotidianidad pero esta misma es consecuente y trata de volver a la normalidad cosa que, entre no se descubra el misterio, la raíz que ha causado el verdadero conflicto más se pierde entre la tierra. Sus personajes, habitantes de esa cotidianidad, no se enfrentan en principio a un brusco cambio sobrenatural. Se están acostumbrando a una casa más vieja que ellas mismas, pero tienen un techo paradisíaco que deben aprovechar a toda costa y es imposible que un mugriento gato negro que no las deja dormir en paz destruya la reciente felicidad que hasta ahora han obtenido.

Con esto quiero afirmar que Taboada imprime una primera instancia: la cotidianidad y la casi invisible pero progresiva evolución de su violación como ente para poder desarrollar la enferma aura de la venganza divina. Y luego, hay una contraposición, que es obvia y el espíritu total de la obra misma: La juventud que se enfrenta a la madurez, dura y severa que tiene como villanas a, en cuestión, la criada con la cara chupada…. ¿Y alguien más?

El problema no es el gato ni la manzana de Adán. Es el respeto a la regla y a los ancestros. El respeto a la conservación tradicional de los abuelos regañones que son herencia nuestra. Una violación hacia ese respeto se da frente a la desobediente juventud amante del rock n´roll y de la fotografía erótica en donde ellas muestran las tetas. Pero no creó que Taboada insista en un retroceso mucho menos conservador, sino en un terrorífico llamado de atención de la forma más tradicional que tenían nuestros mismos abuelos: Asustándonos.

Más Negro que la Noche es una excelente película de horror que sabe de donde viene, no lo niega y le gusta.

Eva Nera (1976)

2010-08-09T21:16:00.007-05:00

Dirigida por
Joe D´Amato

Escrita por
Joe D´Amato

Reparto
Laura Gemser
Jack Palance
Gabriele Tinti
Michele Starck
Sigrid Zanger

Italia - Color
98 Minutos

Tambien conocida como:
· Black Cobra Woman
· Emanuelle goes Japanese

En el esfuerzo de explotar cualquier imagen glorificando el cuerpo desnudo de Laura Gemser, Eva Nera es tal vez uno de los títulos de la filmografía D´Amatiana que se gana su estancia en el podio en este específico interés. Siendo además un buen complemento del contacto internacional con el gran Jack Palance, cuya presencia aseguraba la presencia en el mercado Americano. Eva Nera, al mismo tiempo, es una propuesta diferente en la típica visión D´Amatiana acostumbrada al explotativo ritmo que las películas de la Emanuelle Nera destilan en su galería de aventuras ocasionalmente sosas y violentas, a pesar de que su indistintivo sello se encuentra en cada plano posible; sus usuales preocupaciones temáticas dentro de lo erótico siguen allí: La obsesión por el cuerpo y la maldad del, especialmente, sexo masculino, en sus búsquedas de hacerlo solo suyo.

Aquí Eva Nera tiene una variante interesante en la historia escrita por el mismo D´Amato. Eva (Laura Gemser) es una bailarina exótica que acompaña su espectáculo con serpientes en algún club nocturno de esos que hay por allá en el Hong Kong. Dos hermanos Carmichael (El usual Gabriele Tinti y Jack Palance) se enamoran de su delicada figura. Judas (Palance), también comparte el extraño gusto que Eva tiene por las serpientes, teniendo sus sala llena de cristales que protegen a sus mascotas de los visitantes. El problema es que, aunque Eva no duda en aprovechar sus encantos para tener algunos caprichos de los hombres que la cortejan, ella no puede responderles de buena manera porqué no le gustan tanto como les gustan las mujeres, especialmente la rubia Gerri (Michele Starck). Jules (Tinti) no puede aceptarlo y empieza a usar a las venenosas serpientes de su hermano como recurso.

Una primera anotación frente a esta sencilla pero interesante propuesta, es que la típica regla de presentar la homosexualidad femenina en la explotación dada por hecha en sus joviales lujos explotativos a pesar de presentarse como heterosexuales (En los hombres pasa lo mismo, pero en la pornografía), es totalmente olvidada aquí. Eva es lesbiana y D´Amato se preocupa por presentarla como tal, porque a final de cuentas, es esta la que desencadena el conflicto. Por supuesto, no puede evitarse el uso de esta premisa para poder darse las vistas eróticas tan usuales de su autor, aquí notablemente en el club de lesbianas. Aunque en este caso, la visión no es exactamente explicita como podría darse en películas como Emanuelle in America.

También hay una notable e interesante introspección en el uso de las mortales serpientes cuando se tiene en cuenta el contacto de las mujeres con el cuerpo masculino que la desea (Jules – Tinti) y como Eva, en la vuelta de tuerca que da la historia en pos de la venganza, utiliza para transgredir y poner patas arriba las reglas que el mundo masculino rige para ella. Es un tema típico en la línea D´Amatiana. Aunque Eva es el personaje principal, el personaje de Jack Palance se ve avivado maravillosamente por su actor y da un categoría interesante a una película desprovista de algunas cuestiones explotativas que afectan en dados momentos en su ritmo. Aunque claro, esta la fotografía del señor Massaccesi (Que como saben, es el mismo D´Amato) que no se descuida en la propuesta de elementos y espacios de ensueño, no solo en la brillante fotografía de los interiores, sino en la fría modernidad oriental de la que se acompaña. D´Amato era un cineasta de mundo. Para notar finalmente, Bruno Mattei se hizo cargo de la edición.

Eva Nera no es perfecta, pero totalmente coherente en sus intenciones y una buena muestra de las posibilidades dramáticas de su autor en el contexto erótico y del sexo como genero, desplazando como únicas a sus exploitation famosos de la Emanuelle Nera. Fans de Joe D´Amato y, especialmente de Laura Gemser, deberían hacerla como regular; sin embargo no la recomiendo con aquellos que hasta ahora empiecen a descubrir al autor ó a la tipica línea softcore del Grindhouse europeo, aunque fuera una interesante primera impresión de su director.

Thriller: A Cruel Picture (1972)

2010-08-03T23:29:00.005-05:00

Thriller parece una película Alemana, así lo creía yo. No me pregunten porque, pero se nota. La historia es triste, desconsoladora, trágica y violenta. Pero más que todo, fría como el invierno en Berlin. Como las calles de Berlin: Secas, llenas de humedad. Es como si tuvieran los dedos frios y los estuvieran violando, indiscretamente, por el ano y que tuvieras demasiada sed pero demasiada sangre encima como para expresarlo. Aún así, la película viene de Suecia, de donde viene Ingmar Bergman.

Thriller es, ciertamente, una película cruel, con un ritmo desesperanzador y nihilista, que en realidad no se cuando llego a disgustarme y a cuando a gustarme. El estilo del filme es sin duda competente. Su autor Bo Arne Vilbenius cuenta la historia de una chica de malas que es maltratada solo como los europeos pueden maltratar a las mudas, violarlas, sacarles los ojos, para así crear un monstruo que les saque el tiro por la culata y se vuelva una autentica maquina para matar. El ritmo esta enmarcado dentro del “lento es artístico” y la violencia, aunque es controlada, algunas veces se muestra en cámara lenta mientras que los detalles sexuales se muestra en el detalle fashionista de la pornografía. Sin embargo Thriller no es una porno, y por lo menos, su autor nos lo afirma.

Se que pareciera que las palabras fueran en contra y no a favor, pero no estan más que usadas en todo su poder descriptivo de la técnica, no he llegado a las intenciones. Tal vez no lo haga. Esta extraña fusión entre arte y explotación confunde a cualquier esnob y yo, que lo evito, no puedo ser la excepción.

La película es fuerte en sus manierismos y positivamente visceral en sus acciones, se preocupa de su personaje y cuida muy bien sus propia metáforas, pero todavía pienso que los detalles genitales están de más y que en el preciso momento en que se da el frenético abuso, el autor embarra el segundo acto dejándonos fuera de lugar de lo explotativo y de lo visceral. No nos compromete, nos deja allí sentados sin saber que hacer con lo que estamos viendo. Aunque ciertamente, una actitud extravagante sería la de masturbarse.

Pero Thriller logra emerger en su tercer acto de venganza, de infiltrarnos en su personaje y de finalmente dejarnos en un trance. Christina Lindberg, la chica de un ojo se convierte en un monstruo para matar sin dejar de ser una hermosa mujer violada que justifica sus acciones. Heinz Hopo es el europeo promedio que podría estar personalmente en mis fantasías masturbatorias, pero tiene la cara de hijueputa que tanto me gusta como para quererlo y no odiarlo. El filme cumple con su cometido. Y el final, digno de un Western, es tan abrumante que el espectador no queda en ascuas sin necesidad de lo grafico.

Thriller: A Cruel Picture es una película cruel y extraña como evento cinematográfico que debe ser vista para creerla. Que no les importe si me gusto o no me gusto, eso es otra cosa. De ustedes depende quererla o escupirle en su tumba.

También conocida como They Called Her One Eye, en su versión distribuida en América por la American Internacional Pictures, corte que no aplica a esta reseña porque es muy, muy diferente. Y sí, esta fue la película que inspiro a Tarantino para el papel de Darryll Hannah en Kill Bill (¡No quiero mencionar a Tarantino más en mis reseñas!)

Nightmare City (1980)

2010-08-03T03:35:00.008-05:00

Umberto Lenzi es un maestro de la explotación. Antes de ver su ridicula, pero confiable, enferma y divertida Cannibal Ferox (1981), podría decir que lo catalogaria como un director de mercado, montón y olvido. Pero lo mismo que paso con D´Amato, Lenzi me ha conquistado con éxito sin intentar demasiado. Nightmare City, es una de las películas de zombies más extravagantes de los ochentas y mucho más perteneciendo a la onda de zombie films italiano que inició Fulci en el 79´con la importante, pero no tan maravillosa, Zombie.

Nightmare City aparca la diferenciación de los clichés sin despegarse de ellos. Hay zombies en esta película, pero no andan lento, ni comen carne.

Si… no comen carne. Estos beben sangre, corren más rápido que sus propias victimas, usan cuchillos y pistolas y tiene fetiche por las tetas de las viejas. Aunque esta idea va a ser re-usada nauseabundamente en la problemática Zombi 3 (Que no es de Fulci, advierto, como se piensa oficialmente), Lenzi usa la idea del personaje asesino como tal de una forma inusual, pero exitosa como espectáculo gore nutrido de un surrealismo Buñueliano, pero de forma cruda, moderna y excéntrica.

Incluso la forma en que Lenzi presenta la cotidianidad de su historia complementa la sensación pesadillezca del asunto. Al explotar una base radioactiva, un avión fantasma aterriza en el aeropuerto. Sin saber quien conduce, porqué nadie contesta al llamado, la puerta se abre y de él, una enmarañada de zombies hambrientos se tira encima de los militares y, peor que un paraco, arrasa con una cantidad de gente inocente en pocos minutos. Dean (Hugo Stiglitz), un reportero que presencio lo ocurrido corre para avisar en un canal de la televisión lo que esta ocurriendo en la ciudad, pero los militares y el gobierno no lo dejan porqué son unos bastardos (sin gloria, pero no de los cheverongos) y terminan dejando a nuestro heroe en busca de su heroína, su bella, gritona esposa que trabaja como cirujana en un hospital (Laura Trotter). El caos, por supuesto no es controlado y nuestros personajes deben correr por sus vidas sin saber si la pesadilla acabe, tenga solución, llegue un cura karateca (No, no va a poder ser) ó simplemente sea una historia sin fin…

Los filmes apocalípticos son lo mió si tienen un ritmo interesante. Lenzi nutre la historia con diferentes personajes que, aunque se relacionen desde lejos, nunca tiene contacto consigo mismos, y me gusta mucho porqué se logra diagramar una completa ciudad en caos y no se retrata como es usual, a un grupo sobreviviente. Al mismo tiempo, el gore va a compensar a muchos malmirados por la supuesta estupidez del conflicto. Hay demasiada sangre para dejarlos contentos, pero de nuevo, esta no es una novedad y no es lo mejor del film. Stiglitz y Trotter terminan creando una arquetipica simpatia, mientras que los militares (Entre los que se encuentra actores tan maravillosos como Paco Rabal) no nos hacen importar demasiado sus intentos de desbloquear la ciudad y ganar la guerra contra lo desconocido. Se nota que ya la tienen perdida.

Además, el clímax final es una delicia.

Lenzi insiste en que esta película no es de zombies, sino de gente contaminada que se vuelve vampiros. Inspirado en un accidente nuclear ocurrido en los 70s en Seveso, Milan, Lenzi queria hacer un filme diferente a los famosos épicos de Romero y Fulci, a pesar de contar con negativas de su productora. Él aclara que sus vampiros, zombies ó finalmente criaturas, monstruos, son seres humanos contaminados. Es por eso que el maquillaje también se diferencia de muchas otras películas porque este muestra un avance.

La película tiene sus risas inintencionales y no representa ningún mensaje social, cosa que afortunadamente, Lenzi es consciente y que solo usa para hacer comparaciones. Hay películas entretenidas, fantasiosas y absurdas pero conscientes de sus mismas características y de su capacidad para usarlas para crear un espectáculo vivaz y autentico. Ese tipo de película es Nightmare City. Es un filme fantasioso perfecto que respeta las propias reglas que se ha planteado, además de su genial uso del surrealismo para crear la pesadilla. De hecho, Tarantino plantea que de aquí nace la tesis para armar el filme de Robert Rodríguez Planet Terror.

Lenzi creado el autentico monstruo loco italiano y no podemos dejar ninguna oportunidad para perdernos tan maravillosa pesadilla. También conocida como City of the Walking Dead ó Incubo, sulla città contaminata.

Mondo Topless (1966)

2010-08-01T10:12:00.007-05:00

Ver Mondo Topless me hizo preguntarme si el mundo hubiera sido el mismo si Russ Meyer hubiera hecho alguna película con Chesty Morgan. ¿El celuloide habría aguantado tales…?

Como sea…

Mondo Topless es un documental (o por lo menos intenta serlo) acerca de las más bellas go-go girls de Norte America y de Europa. Las chicas nos cuentan su opinión sobre cualquier pendejada mientras bailan en el desierto, se ensucian en el fango ó se montan en un toro mecánico o una torre eléctrica. Acompañadas de un pequeño radio que pone rock´n roll para que bailen, Meyer usa el elemento como conector de las entrevistas de las chicas.

Bueno, estos es un material, más que didactico, historicamente interesante por así decirlo. Los amantes de la explotación deben obligarse a verse esta película por lo menos en un (me van a odiar por esto) sentido academico. Mondo Topless debe entenderse como una grata herencia del burlesque, y una definición exacta del espectáculo pin-up. Probablemente los amantes de Meyer y los que entiendan el sentido del espectáculo que se esta dando, van a disfruta sus cortos 60 minutos. Es muy lógico que hoy en día muchos puedan aburrirse.

Pero es un descubrimiento, no solo porqué tiene el típico lenguaje filmico de Meyer, que aunque no desarrolla narrativamente nada, en el sentido del montaje se dan la ya revolucionarias pautas de su cine. El tipo de narración y en la forma en que esta contada no trauduce el idioma de un mondo ambicioso como los de Jacopetti y Prosperi, si se desarrolla como el tipico sexploitation à la Teaserama. Mondo Topless es una buena forma de afirmar el amor de Meyer por la tetas, pero no es la mejor forma de entender su camp y su lenguaje de autor en su mejor punto, para eso … Beyond the Valley of the Dolls ó todo lo que termine en Vixen, por favor. Igualrmente es importante tenerla en cuenta por su fantastica notoriedad glandular y especialmente como documento del burlesque tipo de la callé 42. Absolutamente todos estos espectáculos comparten el mismo ritmo y la inexistente narrativa, quedando el deslumbrimiento momentaneo.

A pesar de todo, se nota que películas como esta influenciaron tanto a un John Waters, especialmente por dos titulos: Mondo Trasho y su infame Pink Flamingos. Y data, finalmente dar su importancia hacia el Grindhouse, gracias a la aprición de Babette Bardot, que protagonizaria otros bochornosos hits del sexploitation sesentero y Lorna que cuenta su experiencia precisa dentro del circuito. Buen elemento de investigación.

Hablando de tetas ... No puedo creer que haya acabado de escribir eso.

Reefer Madness: The Movie Musical (2005)

2010-07-27T05:37:00.008-05:00

Dejen a un lado el que este sea una película filmada para televisión (Una de las más caras últimamente, por cierto), la película fue rotundo éxito en el festival de Sundance pero ha sido injustamente olvidada y opacada por otro musicales que no le llegan a los talones. No desde The Little Shop of Horrors había un homenaje tan maravilloso al cine de explotación por parte del teatro musical como este, y su encanto, reside especialmente en que empieza como una parodia pero termina siendo una excelente y deliciosa parodia a la historia del conservadurismo norteamericano en el que se ha construido su propia historia, de anticuados, hipócritas valores familiares y patrióticos. Se los digo señoras y señores, esta es una cachetada tremenda para los gringos. Y ellos se ríen de si mismos con nada más que chicas en bikini, marihuana, rock´n roll, Jesús, el diablo, ostras diabólicas, zombies y mucho gore. ¿No es eso los ingredientes perfectos para una velada perfecta?

No me quiero ir por el lado de la exageración, pero Reefer Madness lo propone y lo entrega. Basado en la obra de teatro, que a si mismo esta basada en la estupida película de propaganda por excelencia de los años 30s, cuenta la historia de Jimmy (Christian Campbell) que esta enamorado de Mary Lane (Kristen Bell), la chica más dulce del pueblo, pero conoce a un traficante (Steven Weber), a su esposa (Anna Gasteyer) y a sus groupies, un loco adicto (John Kassir) y una sexy rubia que vende a su bebe a Fu Man-Chu para poder comprar más maria (Amy Spanger).

La película es una sátira y usa la propia ignorancia del material en que esta basado para poder reírse de su misma patria. Y ademas, sus canciones son las más pegajosas de la temporada – no podría creerlo,pero es una banda sonora perfecta. Además de que todos los ojos estarán contentos. Christian Campbell, maravilloso actor, anda sin camisa un buen rato, Bell pasa de ser frígida a una completa… mujer muy abierta al cuero y hay un montón de chicas en bikini en varias escenas. Y sí … Alan Cumming es una cabra con gusto a los hombres. Todos estamos contentos.

Además Ana Gasteyer es la maestra de la sobreactuación. La adoro.

¡Este ES un musical de CULTO! Uno de los mejores de la década y definitivamente merece más audiencia. Los amantes del cine de culto deberían tenerla en su corazón pero ya. ¡Que buen regalo me di! Divertida, excelente recomendación.

Reefer Madness (1936)

2010-07-27T05:06:00.003-05:00

ÚNICA ESCENA

Una sala de cine desocupada. Se ha acabado la película, Reefer Madness, y solo una mujer y un hombre desconocido se quedan. Se ven. El hombre se levanta de la silla y se sienta al lado de ella.

ÉL: ¿Le gusto la película?

ELLA: Tengo ganas de fumar. Mucha gente fuma en el film.

ÉL: ¿Pero… Marihuana?

ELLA: ¡Ah! No… Para nada… ¿No entendió el mensaje de la película?

ÉL: Por supuesto que lo entendí. Estoy en la universidad (por una beca), voy a la iglesia todos los domingos y vote por el santo elegido. Creó que tengo la inteligencia suficiente para entender una maravillosa película como esta.

ELLA: ¡Oh! De seguro que tiene todo para hacer caer a una chica en sus brazos. Pero en realidad, esta película lo tiene todo. Pobre chica, a la que le dispararon en la espalda. ¿Ve mi pañuelo? Esta emparamado de mis mocos.

ÉL: Definitivamente, ver que estos muchachos… caen de esa forma. ¿Y donde estas sus padres? Definitivamente deben ser un rojos descarados. ¿Vio como la chica tocaba el piano?

ELLA: ¡Ah! ¡Como los cubanos! Deben pertenecer al ejercito de Chaves.

ÉL: ¡Que buena analogía! …(Riendo) ¡Realmente es usted inteligente!

ELLA: Por supuesto, no ve que voy a la universidad, voy todos los domingos a la iglesia y vote por el santo electo. Aunque no voy a negarle que Hugo tiene una cara de los más de encantadora.

ÉL: ¿Le gusta?

ELLA: Tanto como amo a mí querida nación. ¿Es esta película norteamericana?

ÉL: Por supuesto. ¿No la vio? Maravillosos actores, efectos especiales y grandes textos como los de Shakespeare. Es por eso que debemos entregarles nuestro corazón. Ellos nos darán el futuro que nos merecemos.

Salé el acomodador y los mira con mala cara.

ÉL: Es mejor que nos vayamos.

ELLA: Si, creó que es lo mejor (Suspira) ¡Que gran película!

Él y Ella se levantan y se van. El acomodador los mira y al irse se caga de la risa y prende un cachito de marihuana.

Telón.

Evaluación: 5/5